7 berühmte Künstler und ihre mysteriösen Gemälde über die hellsten Gefühle: Klimt, Magritte usw

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Das Thema Liebe ist eines der beliebtesten in der Kunst, und Gemälde berühmter Künstler sind keine Ausnahme. Hell, romantisch, sinnlich und emotional reich, lassen sie Sie in einen ungewöhnlichen Strudel der Emotionen eintauchen. Welche Art von Gemälden und welche Meister der Kunst sind heute die auffälligsten Inkarnationen des romantischen Themas - worüber wir heute sprechen werden.

1. Klimt

Kaum ein Kunstwerk wird so verehrt oder reproduziert wie Gustav Klimts Der Kuss. Luxuriöse vergoldete Umarmungen schmücken Poster, Tassen und Zehn-Dollar-T-Shirts auf der ganzen Welt, aber die Geschichte des Gemäldes ist viel mehr als seine kommerzielle Allgegenwart heute.

Als Klimt sein Meisterwerk schuf, war er bereits der furchtlose Anführer der Wiener Vorhut. Zudem machte er sich im primitivsten österreichischen Kunstbetrieb unversöhnliche Feinde, der die schamlose Sinnlichkeit und ästhetische Dekadenz seines Schaffens verabscheute.

Klimts "Kuss" ist der Archetyp der menschlichen Zärtlichkeit und Begierde. Es steht für leidenschaftliche Erotik und wie diese Erotik Liebende verzehrt. Das aus Klimts "goldener Zeit" entstandene Gemälde zeigt funkelnde Goldtöne, stilisierte Striche und eine sehr romantische visuelle Allegorie, inspiriert von byzantinischen Mosaiken. Bemerkenswert ist, dass die auffällige Kopffarbe zur Wirkung Blattgoldpartikel enthält.

Die Handlung des Porträts ist ein Paar, das sich innig umarmt, ihre Körper sind teilweise von einem majestätischen Kleid verdeckt, wenn sie in den Blumen des Feldes knien, und am Gesichtsausdruck der Frau kann man sehen, wie sie sich freut, dabei zu sein die Arme ihres Geliebten und empfängt seinen Kuss.

Dieses Bild überschreitet soziale Grenzen: Es zeigt, dass Menschen, die von Leidenschaft verzehrt sind, spirituell von der Bindung an diese Welt und ihre Grenzen befreit sind. Sie werden eins mit dem Kosmos, der alle Lebewesen akzeptiert, ungeachtet der Genetik.

Interessante Tatsache: Zum Zeitpunkt seiner Abfassung wurde The Kiss von der postviktorianischen Gesellschaft als pornografisches Material angesehen, und heute gilt dieses Kunstwerk als eines der herausragendsten und einzigartigsten seiner Art.

2. Roy Lichtenstein

Auf den ersten Blick mag dieses romantische Bild von Liebenden sehr seltsam erscheinen. Aber eigentlich ist alles viel einfacher, man muss sich nur in den Kontext dieser Arbeit vertiefen.

Amerikanische Hottie geht mit einer hübschen Blondine aus. Ihre "Liebe" ist so tief, dass die Außenwelt aufgehört hat zu existieren, und sie brauchen nicht einmal Luft zum Atmen, wenn sie sich kopfüber unter Wasser in die Arme nehmen.

Allerdings macht sich Roy Lichtenstein hier tatsächlich über die Oberflächlichkeit der Liebe lustig. Dieses ganze Bild ist falsch und verzerrt, weil es die Illusion einer "vollkommenen Liebe" darstellt.

Es ist kein Zufall, dass er es wie eine Werbung aussehen ließ und das Bild einem viel tieferen Ziel dienen ließ: die Realität zu zeigen, wie Menschen solche Illusionen „kaufen“, ohne darüber nachzudenken, was ihnen tatsächlich angeboten wird.

Interessante Tatsache: Liechtenstein verwendete für diese Leinwand eine geteilte Tafelkomposition zwischen Text und Bild. Dies sollte die Erzählung zwischen den beiden Charakteren vermischen.

3. René Magritte

Lovers II ist ein Stück, das die Realität der Liebe enthüllt, wenn sie nicht wie erwartet verläuft. Einerseits ist es ein romantisches Gemälde, das Liebespaare zeigt, die sich in Nahaufnahme küssen. Andererseits ist es ein trauriges, fast aufdringliches Bild. Rene Magritte war bekannt für seine Themen unerfüllter Sehnsüchte, so dass vielleicht die Schleier um die Köpfe der Protagonisten als solche interpretiert werden können. Sie hindern das Paar daran, sich auf einen vollen Kuss einzulassen, weil sie isoliert und damit frustriert sind.

Andere Interpretationen neigen jedoch zu der Annahme, dass hier alles viel trauriger ist, als es auf den ersten Blick scheint. Könnte dies ein Spiegelbild von Ablehnung, Verweigerung der Liebe sein? Stellt es die Beziehung als Ganzes dar und wie oft werden sie aufgrund verschiedener Probleme, einschließlich mangelnder Kommunikation, unterbrochen?

Dieses Bild ist so widersprüchlich, dass der Künstler aufgrund der obigen Interpretationen auch in diesem Bild zeigen kann, dass ein Mensch, egal wie nahe ein Mensch seinem Partner kommt, seine wahre Natur, die durch Stoffbarrieren dargestellt wird, nie erkennen wird.

Denn wie heißt es so schön: „Jeder Mensch ist eine Insel“. Eine solche kreative Technik spielt mit der Realität, die Menschen oft verbergen - sie setzen Masken auf, damit andere nur sehen können, was an der Oberfläche liegt und nicht, was in den Tiefen ihrer Seele ist.

Interessante Tatsache: Als Rene vierzehn Jahre alt war, beging seine Mutter Selbstmord, indem sie ertrank. Er sah, wie ihr Körper aus dem Wasser gezogen wurde und ihr Gesicht von einem Nachthemd bedeckt war.

Es wurde vermutet, dass das gemeinsame Motiv des Künstlers für die verhüllten Gesichter aus diesem Trauma geboren wurde. Er bestritt dies jedoch später und erklärte:.

4. Suzuki Harunobu

Ein japanisches Paar geht unter einem Regenschirm durch den Schnee. Der Regenschirm selbst kann als zusätzliche Intimität der Szene interpretiert werden. Als würde der Betrachter den Gang der Liebenden beinahe unterbrechen. Die Tatsache, dass ihre Gesichter ernst, fast traurig sind, deutet auf möglichen Verlust oder Trauer hin. Der Dichter Noguchi kommentierte dieses Gemälde sogar wie folgt:

Die Gelassenheit von Liebenden, die im Schnee spazieren gehen, verkörpert die japanische Wabi-Sabi-Ästhetik, die die unvollkommene Schönheit der Natur schätzt. Dieses Paar verkörpert die junge Liebe, und wie die Helden von Klimts Der Kuss nutzen sie ihren Wunsch, allein zu sein, nicht an die Außenwelt gebunden, und beweisen, dass jeder, unabhängig von seiner Herkunft, eine ähnliche Erfahrung der romantischen Liebe teilt.

5. Rembrandt

Rembrandts jüdische Braut ist ein romantisches Gemälde von Liebenden, das seinen Namen im frühen neunzehnten Jahrhundert erhielt, nachdem ein Kunstsammler behauptete, es sei das Porträt eines jüdischen Vaters, der seiner Tochter an ihrem Hochzeitstag eine Halskette schenkt. Dies wurde jedoch später widerlegt, und die häufigste Meinung ist, dass es sich um Isaak und Rebekka aus dem Alten Testament handelt.

Die Leinwand zeigt einen Ausdruck der Liebe zwischen Ehepartnern, ein Stil, der für niederländische realistische Maler des Barocks selten ist. Der Mann berührt mit der linken Hand sanft die Schulter der Frau, während seine rechte Hand auf die gleiche Weise auf ihrer Brust liegt. Dieser leichte Körperkontakt weist eher auf unschuldige Liebe als auf Lust hin. Im Gegensatz dazu deuten die Gesichter der Charaktere auf etwas Tieferes. Die Augen eines Mannes bedeuten Unsicherheit, während der Blick einer Frau Kontemplation bedeutet, aber keiner von ihnen sieht sich an. Vielleicht ist dies ein Hinweis auf Zweifel an ihrer Zukunft?

Wie andere Gemälde kann The Jewish Bride als eine Mischung aus spiritueller und körperlicher Liebe interpretiert werden. Diese Interpretation lässt jedoch auch eine gewisse Unwahrheit zu, da es sich um ein unechtes Bild des jüdischen Brautpaares aus der Bibel handelt. Stattdessen ist es eine ausgeschmückte romantisierte Darstellung eines kulturellen Rituals, das die Erfahrung einer überwiegend christlichen Gesellschaft transzendiert.

6. Thomas Hart Benton

Romantik braucht fast keine Erklärung dafür, wie sie soziale Grenzen überschreitet. Dieses romantische Gemälde zeigt ein junges, gut gekleidetes schwarzes Paar, das lässig bei einem Abendspaziergang durch das Anwesen spaziert.

Thomas Hart Benton war ein Künstler, Wandmaler und Patriot, der für seine Landschaftsszenen bekannt war, die das amerikanische Hinterland, nämlich die südlichen Bundesstaaten des Mittleren Westens, darstellen. Sein Zweck war es, harte Arbeit, Autonomie und allgemeine Zufriedenheit für die Menschen nach dem Ersten Weltkrieg darzustellen.

Benton nutzte seine Kunst, um soziale und politische Reformen durchzuführen. Hier werden die Subjekte als zufrieden mit ihrem täglichen Leben dargestellt. Das spürt man an ihrem Gang und an der Art, wie sie sich an den Händen halten.

7. Modesto Brokos

Wie andere romantische Liebesgeschichten kann The Atonement of Ham wie eine bizarre Familienszene wirken. Dies ist jedoch eigentlich ein Beispiel für Blanqueamiento, das im 19. Jahrhundert in Brasilien üblich war.

Die Schlüsselfigur ist die Frau bei der Palme. Sie hat dunkle Haut, die an eine afrikanische Abstammung erinnert, und ihre Arme sind erhoben, als würde sie einem Gott danken. Neben ihr steht eine junge Frau mit hellerer Haut, was darauf hindeutet, dass sie eine Mulattin ist. Offenbar ist dieses Mädchen die Tochter einer Frau, die an einer Palme steht. Die dritte Figur ist ein erwachsener Mann, dessen Haut noch heller ist, was darauf hindeutet, dass er ein Einwanderer und Ehemann einer jungen Frau ist, die Eltern eines weißen Kindes sind, das in den Armen des Mädchens sitzt. Daher die Antwort auf die Frage, warum die dunkelhäutige Frau Gott gelobt hat - sie ist glücklich, dass ihr Enkel weiß ist.

Das Gemälde spielt auch auf die biblische Genesis an, in der Ham die Nacktheit und Trunkenheit seines Vaters Noah entlarvt. Ham wird von Noah als Sklave verurteilt und als "Diener der Diener" verflucht. Somit ist das "Sühne des Schinkens" eine Art Heilung vom "Fluch" afrikanischer Abstammung.

Interessante Tatsache: Diese Arbeit beleuchtet eine andere Art von Rassismus. Die Leinwand entstand nach der Abschaffung der Sklaverei in Brasilien, wo es eine gemischte Bevölkerung aus Schwarzen und Weißen gab - die erste, die aufgrund der Einstellung des Imports afrikanischer Sklaven in das Land zurückging. Das Ergebnis waren gemischtrassige Frauen, die weiße männliche Einwanderer anzogen. So versuchten die Behörden, komplett weiße Kinder zu zeugen, um die dunkle Haut ihrer Vorfahren auszurotten.

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