Wenig bekannte Fakten über digitale Malerei, die beweisen, dass dieses Genre hohe Kunst ist

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Digitale Malerei ist eine feine Linie von Gegensätzen, die einen leuchtenden Farbtupfer mit High-Tech kombiniert. Dies ist eine erstaunliche Welt der Kunst, in der jedes geschaffene Bild so facettenreich ist, dass es manchmal schwierig ist, es zu verstehen und zu schätzen. Jemand bevorzugt einen gemischten Stil, und jemand von Grund auf verwendet ausschließlich ein Tablet zum Zeichnen und ein Dutzend geeigneter Programme zum Bearbeiten. Aber auf die eine oder andere Weise ist diese Kunst auf der ganzen Welt sehr beliebt und kann sich einer ebenso lebendigen wie faszinierenden Geschichte ihrer Entstehung rühmen.

1. Geschichte der digitalen Malerei

Seit der Erfindung der Fotografie Ende des 19. Erst in den 1960er Jahren, mit dem Aufkommen der Pop-Art und des Fotorealismus, begannen Künstler, das Konzept der digitalen Malerei zu erforschen. Einer der ersten, der sich der digitalen Ästhetik zuwandte, war der Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein, der Tuschepunkte in seine Kunst einführte, die er sorgfältig von Hand mit Spezialfarbe durch eine Metallschablone bemalte.

Im Gemälde Pinselstriche von 1965 vergrößert Liechtenstein einen Comic-Strip namens Malerei von Dick Giordano. Die abstrakte Gestaltung seiner Komposition erinnert an die der New Yorker Abstrakten Expressionisten der 1950er Jahre, doch Liechtenstein parodiert bewusst deren vermeintliche Originalität, indem es seine abstrakte Komposition und die abtropfende Farbe vollständig synthetisch macht.

Im Zuge der amerikanischen Pop-Art entstand in West-Berlin eine alternative Künstlergruppe, die sich als kapitalistische Realisten bezeichnete und sich als "die ersten deutschen Pop-Künstler" bezeichnete.

Zu den prominentesten Mitgliedern der Gruppe gehörte Sigmar Polke, der sich mit Medien, Werbung und Populärkultur beschäftigte. Aber im Gegensatz zur amerikanischen Popkultur verfolgten kapitalistische Realisten einen groberen und chaotischeren Ansatz und kombinierten den Expressionismus der deutschen Vergangenheit mit Elementen der medialen Bildsprache, um ihren eigenen digitalen Malstil zu schaffen.

Polke liebte wie Liechtenstein Punkte. Diese Punkte fügte er in viele seiner Bilder ein, druckte und malte sie und verwandelte sie in seinen eigenen gewagten Stil, wie er 1963 in dem Gemälde Ohne Titel gezeigt wird.

Der deutsche Künstler Gerhard Richter war eng mit Polke und der kapitalistischen realistischen Bewegung verbunden und teilte mit Polke eine gemeinsame Faszination dafür, wie die bedruckte Oberfläche in die Malerei einfließen könnte. Richter ist vielleicht am besten für seine charakteristischen, verschwommenen fotorealistischen Gemälde bekannt, die den Weichzeichner der Fotografie so gut imitieren, dass man sich oft fragt, ob sie wirklich gemalt wurden. Seine Arbeit war eng mit amerikanischen Fotorealisten der 1960er und 70er Jahre verbunden, die nach Wegen suchten, den scharfen Realismus der Fotografie in der Malerei akribisch zu vermitteln.

Aber Richter ging einen experimentelleren Ansatz, mischte fotografische und malerische Effekte miteinander und drückte damit seine Bewunderung für die neue Kunstwelle aus. In den 1970er Jahren begann Gerhard eigene ausdrucksstarke, abstrakte Gemälde zu fotografieren und daraus neue zu schaffen. Wie in Abstract Painting #439, 1978, zu sehen ist, verschmilzt die flüssige Flüssigkeit der Farbe mit der glänzenden, unberührten Oberfläche der Fotografie zu einem digitalen Gemälde. Sowohl Richter als auch Polke haben einen besonders starken Einfluss auf zeitgenössische Künstler ausgeübt, die ihre Fähigkeiten und experimentellen Ansätze zur Schaffung eines bestimmten Werkes ständig weiterentwickeln.

2. Collagen

Viele zeitgenössische Künstler schöpfen ihre Geschichten eher aus gefundenen fotografischen Quellen als aus direkter Beobachtung, was das Eindringen von Printmedien in den Alltag widerspiegelt. Einige der abenteuerlustigsten zeitgenössischen Künstler betonen bewusst die digitale Natur des Originalmaterials und betonen die Texturen und Oberflächen des Originaldrucks und seine abgeschnittenen oder abgerissenen Kanten.

Der britische Künstler Dexter Dalwood schafft Gemälde auf der Grundlage seiner eigenen kleinen Collagen, reproduziert bewusst scharf geschnittene Linien oder ungleichmäßige Farblücken auf Leinwand und schafft so seltsame, illusorische Orte, wie sie 2004 in einer seiner Arbeiten zu sehen sind. Wie Dalwood liebt der britische Künstler Neil Gull es, in die visuellen Ephemera des Alltags einzutauchen und sie so originell wie möglich in die Malerei zu integrieren.

3. Computer, Drucker und Kopierer

Die Zeit steht nicht still und Künstler experimentieren weiter mit der spielerischen Dichotomie zwischen Digitaldruck und Malerei. Der amerikanische Künstler Wade Guyton macht Werke, die den Begriff der digitalen Malerei verkörpern, indem er mit einem Großformat-Tintenstrahldrucker Epson Stylus Pro 9600 auf Leinwand druckt. Seine charakteristischen geometrischen Muster aus Quadraten, Kreuzen und Gittern werden vor dem Drucken auf Leinwand am Computer erstellt Vor allem mag er technische Ausfälle, die dem Drucker außerhalb seiner Kontrolle passieren, wenn die Leinwand stecken bleibt und herausgezogen werden muss und die Tinte einfach herauszufließen beginnt und sich vermischt.

Die zeitgenössische deutsche Künstlerin Charlene von Hale arbeitet aus den gefundenen Bildern, die sie dann im Malprozess verdunkelt und abstrahiert. Seit 2001 experimentiert sie mit Fotokopierern und wie sie bestehende Bilder verzerren und transformieren können und ihr eine endlose Reihe neuer Materialien zur Verfügung stellen, mit denen sie ihren eigenen Stil der digitalen Malerei kreieren kann. Manchmal schafft sie neue Bilder, indem sie Fotokopien übermalt, wie in einem Gemälde von 2003.

4. Schwebende Bilder

Eine der spannendsten Digital Painting Artists heute ist die amerikanische Künstlerin Jacqueline Humphries, deren Bilder die digitalen Sprachen von Captcha-Codes, Emojis und Computerprogrammen illustrieren. Ihre komplizierten, sich wiederholenden Muster aus Punkten, Strichen, Kreuzen und Emojis werden mit einem industriellen Schablonenschneider gezeichnet, die sie dann mit expressionistischen Farbstreifen verwebt und digitale Malerei mit den unvorhersehbaren Strichen ihrer Hand kombiniert. Sie vergleicht diesen Schichtungsprozess mit Multiscreen-Computeraktivitäten, bei denen der Betrachter mehrere Seiten gleichzeitig übereinander betrachten kann.

Ihre berühmte Black Light-Gemäldeserie ahmt außerdem die Ästhetik leuchtender Computerbildschirme nach, die mit ultravioletter Farbe auf riesigen Leinwänden gemalt wurden, die nur in einem abgedunkelten, von ultravioletten Lampen beleuchteten Raum zu sehen sind, was ihren Gemälden das verleiht, was sie "filmische Qualität" nennt.

Die amerikanische abstrakte Künstlerin Amy Sillman ist vielleicht am besten für ihre lockeren improvisierten Leinwände bekannt, die aus Netzwerken aus geschichteten Linien, Formen und leuchtenden Farben bestehen, aber sie hat auch gefühlvolle Animationen erstellt, die ihre Bildsprache zum Leben erwecken. Die Animationsarbeit "Thirteen Possible Futures: Cartoon for a Painting", 2012, wurde mit der iPad-Zeichen-App erstellt. Sillman druckte dann jeden Frame der Animation aus und verwandelte sie in eine riesige Installation, die es dem Betrachter ermöglichte, einen Blick hinter die Kulissen des breiteren Entscheidungsprozesses zu werfen, der zur Schaffung eines einzelnen Kunstwerks führt.

5. Die Zukunft der digitalen Malerei

Während wir uns in eine Zukunft mit aufkeimender technologischer Entwicklung bewegen, besteht kein Zweifel daran, dass sich der Umfang der digitalen Malerei in neue und aufregende Richtungen ausdehnen wird. Der britische Künstler Glenn Brown sieht die zukünftige Rolle der Malerei darin, die Kunstgeschichte der Vergangenheit aufzuarbeiten und neu zu denken und sie in etwas Neues zu verwandeln. Seine Bilder kopieren und remake frühere Gemälde, alte und neue, von Rembrandt van Rijn bis Frank Auerbach, mit Hilfe verschiedener Filter perfektioniert er sie und haucht ihnen völlig neues Leben und Bedeutung ein.

Die menschliche Fantasie kennt keine Grenzen, besonders wenn es um Kreativität und Kunst geht. Künstler, Fotografen und Bildhauer aus aller Welt verblüffen das Publikum immer wieder mit ihren Werken, die viele Fragen aufwerfen und oft unbeantwortet bleiben. Schwindelerregende Kunstillusionen waren keine Ausnahme., zu sehen, wie uns die Erde buchstäblich unter den Füßen weggeht.