Wie Gemälde berühmter Künstler Teil der Mode wurden und einen neuen Stil des 20. Jahrhunderts prägten

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Die Verbindungen zwischen Kunst und Mode definieren spezifische Momente der Geschichte. Beide Medien spiegeln den gesellschaftlichen, wirtschaftlichen und politischen Wandel von den Goldenen Zwanzigern bis zu den pulsierenden Achtzigern wider. Hier sind vier Beispiele von Künstlern und Modedesignern, die durch ihre Arbeit dazu beigetragen haben, eine neue Perspektive auf die Kunst und Mode des 20. Jahrhunderts zu formen.

1. Halston & Warhol: Modebruderschaft

Die Freundschaft zwischen Roy Halston und Andy Warhol bestimmte die künstlerische Welt. Sowohl Roy als auch Andy waren Anführer, die den Weg ebneten, um den Künstler / Designer zu einer Berühmtheit zu machen. Sie entfernten das anmaßende Stigma der Kunstwelt und brachten Mode und Stil in die Massen. Warhol verwendete mehrmals Siebdruck, um die Bilder zu erstellen. Obwohl er das Verfahren sicherlich nicht erfunden hat, revolutionierte er die Idee der Massenproduktion.

Roy verwendete Stoffe und Muster, die einfach und elegant, aber glamourös waren, mit Pailletten, Ultras und Seide. Er war einer der ersten, der amerikanische Mode zugänglich und begehrenswert machte. Beide hinterließen in den 1960er, 70er und 80er Jahren ihre letzten Spuren in Kunst und Stil, die bis heute andauern.

Sowohl Roy als auch Andy haben an vielen verschiedenen Projekten zusammengearbeitet. Warhol erstellte Werbekampagnen, die Halstons Kleidung und sogar Halston selbst zeigten. Halston wiederum verwendete den Warhol-Blumendruck in einigen seiner Bekleidungskollektionen, von Abendkleidern bis hin zu Freizeitsets.

Roy verwendete einfache Muster in seiner Kleidung, was sie sehr erfolgreich machte. Sie waren angenehm zu tragen, hatten aber dank der Stoffe, Farben und Drucke auch einen Hauch von Luxus. Warhol vereinfachte auch seine Materialien und Verfahren. Dies erleichterte die Reproduktion seiner Werke und machte sie verkaufsfähiger.

Kommerzieller Erfolg hatte für beide Künstler seine eigenen Herausforderungen. Halston war 1982 der erste Partner der Einzelhandelskette JCPenney, was sich auf die Qualität seiner Marke auswirkte. Auch Warhol stieß auf Kritik, da seine Arbeit als oberflächlich empfunden wurde. Beide haben jedoch ihre Einzelhandels- und Marketingnutzung in ihren jeweiligen Räumen modernisiert, um Marken für den Massenmarkt zu schaffen.

Roy und Andy waren häufige Besucher von Studio 54. Sie veranstalteten Partys, entwarfen und produzierten Werke für Prominente wie Liza Minnelli, Bianca Jagger und Elizabeth Taylor. All dies spiegelt sich in ihrer Arbeit wieder, da sie die Disco-Ära der 1970er Jahre inspirierten und definierten.

Halston war bekannt für seine glitzernde Abendgarderobe. Roy legte die Pailletten horizontal auf den Stoff und erzeugte einen schimmernden Effekt des Materials, mit dem er luxuriöse Outfits kreierte, die von vielen glamourösen Damen geliebt werden.

Die Warhol Diamond Dust Shoe Series illustriert auch das Nachtleben von Studio 54 und die dort lebenden Prominenten. Diamantstaub ist das, was er über Schablonen oder Gemälden verwendet, um dem Werk eine zusätzliche Tiefe zu verleihen. Und seine Schuhe waren ursprünglich die Idee für Halstons Werbekampagne. Auf jeden Fall haben die beiden einen großen Beitrag zur Mode geleistet und unauslöschliche Spuren hinterlassen. Tatsächlich lassen sich auch heute noch viele moderne Designer von den Ideen von Andy und Roy inspirieren und kreieren großartige Kollektionen mit Anklängen an die Vergangenheit.

2. Sonia Delaunay: Wenn aus Kunst Mode wird

Sonia Delaunay revolutionierte nicht nur eine neue Form des Kubismus, sondern führte auch die Verbindung von Kunst und Mode ein. Sowohl Delaunay als auch ihr Mann waren Pioniere des Orphismus und experimentierten mit verschiedenen Formen der Abstraktion in der Kunst. Sie war die erste ihrer Art, die ihren eigenen künstlerischen Stil verwendete und mit ihren originellen Textildesigns, Drucken oder Mustern in die Modewelt eintrat. Sie ist mehr für ihre Kunst und ihre Verbindung zu ihrem Mann in Erinnerung als für ihre Mode. Ihr Stil spielte in den 1920er Jahren eine große Rolle, und ihr Kleidungskatalog ist mehr für Fotografien und Referenzen zu ihrer Kunst als für die Kleidungsstücke selbst bekannt. Für Sonya gab und gibt es keine Grenze zwischen Kunst und Mode. Für sie sind sie ein und dasselbe.

Sie begann ihr Modegeschäft in den 1920er Jahren, kreierte Kleidung für Kunden und entwarf Stoffe für Hersteller. Sonya nannte ihr Label Simultaneous und ging noch weiter mit der Verwendung von Farben und Mustern zu verschiedenen Themen. Gleichzeitigkeit spielte in ihrer Arbeit eine wichtige Rolle, und ihre ungewöhnliche Technik erinnerte an einen Patchwork-Quilt oder Textilien aus Osteuropa: Farben überlagerten sich, Muster sorgten für Harmonie und Rhythmus. Ihre gemeinsamen Themen sind Quadrate / Rechtecke, Dreiecke und diagonale Linien oder Kugeln - die sich alle in ihren verschiedenen Designs überschneiden.

Delaunay war eine junge Frau während der Edwardian-Ära, als Korsetts und Konformität die Norm waren. Dies änderte sich in den 1920er Jahren, als Frauen begannen, Röcke über dem Knie und weite, figurbetonte Kleidung zu tragen. Dieser Aspekt zeigt sich in Delaunays Designs und sie war leidenschaftlich daran interessiert, Kleidung zu kreieren, die den Bedürfnissen von Frauen entspricht. Sonya hat Bademode entwickelt, die es Frauen ermöglicht, sich auch beim Sport und Schwimmen wohler zu fühlen. Sie brachte ihre Drucke auf Mäntel, Schuhe, Hüte und sogar Autos an und nutzte jede Oberfläche als Leinwand. Ihre Entwürfe schufen Bewegungs- und Ausdrucksfreiheit durch Farbe und Form.

Während ihrer gesamten Karriere versuchte sie sich ständig an etwas Neuem und wechselte ins Kino und Theater. Sonia entwarf die Kostüme für Rene Le Somptiers Der kleine Pariser, während ihr Mann das Set für den Film übernahm. Sie liebte geometrische Formen, kombinierte und mischte sie geschickt miteinander, schuf skurrile Muster und unterbrochene Linien, die zu ihrem Markenzeichen wurden.

3. Zusammenarbeit zwischen Elsa Schiaparelli und Salvador Dali

Die Avantgarde der surrealen Kunst wird mit dem Führer der surrealen Mode kombiniert. Salvador Dali und die Modedesignerin Elsa Schiaparelli haben im Laufe ihrer Karriere zusammengearbeitet und sich gegenseitig inspiriert. Sie schufen ikonische Looks wie Lobster Dress, The Shoe Hat und The Tear Dress, die das Publikum sowohl in der Kunst als auch in der Mode schockierten und inspirierten. Dali und Schiaparelli ebneten den Weg für die zukünftige Zusammenarbeit zwischen Modedesignern und Künstlern und überbrücken die Kluft zwischen dem, was als tragbare Kunst und Mode gilt. Dali verwendete Hummer als wiederkehrendes Thema in seiner Arbeit und interessierte sich für ihre Anatomie.

Kleid "Omar" ist ein gemeinsames Werk von Elsa und Dali, und ihre Kreation sorgte nicht nur am Tag ihres Debüts, sondern auch danach für viele Kontroversen. Erstens hat es ein transparentes Mieder und einen weißen Organzarock. Das ungewöhnliche Outfit hat die Modewelt buchstäblich in die Luft gesprengt und in dieser Hinsicht viele Kontroversen ausgelöst. Die Verwendung von weißem Tuch steht auch im Kontrast zur roten Farbe des Hummers. Weiß kann im Vergleich zu Rot als jungfräulich angesehen werden oder Reinheit symbolisieren, was Entspannung, Kraft oder Gefahr bedeuten kann.

Skelette sind ein weiteres Thema in der surrealen Kunst und wurden in weiteren Kooperationen zwischen Dali und Schiaparelli verwendet. Das Skelettkleid war das erste seiner Art. Elsa verwendete eine Technik namens Trapunto, bei der zwei Stofflagen zusammengenäht werden, um eine Kontur zu erzeugen, wo die Watte eingesetzt wird, wodurch ein erhabener Effekt entsteht. Diese Technik erzeugt eine strukturierte Oberfläche auf einem flachen Stoff, die den Eindruck erweckt, dass menschliche Knochen durch das Kleid ragen. Dies löste einen Skandal aus, da das Kleid aus einem elastischen Material bestand, das auf der Haut haftete. Die Fantasien von Dalis Gemälden und Zeichnungen wurden in der unwirklichen Welt von Schiaparellis Outfits verkörpert, die bis heute bei Betrachtern und Designern einen unauslöschlichen Eindruck hinterlassen.

4. Yves Saint Laurent: Der Zusammenprall von Kunst und Inspiration

Wo verläuft die Grenze zwischen Nachahmung und Wertschätzung? Kritiker, Publikum, Künstler und Designer haben sich schwer getan, herauszufinden, wo diese Linie verläuft. Wenn es um Yves Saint Laurent ging, waren seine Absichten jedoch nichts anderes als Schmeichelei und Bewunderung für die Künstler und Gemälde, die er als Inspiration verwendete. Mit Blick auf sein umfangreiches Portfolio ließ sich Saint Laurent von Kulturen und Kunst aus der ganzen Welt inspirieren, die er erfolgreich in seine Kleidung einfließen ließ.

Obwohl Yves die Künstler, die ihn inspirierten, nie traf, hielt ihn das nicht davon ab, Kunstwerke als Zeichen des Respekts vor ihnen zu schaffen. Laurent ließ sich von Künstlern wie Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque und Picasso inspirieren. Er war Kunstsammler und sammelte Gemälde von Picasso und Matisse, die er in seinem Haus aufhängte.

Yves nahm einige der Kunstmotive und verwandelte sie in atemberaubende Kleidung, die einigen seiner Lieblingskünstler huldigt. Die 1960er Jahre waren eine Zeit der Revolution und des Kommerz, eine neue Ära der Mode und Kunst. Saint Laurents Projekte erlangten kommerziellen Erfolg, als er begann, sich von Pop-Art und Abstraktion inspirieren zu lassen. 1965 kreierte er 26 Kleider, die von abstrakten Gemälden von Piet Mondrian inspiriert wurden. Die Kleider verkörperten Mondrians Verwendung einfacher Formen und kräftiger Primärfarben. Yves verwendete eine Technik, bei der keine Nähte zwischen den Stoffschichten sichtbar waren, was den Eindruck erweckte, die Kleidung sei ein Ganzes. Saint Laurent übernahm Mondrians Kunst aus den 1920er Jahren und machte sie im Vergleich zu den 1960er Jahren tragbar.

Modekleider sind klassische Beispiele für den Stil der 1960er Jahre. Sie ähnelten der Kleidung aus den 1920er Jahren, die weniger eingeschränkt war und Ärmel und Säume hatte, die große Hautflecken freilegten. Durch die quadratischen Silhouetten von Saint Laurent fühlten sich Frauen leicht und frei. Dies führte ihn auch zur Inspiration von Pop-Art-Künstlern wie Tom Wesselman und Andy Warhol. Er schuf eine Reihe von Pop-Art-inspirierten Designs, die Silhouetten und Ausschnitte auf seiner Kleidung zeigten. Es ging darum, die Grenzen der Abstraktion in der Kunst und die Kommerzialisierung von Design zu überwinden. Laurent hat diese beiden Ideen zusammengebracht, um Kleidung für Frauen zu kreieren, die für moderne Damen frei und attraktiv ist.

Die Vincent Van Gogh Jacken von Saint Laurent sind ein Beispiel dafür, wie Yves Künstlerinspiration mit seinen eigenen Designtalenten kombiniert. Wie bei seinen anderen Kleidungsstücken wurden künstlerbezogene Themen nicht kopiert und auf Saint Laurents Kleidung geklebt. Stattdessen entschied er sich, sie als Inspirationsquelle zu nutzen und Stücke zu kreieren, die seinen eigenen Stil widerspiegeln. Die Jacke ist ein Beispiel für den Stil der 80er Jahre, der im malerischen Stil von Van Gogh mit Sonnenblumen bestickt ist.

Laurent hat mit Maison Lesage zusammengearbeitet, einem führenden Anbieter von Haute-Couture-Stickereien. Jacke "Sonnenblumen" ist mit röhrenförmigen Perlen bestickt. Die Blüten sind mit verschiedenen Orange- und Gelbtönen gefüllt. Dadurch entsteht eine mehrdimensionale Textur, die der Technik von Van Gogh ähnelt, dicke Farbe auf die Leinwand aufzutragen. Es wird geschätzt, dass es eines der teuersten Haute-Couture-Artikel ist, das jemals bei Christie's für fast vierhunderttausend Euro hergestellt und verkauft wurde. Saint Laurent ebnete den Weg für das Tragen von Kleidung als eigenständiges Kunstwerk, unabhängig von Mode und Zeit.

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