Berühmte Kleider in der Malerei, an denen man erkennen kann, was die Mode der Zeit war

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Kunst und Mode haben sich seit jeher gegenseitig beeinflusst, was Kritiker und Fashionistas dazu zwingt, neuen Trends zu folgen, die sich hastig ersetzen. Und während die einen das Bild nach technischen Eigenschaften bewerteten, rannten andere zu den Schneidern, um bald ein Kleid zu bekommen, das genau dem der auf den Leinwänden abgebildeten Heldinnen entsprach.

1. Renaissance

Die Renaissance war eine Zeit der kulturellen und künstlerischen Wiederbelebung, da der Klassizismus eine revolutionäre Rückkehr in die europäischen Gesellschaften erlebte. Allerdings gab es in dieser Zeit auch bedeutende Veränderungen in der Mode. Sehen Sie, wie berühmte Kleider in Gemälden die Mode während der Renaissance beeinflussten.

"Portrait of the Arnolfini Couple" von Jan van Eyck ist eines der Hauptelemente der Stoffstudie in der Porträtmalerei. Das smaragdgrüne Wollgewand der Frau und die hermelingefütterten Ärmel zeugen von Familienstatus, denn nur die Reichen konnten sich einen solchen Stoff leisten. Wolle, Seide, Samt und Pelz waren selten und in der Herstellung teurer als Baumwolle oder Leinen und galten als Symbol für Status und Reichtum. Eine der umstrittensten Fragen rund um das Gemälde ist, ob die abgebildete Frau (vermutlich Arnolfinis Frau) schwanger ist. Renaissanceröcke waren so üppig und schwer, dass Frauen sie hochhoben, um sie leichter zu bewegen.

Die zusätzlichen kurvigen Falten des Kleides zeigen auch einen Trend zur Darstellung von Frauen mit einem ausgeprägten Bauch, da er auf die Zeugung von Kindern während der Ehe hindeutet. Ein weiteres Beispiel dafür ist Les Très Riches Heures du Duc de Berry der Brüder Limburg. In beiden Bildern sind Frauen mit runderen Bäuchen dargestellt. Das Prächtige Stundenbuch des Herzogs von Berry zeigt eine Hochzeit und ist mit dem Porträt Arnolfinis vergleichbar, da beide Frauen in Erwartung der Schwangerschaft ein Bild der Mutterschaft projizieren. Ohne das Gemälde aus einer modernen Perspektive zu betrachten, kann man es als eine Aufzeichnung dessen sehen, was die Frauen trugen und was für die Menschen wichtig war, anderen zu zeigen.

2. Barock- und Rokokozeit

Barock und Rokoko zeichnen sich durch exquisite Ausstattung, Dekadenz und Verspieltheit aus. Diese Tendenzen manifestierten sich nicht nur in der Kunst, sondern auch in der Mode durch aufwendige Ornamente und luxuriöse Kleider. Werfen Sie einen Blick auf einige der berühmten kunstinspirierten Kleider.

Die Liebe zum Detail und zur Kleidung einer unbekannten Künstlerin macht Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) und Little Mary zu einem wichtigen Album der Puritaner Neuenglands. In diesem Look trägt Elizabeth feine amerikanische Stoffe und Accessoires aus dem 17. Jahrhundert. Ihr weißer Spitzenkragen weist auf die beliebte europäische Spitze hin, die bei aristokratischen Frauen zu finden ist. Unter ihrem Kleid ist ein goldbestickter Petticoat aus Samt zu sehen, und Bänder zieren die Ärmel. Auch eine Frau hat Schmuck: eine Perlenkette, einen Goldring und ein Granatarmband, das wiederum von Status und Wohlstand spricht. Dieses Gemälde bietet eine einzigartige Perspektive auf das puritanische Leben von Elizabeth und ihrer Familie.

Es ist auch erwähnenswert, dass es dem Künstler meisterhaft gelungen ist, Bilder des Reichtums in einem bescheidenen Rahmen zu mischen. Das Gemälde zeigt deutlich Elizabeths Reichtum und hebt ihre schönsten Kleider und Schmuckstücke hervor. Es spiegelt auch den Reichtum ihres Mannes John Frick wider, der es sich leisten konnte, jede Laune seiner Frau zu erfüllen, indem er ihr verschiedene Arten von Outfits und Schmuck kaufte. Darüber hinaus symbolisiert das Bild ihre puritanische Haltung der Dankbarkeit gegenüber Gott, denn ohne seinen Segen hätten sie einen solchen Luxus nicht haben können.

Die Schaukel von Jean-Honore Fragonard ist ein Beispiel für den Rokoko-Stil in französischen Adelskreisen. Das Gemälde wurde privat in Auftrag gegeben, als ein französischer Höfling den Künstler bat, sein eigenes Porträt und das seiner Geliebten zu malen. Trotz der Tatsache, dass das Gemälde hinter verschlossenen Türen aufbewahrt wurde, offenbart es den Luxus, die Frivolität und den geheimen Charakter des französischen Königshofs.

Das pastellrosa Kleid sticht aus dem üppigen Garten heraus und steht im Mittelpunkt. Jean bemalte das Kleid mit lockeren Pinselstrichen, die die weiten Röcke und das gekräuselte Mieder ihres Kleides nachahmen. Sein lockerer Pinsel passt zur Handlung dieser idyllischen Gartenszene voller koketter und skurriler Bilder.

Seine Malerei zeigt auch die Trends, die am französischen Hof für Mode gesetzt wurden. Rokoko transzendierte Mode, Kunst und Architektur, um etwas einzigartig Französisches zu schaffen. Die Rokoko-Mode umfasste die luxuriösesten Stoffe, darunter pastellfarbene Seiden, Samtstoffe, Spitzen- und Blumenmuster sowie eine übermäßige Menge an Schleifen, Edelsteinen, Rüschen und dekorativen Verzierungen, um einen Look zu kreieren, auf dem sich Höflinge und Gäste zusammenrollen würden haben ihre Köpfe. Stil definierte den Unterschied zwischen Arm und Reich, da sich die Aristokratie den Luxus exquisiter Stoffe und Ornamente leisten konnte. Für Frauen, die diese vom Rokoko inspirierten Outfits tragen, ist das Gemälde der Inbegriff des französischen Königshofs vor der Revolution.

3. Berühmte Kleider in den Gemälden des 19. Jahrhunderts

Im 19. Jahrhundert kam es zu einem künstlerischen Wandel vom Neoklassizismus zur frühen Moderne, der Stilen und Denkschulen wich. In diesem Jahrhundert änderte sich auch die Mode. Lesen Sie weiter, um zu erfahren, wie die Gemälde die Entstehung berühmter Kleider und Stile beeinflusst haben, die deutlich moderner waren als zuvor.

Art for Art wurde mit Symphony in White No. 1 von James Abbott McNeill Whistler in Verbindung gebracht, der dem Gemälde eine spirituelle Bedeutung verleihen wollte. Kritiker sahen dies jedoch nicht, da das Gemälde die Geliebte des Künstlers in einem hellweißen Kleid darstellte. Infolgedessen wurde dieses Porträt skandalös. Während des 19. Jahrhunderts enthielt die Damenbekleidung oft einen Krinoline-Petticoat aus Stahl. Frauen trugen neben einer Vielzahl anderer Dessous auch Korsetts, um breitere Röcke kreieren zu können.

„Die Frau in Weiß“ist das komplette Gegenteil von dem, was damals modisch und hochkarätig war. Das Kleid der auf dem Bild abgebildeten Hauptfigur war eine Art Unterwäsche, die entweder ein Ehemann oder ein Liebhaber sehen konnte, da man glaubte, dass solche Kleidung sehr leicht auszuziehen sei. Für Whistler war es seine Muse, Teil einer Szene zu sein, die dem Auge gefiel. Er porträtierte Hiffernan, wie er sie sah, und für die damaligen Zuschauer war das Bild sowohl verwirrend als auch ein wenig unanständig. Mit dem Aufkommen von 1900 wurde ein solches Kleid jedoch zur Norm für den Alltag.

James Tissot schuf Ende des 19. Jahrhunderts viele Gemälde, die Damenmode darstellen. Er war der europäischen Mode voraus und ist dafür bekannt, seine Motive mit Blick auf die neuesten Modetrends zu malen. Die Damenmode begann sich Ende des 19. Jahrhunderts unter jungen Damen in Paris und London zu verändern. Die weiten und schweren Röcke ihrer viktorianischen Vorgänger wurden durch schmalere mit bauschigen Falten im Rücken ersetzt.

Auf dem Gemälde "Miss Lloyd" trägt die Heldin ein Kleid, wie es damals in der Gesellschaft getragen wurde, was die schmale Taille und die Sanduhrfigur betont. "Portrait of Kathleen Newton" (seiner damaligen Begleiterin) ist das komplette Gegenteil des Bildes von Miss Lloyd. Die Künstlerin porträtierte eine Frau in einem Kleid, das Mattigkeit und Verführung ausstrahlt. Beide Frauen haben jedoch ihren eigenen besonderen Charme und ihr eigenes Mysterium, das sie umgibt. Das Kleid selbst symbolisiert die Unterschiede in der damaligen Populärkultur. Ein Bild ist traditionell und konventionell, während das andere für die Zuschauer im 19. Jahrhundert offen intim und skandalös ist.

John Singer Sargent schuf das Bild einer Frau, das, obwohl für seine Zeit inakzeptabel, zu einem seiner bekanntesten und verehrtesten Gemälde wurde. Dies ist ein Porträt von Madame Virginie Gautreau, einer amerikanischen Schönheit gemischt mit französischer High Society. Dies führte zu einem solchen Skandal, dass John selbst Paris nach London verlassen musste.

Ihr Korsett ist extrem spitz zum Unterbauch. Ein scharfer, tiefer V-Ausschnitt und perlenbesetzte Schultergurte bedecken kaum die Schultern und legen die intimen Teile einer Frau frei, die für die öffentliche Präsentation ungeeignet waren. Nachdem Sargent das Gemälde 1884 auf dem Pariser Salon präsentierte, sorgte es bei Kritikern und Zuschauern für Empörung, weil es für eine verheiratete Frau der Oberschicht nicht angemessen ist, in einer so provokanten Form zu sein. Dem Publikum im Salon schien es, als ob die Heldin des Bildes Unterwäsche trug, kein Kleid. Und Gautreaus Ruf in den Augen der Menschen begann auf Null abzurutschen, weil viele sie für eine obszöne Person hielten. Schließlich entfernte Sargent ihren Namen aus dem Porträt und benannte ihn in "Madame X" um.

4. Berühmte Kleider in den Gemälden des 20. Jahrhunderts

Die Kunst des 20. Jahrhunderts konzentrierte sich auf Abstraktion und Ausdruck und erfuhr mit neuen Stilen und Themen erhebliche Veränderungen. Es führte auch zur Erforschung neuer Formen und Synthesen von Mode und Kunst. Hier werden die berühmten Kleider gezeigt, die im 20. Jahrhundert auf Gemälden zu sehen waren.

Adele Bloch-Bauers goldenes Kleid hebt sich vom Rest der High-Society-Kleidung ihrer Zeit ab. Anstatt eine Frau aus der Oberschicht zu porträtieren, die sich in einem Garten entspannt oder auf einer Couch liest, verwandelt Klimt Adele in eine jenseitige Figur. Ihr Kleid ist eine wirbelnde Figur voller Dreiecke, Augen, Rechtecke und Ikonographie. Es gibt keine Anzeichen von Korsetts mit gerader Schnürung oder Kleidungsschichten. Modern enthält Themen der Natur und mythische Bilder. Dies gilt auch für die böhmische Mode, die Gustav selbst trug und in verschiedenen anderen Gemälden verwendete.

Er malte oft Zeichnungen der Modedesignerin Emily Flege. Sie ist in der Modewelt nicht so bekannt wie ihre Zeitgenossen oder Vorgängerinnen, aber sie hat es gut gemacht, Mode für die Frauen ihrer Zeit zu kreieren. Manchmal war es eine Zusammenarbeit, da Gustav ihre berühmten Kleider in vielen seiner anderen Gemälde verwendete.

Tamara Lempicka schuf in den 1920er Jahren Porträts, die Weiblichkeit und Unabhängigkeit erforschten. Die Art-Deco-Künstlerin wurde bekannt für ihre Porträts von Prominenten, die die stilisierte und polierte Form des Kubismus erforschten, die zu ihrem Markenzeichen wurde. Ira Perrault (eine enge Freundin und wahrscheinliche Geliebte von Lempicki) wird als wörtliche Manifestation der Musik in La Musicienne angesehen. Das Besondere an dem Bild ist die Darstellung eines blauen Kleides. Tamaras harte Schattenwurftechnik mit ihrer reichen Farbpalette verleiht dem Kleid Bewegung, so dass es in der Luft zu schweben scheint. Der kurze Saum des Kleides und die fließenden Falten erinnern noch heute an die Mode der 1920er Jahre, die einen Wendepunkt in der Damenmode darstellte. Frauen trugen Kleider, die ihre Beine und Arme freilegten, und Faltenröcke, die das Tanzen erleichterten.

Tamara wurde von Meistern der Renaissance inspiriert und studiert und verwendete ähnliche Themen mit einem modernen Ansatz. Traditionell ist Blau auf den Kleidern der Jungfrau Maria in mittelalterlichen oder Renaissance-Gemälden zu sehen. Ultramarinblau war selten und wurde für bedeutende Gemälde verwendet.

Bunte und handgemachte mexikanische Stoffe werden in die Arbeit von Frida Kahlo eingewebt. Sie nahm diese Kleidungsstücke als Teil ihres Erbes an und trug sie in zahlreichen Selbstporträts und Fotografien. Die berühmten Kleider in The Two Fridas symbolisieren ihre Verbundenheit zu beiden Seiten ihres europäischen und mexikanischen Erbes.

Frida links spiegelt ihre Erziehung in einer großbürgerlichen Familie wider. Ihr Vater stammte ursprünglich aus Deutschland, und das häusliche Leben als Kind enthielt westliche Bräuche. Die weiße Spitze des Kleides symbolisiert den in der europäischen Mode beliebten Stil. Diese verwestlichte Version steht im Gegensatz zu dem Wunsch der rechten Frida, ihr mexikanisches Erbe durch das Tragen eines traditionellen Kleides anzunehmen. Diese Kleidung ist etwas, das ihr Ehemann Diego Rivera ermutigte, besonders in ihrem Kampf, ihr Land zu verändern. Das Kleid zeigte ihren Stolz, lokale und traditionelle Kleidung aus Mexiko zu tragen.

Kahlos Kleidung ist ein wichtiger Aspekt ihres Lebens und ihrer Arbeit. Nachdem sie als Kind an Kinderlähmung erkrankt war und ein Bein kürzer wurde als das andere, wurden bunte Röcke für sie zu einer Möglichkeit, ihr Bein so zu verstecken, dass sie vor Überprüfungen geschützt war. Die Garderobe des Künstlers umfasste Tehuana-Kleider, Huipil-Blusen, Rebozo, florale Kopfbedeckungen und antiken Schmuck. Diese Kleidungsstücke für Kahlo sind eine Illustration ihrer Liebe, ihres Schmerzes und ihres Leidens, die sie in ihre Arbeit einfließen ließ.

Davon, wie sich der Kimono im Laufe der Jahrhunderte verändert hat und welche Rolle es in der Kunst und der modernen Mode gespielt hat, lesen Sie im nächsten Artikel.