"Göttliche Komödie" durch die Augen von Künstlern und Bildhauern der Vergangenheit: Botticelli, Blake, Rodin usw

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Die Göttliche Komödie ist ein italienisches Werk von Dante Alighieri, das die wahre Inspirationsquelle für Schöpfer aus der ganzen Welt ist. Die versteckte Symbolik, semantische Belastung und Philosophie dieses Renaissance-Werkes veranlasste die bekannten Kreativgenies, sich nicht nur dafür zu interessieren, sondern auch die im Text präsentierten Bilder in ihrem eigenen Stil aufzuspielen.

Die Göttliche Komödie und ihr Originalmanuskript sowie alle nachfolgenden Kopien galten und gelten zu allen Zeiten als die wertvollste Fundgrube, das Herz der literarischen Welt, insbesondere der Poesie im Genre des Epos. Die Handlung, die sich um den gleichnamigen Protagonisten dreht, ist weitgehend autobiografisch, abgesehen von den übernatürlichen Elementen, die in der gesamten Geschichte vorhanden sind.

Das Epos, wie die Werke von Homer, Sophokles (Dramatiker), Ovid und Vergil, die einen großen Einfluss auf die Italiener des 13. oder was der Autor für göttliche Liebe hält. Dantes Beschreibungen liefern ergreifende Bilder, die die Fantasie anregen und Männer und Frauen zu vielen der Wunder des Hyperrealismus inspirieren.

Alighieris Werk ist der Gipfel menschlicher Emotionen, die die Tiefen der menschlichen Verbindung erforscht, und Dante bringt damit den Expressionismus in Poesie und Kunst, eine Funktion, die Künstler über Jahrhunderte und über eine Vielzahl von Medienformaten hinweg nicht nur weltweit beeinflussen wird, sondern auch auch eine beispiellose Verschiebung der Kunst zu sich selbst bewirken.

Der erste Teil dieses Gedichts von Dante und wahrscheinlich der beliebteste (auch bei Künstlern) ist "Hell", eine Geschichte über seine Reisen durch die neun Kreise der Hölle, um seine Liebe - Beatrice - wieder zu vereinen / zu retten. Dantes Reisen zielen darauf ab, diesen Prozess umzukehren und die Hindernisse zu beseitigen, die ihn von Gott abhalten, was nur durch Hingabe an Beatrices Seele und ihre Fähigkeiten erreicht werden kann. Dies deutet darauf hin, dass es die Unsterblichkeit wert ist, die es mit sich bringen kann, im Namen der Liebe verrückt zu werden.

Dante selbst wurde für seine Bemühungen und Zweifel an der katholischen Kirche von berüchtigt zu berühmt. Das Exil und die darauf folgende Einsamkeit waren einige der ersten Katalysatoren, wenn es um The Divine Comedy ging. Es diente auch als hervorragendes Bindeglied zwischen Dante und den Künstlern, die mit großem Eifer und Interesse ganze Passagen des legendären Werkes in ihren Werken darstellten.

Obwohl die Göttliche Komödie ursprünglich von Dante selbst illustriert wurde, fühlten sich die Künstler verpflichtet, ihre eigenen Bilder aus dem verblüffenden Text darzustellen. Einer der ersten bedeutenden Künstler, der diese Aufgabe übernahm, war Luca Signorelli, ein Renaissance-Maler des 15.-16. Jahrhunderts, der für seine Fähigkeit bekannt ist, die menschliche Form vorherzusehen. Obwohl Lucas Werk keine exakte Kopie von Dantes gemalter Szene ist, hinterließ der Künstler einen Entwurf namens Inferno XVI. Die Szene zeigt Sodomiten, sowohl Männer als auch Frauen, aber hauptsächlich Männer, mit Schwerpunkt auf den drei Welfen, die alle Hand in Hand gehen, die von Dante in Canto XVI erwähnt werden, wo der Protagonist und sein Führer Virgil oben stehen und auf die Dezimierung herabblicken.

Im Laufe der Zeit wurde die Göttliche Komödie in der Welt der Privilegierten und Gebildeten immer beliebter und Standard. Viele versuchten, Karten zu illustrieren, die zur Handlung passten, aber diese Mode wurde später durch eine psychologischere Sichtweise der Charaktere im Text abgeschwächt. Es begann im 18. Jahrhundert mit dem bedeutenden Künstler und Gründer der Royal Academy of Arts in England, Joshua Reynolds. Er malte ein Gruppenporträt namens Ugolino und seine Kinder, eine Szene, die wegen ihres grotesken Charakters für bildende Künstler von besonderem Interesse war. Die Geschichte von Ugolino ist die Geschichte eines politischen Verräters, dem der neunte Kreis der Hölle vorbehalten ist. Tatsächlich ist Ugolino einer der letzten Überlebenden der Kriege, in denen er gefangen genommen und eingesperrt wurde. Im Gefängnis nagt er an seinen eigenen Händen, und seine Kinder, die denken, er würde verhungern, bieten ihm ihre Körper zum Verzehr an.

Dieses Werk ist ein herausragendes Stück, das eine neue Rhetorik in eine mittlerweile hunderte Jahre alte Geschichte bringt und seinen neoklassizistischen Stil trotz der gezeigten verabscheuungswürdigen Aktionen mit höchster Würde zur Geltung bringt.

Ein anderer englischer Künstler der königlichen Akademie, Henry Fuseli (Heinrich Fuseli), stellt wenige Jahrzehnte später einen starken Kontrast zu Reynolds in seiner Darstellung von Ugolino und seinen Söhnen dar, die in einem Turm verhungern. Der Stich zeigt den Antagonisten als ein erbärmlicheres Wesen.

Henrys Werk beeinflusste das Multitalent William Blake, der Ugolino auch zum Thema seines Gemäldes Ugolino and His Sons in a Cell machte. Blake, dessen dunkle Bilder in anderen Werken zu sehen sind, bringt eine neue Unbeschwertheit in dieses Thema. Zwei Engel schweben über den Figuren und bringen ein strahlendes Funkeln in die Kältekammer, in der sie gehalten werden. Dieses Bild ist auffallend anders, und es herrscht eine gewisse Ruhe vor dem bevorstehenden Hauptereignis des Kannibalismus. Blake nutzt dies höchstwahrscheinlich, um sich auf das Opfer zu konzentrieren, das die Kinder in einem Akt der kindlichen Frömmigkeit bringen werden, und arbeitet daran, ihre Unschuld und Erlösung durch die Engel einzufangen. Blake bringt die Vorstellung mit, dass diese Kinder nicht gezwungen werden, für die Sünden ihres Vaters zu büßen, und ihr Tod in diesem Szenario das ehrenvolle und beste sein wird, was ihnen passieren kann.

In der gleichen Zeit des 19. Jahrhunderts ließen sich französische Künstler von Dantes liturgischen Manuskripten inspirieren. Jean Auguste Dominique Ingres thematisierte die Bilder von Untreue und Ehebruch in seinem Gemälde Gianciotto Catches Paolo und Francesca. Der Kontext, der sich um die Dreiecksbeziehung dreht, ist, dass Francesca ihren Geliebten Giancotto, Paolos Bruder, verführt. Dante sieht dies auf seinen Reisen durch die Hölle, und Ingres fängt den Höhepunkt ein, als Giancotto vom Verrat seiner Frau erfährt. Giancotto tritt ein, das Schwert in der Hand und sieht, wie sein Bruder seine Lippen auf die bunt gekleidete Braut seines Bruders drückt. Ingres nimmt eine großartige Perspektive ein, während der Schwertkämpfer hinter dem Wandteppich hervortritt, während die Liebenden nichts bemerken und den Moment in ekstatischer Glückseligkeit genießen.

Ingres' französischer Zeitgenosse Eugene Delacroix berührte das Thema der Pilgerreise auf dem Wasser mit Virgil in Dantes Boot.

Die Erzählung, die er präsentiert, ist die von Dante und Virgil, die mit Phlegia auf einem See segeln, der dem griechischen Fluss Styx ähnelt, auf dem Weg zur höllischen Stadt Dis. Der romantische Delacroix, der sich im Format einer pyramidenförmigen Komposition fortsetzt, verwendet die Palette in gleicher Weise, um das Auge zu lenken und ein Melodram zu schaffen. Das psychologische Porträt der Göttlichen Komödie erstreckt sich mit diesem Werk. Die Toten stellen einen faszinierenden Realismus dar und bleiben dennoch im Einklang mit der grotesken Natur, die sie in sich tragen. Virgil und sein Begleiter wirken extrem nervös, als sie an denen vorbeisegeln, die ihr ganzes Leben als Ausgestoßene verbracht haben.

Ein anderer Dante, Dante Gabriel Rossetti, ein Künstler der Präraffaeliten-Bruderschaft sowie Schriftsteller und Übersetzer, verwechselte das fiktive Epos ebenfalls mit seiner Symbolik. Rossetti machte sich mit der Arbeit seines Namensgebers gut vertraut und übersetzte das Gedicht ins Englische. Ein paar Jahre später begann der Künstler mit der Arbeit an einem Porträt, das seine eigene Geliebte symbolisiert, genannt "Blessed Beatrice". Dieses Stück ist anmutig in Form eines Diptychons umrahmt, Beatrice, in Übermut dargestellt, schien zufrieden oder resigniert mit ihrem Tod, während die von ihr verlassene Geliebte sehr erschrocken war.

Der Kuss ist ein Thema, das im Laufe der Kunstgeschichte immer wieder auftaucht, aber dieses spezielle Thema wird den ehebrecherischen Liebenden Paolo und Francesca zugeschrieben. Auguste Rodin hat in seiner Marmorarbeit das fatale Ende eines leidenschaftlichen Paares ahnen lassen. Unbewusst beobachtet, geben sie sich einander mit rücksichtsloser Hingabe völlig hin und entscheiden dabei so vorschnell über ihr Schicksal.

Hell's Gate war ein Meisterprojekt, das viele Jahre dauerte und auf unbestimmte Zeit verschoben wurde. Rodin schuf Hunderte von Figuren, die verschiedene Charaktere von Dantes Reise durch die Hölle darstellen, die in einem atemberaubenden Spektakel endete.

Diese Beispiele sind nur einige von vielen, die sich künstlerisch von dem großen Geschichtenerzähler Dante inspirieren lassen, und jedes Jahr erscheinen immer mehr neue Werke von Künstlern aus der ganzen Welt. Die Göttliche Komödie stellt menschliche Emotionen so dar, dass die bildende Kunst immer nur versuchen kann, ein Bild nach dem anderen einzufangen und gleichzeitig unsere Vorstellungskraft lebendiger zu machen. Diese Künstler zeigen die Komplexität, die durch den zeitlosen Text verursacht wird, der unser Verständnis von Kunst im Allgemeinen in so vielen verschiedenen Sets prägt, und durch die Erschaffung ihrer eigenen Welten hat Dante unsere mitgestaltet.

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