Die extravagantesten Darbietungen: Ein brennendes Instrument spielen, Dialog mit einem Hasen und anderen

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Es ist möglich, dass es keine nicht extravaganten Performances gibt, denn die eigentliche Idee dieser Art von Kunst besteht darin, den Rahmen zu verletzen - den Bildraum des Bildes, die persönliche Grenze einer Person und am Ende das Finden der Grenze der Rationalität. Höchstwahrscheinlich werden Zuschauern, die mit Avantgarde und Konzeptkunst nicht vertraut sind, viele dieser Performances zu exotisch erscheinen, aber man kann diesen Performances nicht entziehen, sie ziehen immer Aufmerksamkeit auf sich und machen sie mitfühlend, was letztendlich, ist das Ziel jeder Kreativität.

Konzert "mit einem Augenzwinkern"

Im Juli 2019 fand am Ufer des Finnischen Meerbusens eine außergewöhnliche Aufführung statt: Ein blinder Musiker spielte auf einem brennenden Klavier ein Werk von Max Richter. Danila Bolshakov leitet seit mehreren Jahren das Orchester der blinden Musiker, und das Video, das bei einem so ungewöhnlichen Konzert aufgenommen wurde, sollte das erste Video auf seinem neuen YouTube-Kanal sein. Der Musiker selbst erklärte die Bedeutung der Aufführung wie folgt:. Auf die Frage, wie die Aufführung gelaufen sei, antwortete er kurz:

Bei aller Exzentrizität ist diese Idee weit entfernt von den Performances, die heute zu Klassikern der Avantgarde-Kunst geworden sind. Die Leistungen der Koryphäen sehen viel anspruchsvoller aus.

Auf die Natur achten

Der deutsche Künstler Joseph Beuys, einer der wichtigsten Theoretiker der Postmoderne, schockierte Mitte des 20. Jahrhunderts die Öffentlichkeit mit der komplexen Symbolik seiner Werke. Das Hauptthema seiner Arbeit war die Beziehung zwischen dem Menschen des technogenen Zeitalters und der sterbenden Natur. Während einer Aufführung in einer Kunstgalerie im Jahr 1965 bedeckte der Künstler beispielsweise seinen Kopf mit Honig und Goldfolie und erklärte einem toten Hasen die Bedeutung einiger moderner Gemälde.

Und 1974 flog Boyce nach New York, um die berühmteste seiner "Aktionen" auszuführen (wobei das Wort "Wahnsinn" hier nützlicher denn je wäre). Drei Tage lang lebte der postmoderne Meister in völliger Isolation im selben Raum mit einem wilden Kojoten, eingehüllt in eine Filzdecke. Das Tier zeigte mäßiges Interesse an ihm, insbesondere wenn der Künstler versuchte, ihm einige symbolische Figuren (z. B. ein Dreieck) zu zeigen. Am Ende der vorgegebenen Zeit umarmte Boyce den Kojoten und flog nach Hause. Den ganzen Weg zwischen Flughafen und Zimmer tat er es auf einer Trage und in einem Krankenwagen, damit sein Fuß nicht amerikanischen Boden berührte: - Der Künstler erklärte dann diese Originalität. Diese Aktion ist die auffälligste in seinem Werk und heißt "I like America and America loves me".

Schneide den Überschuss von John Lennons Freundin ab

Im Gegensatz zu statischer Kunst ist Performance eine kleine Performance, oft interaktiv. Es impliziert einen bestimmten Prozess, dessen Ergebnisse schwer sofort zu programmieren sind. So erforschte Yoko Ono die Tiefen des menschlichen Unterbewusstseins und schuf gleichzeitig den Kanon der Konzeptkunst. Wie kann man einen Gedanken ausdrücken, ohne ihn in eine physische Form zu bringen? Wenn Sie sehr wütend auf die Menschheit sind, können Sie beispielsweise einem Menschen Freiheit geben und so seine Grenzen aufzeigen. In ihrer berühmten Performance „Cut a Piece“betrat die Künstlerin in ihrem besten Kleid die Bühne und lud das Publikum ein, nacheinander zu ihr zu kommen, um ein Stück ihrer Kleidung abzuschneiden. Yoko führte eine solche Aktion mehrmals durch - in den 1960er Jahren löste sie in verschiedenen Ländern eine mehrdeutige Reaktion der Zuschauer aus, von wohlwollend bis aggressiv. 2003 wiederholte Yoko Ono diese Aufführung in Paris als Aufruf zum Frieden und erinnerte an die Ereignisse des 11. September 2001. In einem Interview erklärte die betagte Künstlerin ihre Performance wie folgt:

Die schwere Last der Kunst

Ein ähnliches Thema wurde in ihrer Arbeit von einer Frau entwickelt, die wegen ihrer langjährigen Treue zu ihren Prinzipien in der Kunst als „Großmutter der Performance“bezeichnet wurde. Fast immer machte die serbische Künstlerin Marina Abramovic Beobachter zu Teilnehmern der Aktion, die sich auf "die Konfrontation von Schmerz, Blut und den physischen Grenzen des Körpers" konzentrierte. Zum Beispiel hat Marina 2010 eine 3-Monats-Performance durchgeführt. 7-10 Stunden am Tag saß eine Frau absolut regungslos an einem Tisch in einer riesigen Halle und ließ sich jedem, der wollte, gegenübersitzen und sie anschauen. Eine so ungewöhnliche "Ausstellung" lockte Menschenmassen in das Museum of Modern Art in Manhattan. Unter den Teilnehmern, die "an der Brille spielten", waren Prominente: Matthew Barney, Bjork und Lady Gaga.

Marinas bekannteste Aktion war jedoch „Rhythm 0“. 1974 legte Abramovich 72 Gegenstände auf den Tisch, die die Menschen beliebig verwenden konnten, und stattete sie mit ihrem passiven Körper für jede Aktion aus. Dies erwies sich als die härteste Prüfung für den Avantgarde-Künstler:

Lesen Sie in der Rezension, wie der serbische Künstler das Publikum immer wieder schockiert: Leben und Tod von Marina Abramovich - eine neue Aufführung im alten Theater.