Warum 32 Gemälde von Andy Warhol, die nur Suppendosen zeigten, zu einer Kunstsensation wurden

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

9. Juli 1962 wenig bekannter Künstler Andy Warhol eine kleine Ausstellung in der Ferus Gallery in Los Angeles eröffnet. Das Thema der Ausstellung war einfach umwerfend: Suppendosen! Jedes der 32 Gemälde zeigt verschiedene Geschmacksrichtungen und Aromen von Campbell's Suppen, von Tomaten über Pfeffer bis hin zu Selleriecreme. Welche Bedeutung hat der Künstler diesen Werken beigemessen? Was ist das Geheimnis für sensationellen Erfolg und universelle Anerkennung?

Für den damals vierunddreißigjährigen Warhol war dies die erste Einzelausstellung mit Malerei. Bis dahin war er fast ein Jahrzehnt lang ein führender Werbegrafiker und arbeitete mit Geschäftsimperien wie Tiffany & Co. und Dior. Andy war entschlossen, ein "richtiger" Künstler zu werden, der von Museen und Kritikern anerkannt wurde. Seine Geheimwaffe? Der aufkommende Stil der "Pop-Art".

Was bedeuten die Suppenbilder?

Pop-Art hat die traditionelle Kunst auf den Kopf gestellt. Anstelle von Porträts, Landschaften, Schlachtszenen oder anderen Objekten, die Experten als "Kunst" betrachteten, nahmen Künstler wie Warhol Bilder aus Anzeigen, Comics und anderen Elementen der Populärkultur. Sie benutzten Humor und Ironie, um zu kommentieren, wie Massenproduktion und Konsum das amerikanische (und nicht-amerikanische) Leben und die Kultur dominierten.

Abstrakte Künstler der 1950er Jahre wie Jackson Pollock konnten sich als kreative, individualistische Genies glorifizieren. Die Künstler der 1960er Jahre verfolgten den umgekehrten Weg. Sie versuchten, alle Spuren ihrer eigenen künstlerischen Prozesse – zum Beispiel Pinselstriche – zu glätten oder zu beseitigen. Sie versuchten immer, ihre Arbeit fast mechanisch wirken zu lassen, wie das von ihr porträtierte Massenprodukt. Schon fast.

Um die Campbell's Soup Can zu bemalen, projizierte Warhol die Suppendose auf seine leere Leinwand, skizzierte die Umrisse und Details und füllte sie dann sorgfältig mit Pinseln und Farben aus. Aus Gründen der Konsistenz zeichnete er mit einem Handstempel ein heraldisches Muster um den unteren Rand jedes Etiketts, aber es funktionierte nicht immer richtig. Kleine Details - winzige rote Flecken im Gemälde Tomatensuppe, auf anderen die unregelmäßig gestempelte Wappenlilie - verrieten die handwerkliche Herkunft der Gemälde. Mit visuellen Kunsttechniken zur Darstellung von Alltagsgegenständen hat Warhol eine bedeutende Kontroverse in der Pop-Art ausgelöst. Obwohl sie aussehen sollten, als wären sie maschinell hergestellt worden, war jedes Gemälde etwas anders – und nicht nur das Etikett.

Eines haben alle zweiunddreißig Gemälde gemeinsam. Anstatt das komplizierte Medaillon in der Mitte jedes Dosenetiketts zu beschreiben, das die "Goldmedaille für Qualität" darstellt, die Campbells Suppe auf der Pariser Weltausstellung von 1900 gewann, ersetzte Warhol es durch einen einfachen goldenen Kreis. Warhols Biograf Blake Gopnik dachte darüber so: „Ist es nur, weil andere Farben auf Gold nicht gut halten? Oder liegt es daran, dass es zu viel Aufwand braucht, um echte Medaillen zu bekommen? Oder hat ihm vielleicht einfach nur der grafische Stempel des goldenen Kreises gefallen?“

Der grafische Effekt und die nostalgische Atmosphäre können zwei Gründe dafür sein, warum Warhol die Produktlinie Campbell zu seiner Pop-Ikone gewählt hat. Das klassische Design des Labels hat sich seit seinem Debüt um die Jahrhundertwende kaum verändert. Darunter auch die heimelige Kursivschrift „Campbell“, die laut Archivar des Unternehmens der Unterschrift des Gründers Joseph Campbell sehr ähnlich sei. Und Warhol selbst ist mit Campbells Suppe aufgewachsen. Ich habe es gegessen. Das gleiche Mittagessen seit zwanzig Jahren “, sagte er.

Wie die Gemälde zuerst das Licht erblickten

Als 1962 die Warhol-Ausstellung eröffnet wurde, steckte die Popkultur noch in den Kinderschuhen. Die Leute hatten keine Ahnung, was sie mit Kunst anfangen sollten, die so anders war als alles, was Kunst sein sollte.

Zunächst beschloss Irving Blum, einer der Besitzer der Ferus-Galerie, die Gemälde in schmalen Regalen entlang der Galerie auszustellen, wie in einem Supermarktgang. „Banken stehen in den Regalen“, sagte er später über seine Installation. Warum nicht?

Die Show hat nicht den Aufsehen erregt, auf den Blum und Warhol gehofft hatten. Tatsächlich war die geringe Resonanz, die von der Öffentlichkeit oder von Kunstkritikern erhalten wurde, ziemlich hart. "Dieser junge 'Künstler' ist entweder ein dummer Narr oder ein sturer Scharlatan", schrieb ein Kritiker. Ein Cartoon in der Los Angeles Times macht sich über die Gemälde und ihr Zielpublikum lustig. „Bei mir funktioniert Spargelcreme ehrlich gesagt nicht“, sagt ein Kunstliebhaber zu einem anderen, der in einer Galerie steht. "Aber der entsetzliche Reichtum der Hühnernudeln gibt mir ein echtes Zen-Gefühl." Der Kunsthändler neben der Ferus Gallery war noch schärfer. Er stellte echte Dosen Campbells Suppe in seinem Schaufenster aus, zusammen mit der Bildunterschrift: „Lass dich nicht täuschen. Holen Sie sich das Original. Unser niedrigster Preis ist zwei für 33 Cent."

Trotzdem gelang es Blum, fünf Gemälde zu verkaufen – meist an Freunde, darunter den Schauspieler Dennis Hopper. Aber noch bevor die Show endete, änderte er plötzlich seine Meinung. Blum erkannte, dass Gemälde am besten für ein komplettes Set geeignet waren, und kaufte die von ihm verkauften auf. Er erklärte sich bereit, Warhol 1.000 Dollar für alles zu zahlen. Warhol war begeistert – er dachte immer an Campbells Suppendosen als Set. Sowohl für den Künstler als auch für den Händler war diese Entscheidung ein "kniffliger" Schachzug, der sich für die Zukunft auszahlte.

Warum wurden die Bilder zu einer solchen Sensation?

Nachdem der Schock von Publikum und Kritik überwunden war, begannen sie zu Warhols Dosen zu reifen. Erstens war es eine neue Idee in der Kunst. Wie schwer ist ein Gemälde zu verstehen, wenn das Original wahrscheinlich im Küchenregal liegt? Kritikern fiel der hinterhältige, ironische Humor in Warhols „Porträts“von Scotch Broth und Chicken Gumbo auf. Und Blums Entscheidung, die Bilder zusammenzuhalten, verstärkte ihren Einfluss.

Die Ausstellung in der Ferus Gallery markierte einen Wendepunkt in Warhols Karriere. Nach Campbells Suppendosen wechselte Warhol vom Zeichnen zum Siebdruck, ein Verfahren, das mehr mechanische Ergebnisse lieferte und es ihm ermöglichte, mehrere Versionen desselben Werks zu erstellen. Sein Ruf wuchs weiter. Bis 1964 war der Preis für ein Suppendosengemälde, das in Blums Set fehlte, auf 1.500 Dollar gestiegen, und New Yorker Prominente trugen Suppendosen-Papierkleider, die von Warhol selbst angefertigt wurden.

Campbell's Soups selbst mischte sich bald in den Spaß ein. In den späten 1960er-Jahren griff das Unternehmen mit einem Souper Dress und einer kleinen Handtasche, die mit Suppenetiketten im Warhol-Stil bedeckt war, auf die damals beliebte Papierkleiderwelt auf. Jedes Kleid hatte unten drei goldene Streifen, sodass die Trägerin das Kleid auf die perfekte Länge zuschneiden konnte, ohne das Blechdosenmuster zu schneiden. Preis: 1 US-Dollar und zwei Campbell's Soup-Etiketten.

Heute sind die Suppendosen von Warhol eine Ikone der Popkultur, von Tellern und Tassen bis hin zu Krawatten, T-Shirts, Surfbrettern und Skateboarddecks. Eines der auffälligsten Fotos betraf Warhol selbst: Auf dem Cover von Esquire im Mai 1969 ertrank er in einer Dose Campbells Tomatensuppe.

Am Ende wurden Warhols Dosen vom Museum of Modern Art als Kunst anerkannt. 1996 kaufte das Museum alle 32 Gemälde von Irving Blum für kosmische 15 Millionen US-Dollar – eine atemberaubende Rendite für seine Investition von 1.000 US-Dollar im Jahr 1962. Auch das Souper Dress wurde zum Klassiker erklärt. 1995, ein Jahr bevor die Gemälde im Museum of Modern Art ankamen, wurden sie in die Sammlung des Metropolitan Museum of Art aufgenommen.

Kunst lässt uns innehalten und nachdenken, aber was wollte der Künstler wirklich sagen? Es kommt oft vor, dass es uns einfach ins Herz trifft und Bewunderung für das Können des Schöpfers des Meisterwerks weckt. Lesen Sie unseren Artikel Was ist das Geheimnis der "schlauen" Fresken des 17. Jahrhunderts in der romanischen Kirche St. Ignatius: 3D-Technologien der Vergangenheit.