Wer Rodin wirklich "Der Denker" oder "Der Trauernde" geschaffen hat: Die wahre Bedeutung berühmter Kunstwerke

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Jeder kann leicht feststellen, dass das Thema Trauer bei Künstlern sehr beliebt ist. Und oft wissen moderne Menschen nicht einmal um die Entstehungsgeschichte einiger Gemälde oder Skulpturen und ihre wahre Bedeutung.

"Porträt von Venedig Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Es scheint, dass die junge Frau friedlich schläft. Als der flämische Künstler Anthony van Dyck 1633 jedoch versuchte, die ganze aristokratische Schönheit von Venice Stanley, Lady Digby, auf die Leinwand zu bringen, malte er tatsächlich ein Porträt … einer zwei Tage alten Leiche, die auf dem Sterbebett lag.

Verstört vor Trauer, als er feststellte, dass seine Frau im Alter von 33 Jahren plötzlich in der Nacht gestorben war, bat Venedigs Ehemann Sir Kenelm Digby Van Dyck, den Hofmaler von König Karl I., seine verstorbene Frau vor „den Chirurgen und Gerichtsmedizinern“zu malen ist eingetroffen."

Anthony van Dyck schrieb 1633 Venedig, Lady Digby auf ihrem Sterbebett - zwei Tage nachdem die Frau im Schlaf gestorben war

Van Dijk machte sich an die Arbeit und ignorierte die schrecklichen Veränderungen, die der menschliche Körper nach dem Tod erleidet. Auf den blassen, bezaubernden Hals von Venice zeichnete er eine Perlenkette, und auf den Rand des Lakens streute er Rosenblätter. Digby glaubte, dass das Gemälde von Van Dyck, das sich heute in der Londoner Dulwich Art Gallery befindet, die Krönung des Schaffens des Künstlers war. Ihm zufolge schien diese „Rose“schon auf den ersten Blick „zu verblassen“und sollte den Tod seiner Frau symbolisieren.

Trotz der Tatsache, dass fast 400 Jahre vergangen sind, gibt es immer noch Gerüchte, dass Digby, der nicht nur Höfling und Diplomat, sondern auch Erfinder und Alchemist war, selbst den Tod seiner Frau verursacht hat. Manche sagen, er habe Venedig eine Mischung aus Vipernblut zu trinken gegeben, mit der er hoffte, seine Schönheit zu bewahren. Andere glauben, er habe sie aus Eifersucht getötet - schließlich soll er einmal über die berüchtigte Zügellosigkeit Venedigs gesagt haben, "ein weiser und starker Mann kann sogar aus einem Bordellarbeiter eine ehrliche Frau machen". Obwohl eine Autopsie durchgeführt wurde, sind die Ergebnisse interessanterweise nicht erhalten geblieben.

Digby war jedoch durch den Tod von Venedig am Boden zerstört. Er schrieb an seinen Bruder, dass Van Dycks posthumes Porträt „der einzige ständige Begleiter ist, den ich jetzt habe. Er steht den ganzen Tag vor meinem Stuhl und Tisch … und die ganze Nacht am Bett. Als das schwache Mondlicht auf ihn fällt, scheint es mir, als ob ich sie wirklich tot sehe.“

Mit anderen Worten, laut Digbys Brief ist das kleine Ölgemälde von Van Dyck, weniger als einen Quadratmeter groß, dem trauernden Witwer Trost und Trost geworden. Wenn die Rose im Bild tatsächlich das "Emblem" der Vergänglichkeit des Lebens ist, symbolisiert das Bild selbst das, was man die Kunst der Traurigkeit nennen kann.

Neben Grabdenkmälern in Kirchen, die vor allem zum Gedenken an die Verstorbenen aufgestellt wurden, fand sich das Trauerthema in der abendländischen Kunst vor der Ära Van Dyck, im Mittelalter und in der Renaissance in der Regel nur in religiösen Gemälde und Skulpturen, die der tragischen Geschichte vom Tod Christi gewidmet sind. …

Michelangelos Pietà im Petersdom

Michelangelos beeindruckende Marmorpieta im Petersdom ist die einzige Skulptur, die er jemals signiert hat. Sie stellt die trauernde Jungfrau Maria mit dem toten Christus auf ihrem Schoß dar. Dies ist vielleicht das bekannteste Beispiel, aber es gibt noch viele andere. Zum Beispiel kann man ein Gemälde eines anderen Künstlers der Hochrenaissance und Freund von Michelangelo, Sebastiano del Piombo, herausgreifen. Laut Experten der National Gallery ist das Gemälde (an dem del Piombo mit Michelangelo arbeitete) "Beweinung des toten Christus" (ca. 1512-1516) "die erste großformatige Nachtlandschaft der Geschichte" und sein mondbeschienener Himmel passt perfekt zur düsteren Stimmung.

Michelangelos Pietà im Petersdom ist eine berühmte Version eines der häufigsten Bilder des Katholizismus: die Trauer der Jungfrau Maria über den Tod ihres Sohnes

Natürlich wurde das traditionelle Thema der Trauer um Christus von vielen berühmten Autoren der Kunstgeschichte dargestellt, von Giotto und Mantegna bis Rubens und Rembrandt. Dies sind nur einige von Tausenden von Künstlern, die diese biblische Szene im Laufe der Jahrhunderte in der einen oder anderen Form dargestellt haben. Tatsächlich ist die Kunst der Trauer so allgegenwärtig, dass die Menschen manchmal vergessen, was sie sehen. Der Kurator von Rodins neuer Ausstellung im British Museum hat kürzlich einen Artikel veröffentlicht, in dem vorgeschlagen wird, dass die berühmte französische Skulptur The Thinker tatsächlich The Mourner heißen sollte. „Schauen Sie sich die Hand und das Kinn genau an“, sagte Ian Jenkins, ein Kenner der antiken griechischen Kunst. - Wenn diese Person über etwas nachdachte, hätte sie ihr Kinn in einer nachdenklichen Geste mit der Hand bedeckt. Aber bei dieser Skulptur stützt die Hand das Kinn. Und im antiken Griechenland war es eine Geste der Trauer.“

"Insel der Toten" von Arnold Böcklin

Ölgemälde auf Holz von Arnold Böcklin "Toteninsel", 1880. Seine Handlung basiert auf der antiken griechischen Mythologie. Das Gemälde inspirierte den gleichnamigen Horrorfilm von Jacques Tourneur

Wenn Sie das Wort "Trauer" in eine Online-Suchmaschine eines internationalen Museums eingeben, werden viele Ergebnisse zurückgegeben. In Großbritannien beispielsweise ergab eine Suche nach diesem Stichwort auf der Website der Tate Gallery 143 Kunstwerke zum Thema Trauer und Leiden aus verschiedenen Epochen.

Zum Beispiel begannen Künstler im 18. Jahrhundert, Trauer und Traurigkeit durch das Prisma des Shakespeare-Dramas zu betrachten. Ein beliebtes Thema war der Tod von König Lears Tochter Cordelia. Im 19. Jahrhundert ist John Everett Millais' detailgetreues Gemälde Ophelia (1851-52), für das das Model Elizabeth Siddal vier Monate lang täglich mehrere Stunden in der Badewanne posierte, ein berühmter und höchst poetischer visueller Ausdruck der Trauer. Es zeigt eine dänische Adlige aus Shakespeares Hamlet, die vor Trauer über ihren ermordeten Vater wahnsinnig wurde und sich in einem Bach ertränkte.

Rodins Der Denker

Ian Jenkins vom British Museum glaubt, dass Rodins Der Denker The Mourner heißen sollte, weil die Figur das Kinn zu einer geballten Faust ruhte - ein klares Zeichen dafür, dass die Person zurückgezogen und in ihre eigene Trauer versunken ist.

Trauer war ein sehr wichtiges Thema für Künstler während der viktorianischen Ära, als eine komplexe "Trauerkultur" populär war. In seiner Art of Death (1991) stellt der Kunsthistoriker Nigel Llewellyn fest, dass "eine beeindruckende visuelle Kultur des Todes" ein Markenzeichen des 19. Jahrhunderts war.

"Weinende Frau" von Picasso

Im 20. Jahrhundert setzten Künstler die Tradition ihrer viktorianischen Vorfahren fort, Trauer in ihren Werken auszudrücken. Das vielleicht beste Beispiel ist Picassos Weinende Frau (1937), die mit seinem epischen Gemälde Guernica aus dem gleichen Jahr verbunden ist, das während des spanischen Bürgerkriegs als Reaktion auf die deutschen Flugzeuge, die eine baskische Stadt bombardierten, gemalt wurde. Guernica wird von vielen als ultimativer Ausdruck der kollektiven Trauer des 20. Jahrhunderts angesehen. Natürlich gibt es viele Beispiele für andere Gemälde des 20. Jahrhunderts, deren Thema mit Traurigkeit zusammenhängt. Sie können sich zum Beispiel an ein kleines Gemälde von Lucian Freud erinnern, das 1973 von ihm gemalt wurde - ein Porträt seiner Mutter, die über den Tod ihres Mannes traurig ist.

"Triptychon" von Francis Bacon

Francis Bacon malte auf der linken Seite des Triptychons (August 1972) seinen Liebhaber George Dyer, der Selbstmord beging

Das Triptychon von Francis Bacon, das heute auch in der Tate zu sehen ist, hat es geschafft, sowohl die persönliche als auch die öffentliche Trauer zu berühren. Eines von Bacons sogenannten Schwarzen Triptychen wurde nach dem Selbstmord seines Geliebten George Dyer gemalt, dessen Bild im linken Feld zu sehen ist. So ist das Triptychon ein unvergessliches und sehr persönliches Zeugnis des Leidens des Malers (das übrigens in der rechten Tafel dargestellt ist).

Natürlich konnten zwei Weltkriege im 20. Jahrhundert nur einen Einfluss auf die Kunst haben. Kunstkritiker argumentieren, dass der Krieg im Vergleich zum 19. Jahrhundert einen tiefgreifenden Einfluss auf die Art und Weise hatte, wie Künstler Trauer darstellten. Im Gegensatz zur viktorianischen Trauer, bei der einzelne Familien individuelle Trauer erlebten, litt fast jede Familie in Europa plötzlich.

Kriegerdenkmäler

Eine Folge davon war ein offizielles Bemühen der Regierung, "eine angemessene visuelle Kultur der Trauer zu schaffen". Die klassischen, allegorischen Grabfiguren, die von den Viktorianern so geliebt wurden, kamen aus der Mode. An ihre Stelle traten Kriegsdenkmäler, die eher das gemeinsame nationale Opfer als den Verlust einzelner Personen betonten.

Das von Edwin Lutyens entworfene Cenotaph War Memorial in der Nähe von Whitehall, London, ist ein archetypisches Beispiel für diesen neuen Ansatz: Anstelle menschlicher Figuren steht ein leerer Sarg, der mit jedem Soldaten in Verbindung gebracht werden kann. Trauernde Familien können es als universelles Symbol verwenden.

Taryn Simon machte die Installation "Occupation of Loss", an der 21 "professionelle Trauernde" aus verschiedenen Kulturen teilnahmen

Die Vielseitigkeit der Trauer ist immer noch ein Thema zeitgenössischer Künstler. Anfang des Jahres erhielt die amerikanische Fotografin Taryn Simon begeisterte Kritiken für ihre Live-Installation Occupation of Loss, die in einer unterirdischen Halle im Norden Londons inszeniert wurde. Für das 2016 in New York uraufgeführte Werk lud Simon 21 „professionelle Trauernde“aus aller Welt ein, darunter Albanien, Aserbaidschan, Ecuador, Ghana und Venezuela. Das Publikum konnte jeder dieser Frauen zuhören.