9 Meisterwerke brillanter Künstler, die große Modedesigner inspiriert und einzigartige Kollektionen geschaffen haben

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Im Laufe der Geschichte gingen Mode und Kunst Hand in Hand, um eine großartige Kombination zu schaffen. Viele Modedesigner haben sich für ihre Kollektionen Anregungen aus künstlerischen Strömungen übernommen, wodurch Mode als eine Kunstform interpretiert werden kann, die hauptsächlich dazu dient, Ideen und Visionen auszudrücken. Davon beeinflusst, haben einige international renommierte Modedesigner herausragende Kollektionen basierend auf den künstlerischen Strömungen des 20. Jahrhunderts geschaffen.

1. Madeleine Vinne

Madame Madeleine Vionne wurde 1876 in Nord-Zentralfrankreich geboren und war als "Göttin des Stils und Königin der Schneiderei" bekannt. Während ihres Aufenthalts in Rom war sie fasziniert von der Kunst und Kultur der griechischen und römischen Zivilisation und ließ sich von antiken Göttinnen und Statuen inspirieren. Ausgehend von diesen Kunstwerken prägte sie die Ästhetik ihres Stils und kombinierte Elemente der griechischen Skulptur und Architektur, um dem weiblichen Körper eine neue Dimension zu verleihen. Mit ihrem Geschick im Drapieren und schrägen Kleidern revolutionierte Madeleine die moderne Mode. Für ihre Kunstsammlungen konsultierte sie oft Kunstwerke wie The Winged Victory of Samothrace.

Die Ähnlichkeiten zwischen dem Meisterwerk hellenistischer Kunst und Vonnes Muse sind frappierend. Eine tiefe Drapierung des Stoffes im Stil des griechischen Chitons erzeugt vertikale Lichtstreifen, die über die Figur fließen. Die Skulptur wurde als Hommage an die griechische Siegesgöttin Nike geschaffen und wird für ihre realistische Bewegungsdarstellung bewundert. Der fließende Fall des Vionnet-Designs erinnert an die Bewegung von wogendem Stoff, der an Nikes Körper haftet. Kleider können wie Lebewesen mit Seele sein, wie ein Körper. Wie der geflügelte Sieg von Samothrake kreierte Madeleine Kleider, die die menschliche Essenz, die tief im Inneren verborgen ist, erwecken. Der Klassizismus, sowohl eine ästhetische Philosophie als auch eine Designphilosophie, gab Vionne die Möglichkeit, ihre Vision in geometrischer Harmonie zu vermitteln.

Sie war auch von zeitgenössischen Kunstströmungen wie dem Kubismus fasziniert. Madeleine begann, geometrische Formen in ihre Kreationen zu integrieren und übernahm eine andere Methode, sie zu schneiden, den sogenannten Fasenschnitt. Natürlich behauptete Vionne nie, den Schrägschnitt erfunden zu haben, sondern erweiterte nur seine Verwendung. Als Frauen im frühen 20. Jahrhundert große Fortschritte im Kampf um ihre Rechte machten, verteidigte Madeleine ihre Freiheit, indem sie das langlebige viktorianische Korsett aus der Alltagskleidung der Frauen verbannte. Daher wurde sie zum Symbol für die Befreiung der Frau vom Zwang des Bustiers und veröffentlichte stattdessen neue, leichtere Stoffe, die buchstäblich auf die Körper der Frauen flossen.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli ist der Chefdesigner von Valentino und fühlt sich sehr von den religiösen Werken des Mittelalters angezogen. Ausgangspunkt der Inspiration ist für ihn der Moment des Übergangs vom Mittelalter zur nordischen Renaissance. Er arbeitete mit Zandra Rhodes zusammen und gemeinsam entwickelten sie im Frühjahr 2017 eine inspirierende Kollektion. Piccioli wollte die Punkkultur der späten 70er Jahre mit Humanismus und mittelalterlicher Kunst verbinden, also kehrte er zu seinen Wurzeln und der Renaissance zurück und ließ sich von Hieronymus Boschs Gemälde Der Garten der Lüste inspirieren.

Der berühmte niederländische Maler war einer der prominentesten Vertreter der nördlichen Renaissance im 16. Jahrhundert. Im "Garten der Lüste", den Bosch vor der Reformation malte, wollte der Künstler das Paradies und die Erschaffung der Menschheit, die erste Versuchung Adams und Evas sowie die Hölle, die Sünder vorwegnimmt, darstellen. Im mittleren Bereich scheinen die Menschen ihren Appetit in einer Welt des Vergnügens zu stillen. Die Ikonographie von Bosch zeichnet sich durch Originalität und Sinnlichkeit aus. Das ganze Bild wird als Allegorie der Sünde gedeutet.

In der Modewelt gewann das Gemälde an Popularität, da verschiedene Modedesigner von seinen Motiven fasziniert waren. Piccioli mischte Epochen und Ästhetik und interpretierte Boschs Symbole mit fliegenden durchsichtigen Kleidern neu, während Rhodes romantische Drucke und gestickte Muster kreierte, die dem Originalkunstwerk leicht ähneln. Farben waren sicherlich Teil der Botschaft, die die Designer vermitteln wollten. So orientiert sich die Kollektion der fliegenden Traumkleider an der nordischen Farbpalette aus Apfelgrün, Blassrosa und blauen Rotkehlereiern.

3. Dolce und Gabbana

Peter Paul Rubens malte meisterhaft Frauen mit Liebe, Gelehrsamkeit und Fleiß. Als höchstes Symbol der Schönheit präsentierte er seine "Venus vor dem Spiegel". Peter porträtierte ausschließlich ihr helles Gesicht und die blonden Haare, die im Kontrast zu dem dunkelhäutigen Dienstmädchen stehen. Der Spiegel ist ein absolutes Schönheitssymbol, das eine Frau wie ein Porträt umrahmt und gleichzeitig die Nacktheit der Figur dezent betont. Der Spiegel, den Amor für die Göttin hält, zeigt die Spiegelung der Venus als Repräsentation erotischer Anziehung und Begierde. Rubens, einer der Begründer der Barockkunst, beeinflusste mit seinem Konzept der "Farben über Linien" mehrere Modedesigner, darunter Dolce & Gabbana. Der Barockstil wich vom Geist der Renaissance ab, gab Ruhe und Schlichtheit auf und suchte stattdessen nach Eleganz, Spannung und Bewegung.

Die Modedesigner Domenico Dolce und Stefano Gabbana wollten eine Kampagne kreieren, die sowohl die sinnliche als auch die romantische Seite weiblicher Schönheit zelebriert. Peter Paul Rubens war die geeignetste Inspirationsquelle. Die Kreationen des Kultduos standen im Einklang mit der Kunst des flämischen Künstlers. In dieser Kollektion posierten Models mit großem Adel und sahen aus, als wären sie gerade von einem von Rubens' Gemälden gestiegen. Die Dekorationen wurden so gestaltet, dass sie barocken Spiegeln und Stickereien ähneln. Die Anmut der Figuren und die pastellfarbene Farbpalette wurden durch das brokatrosa Kleid schön unterstrichen. Die Wahl der Modedesigner, eine Vielzahl von Modellen aufzunehmen, trug weiter zum Körpertyp dieser Ära bei. Die geschwungenen Linien, die Dolce und Gabbana verwendeten, widersprachen der Diskriminierung verschiedener Körpertypen in der Modebranche.

Die Dolce and Gabbana Women's Herbstkollektion 2012 zeigt viele Merkmale der italienischen Barockarchitektur. Diese Kollektion passt perfekt zu den reich verzierten Merkmalen des sizilianischen Barockstils. Die Designer konzentrierten sich auf die barocke Architektur, wie sie in den katholischen Kirchen Siziliens zu sehen ist. Bezugspunkt war das Gemälde von Rubens „Porträt der Anna von Österreich“. In ihrem königlichen Porträt ist Anna von Österreich in spanischer Manier dargestellt. Annas schwarzes Kleid ist mit vertikalen Streifen aus grüner Stickerei und goldenen Details verziert. Kunstvoll gestaltete Kleider und Capes aus luxuriösen Textilien wie Spitze und Brokat sind zum Hauptmerkmal der Dolce and Gabbana-Show geworden, die mit ihrer Kreativität die Welt eroberten.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kann als wahrer Meister bezeichnet werden, der im 20. Jahrhundert die Damenmode reformierte. In einem kleinen Dorf in Spanien geboren, brachte er die Essenz der spanischen Kunstgeschichte in seine zeitgenössischen Projekte ein. Während seiner gesamten Karriere war Balenciaga von der spanischen Renaissance beeindruckt. Er suchte oft Inspiration bei der spanischen Königsfamilie und Mitgliedern des Klerus. Der Modedesigner verwandelte die kirchlichen Gegenstände und Klostergewänder der Epoche in tragbare Modemeisterwerke.

Eine seiner großen Inspirationen war der Manierist El Greco, auch bekannt als Dominikos Theotokopoulos. Betrachtet man Kardinal El Greco Fernando Niño de Guevara, kann man die Ähnlichkeiten zwischen dem Umhang des Kardinals und dem Design von Balenciaga erkennen. Das Gemälde zeigt den spanischen Kardinal Fernando Niño de Guevara aus der Zeit von El Greco in Toledo. El Grecos Ideen wurden dem Neuplatonismus der italienischen Renaissance entlehnt und präsentiert in diesem Porträt den Kardinal als Symbol der Gnade Gottes. Der Manierismus ist im ganzen Bild vorhanden. Dies macht sich in einer langgestreckten Figur mit kleinem Kopf, anmutigen, aber bizarren Gliedmaßen, intensiven Farben und einer Ablehnung klassischer Maße und Proportionen bemerkbar.

Balenciagas Leidenschaft für historische Kleidung zeigt sich in diesem extravaganten Abendmantel aus seiner Kollektion von 1954. Er hatte die Vision und die Fähigkeit, moderne Formen zu erfinden. Der übertriebene Kragen dieses Mantels erinnert an den ausgebeulten Stil eines Kardinalscapes. Die rote Farbe der Kleidung des Kardinals symbolisiert Blut und seine Bereitschaft, für den Glauben zu sterben. Das leuchtende Rot wurde von dem berühmten Designer als außergewöhnlich angesehen, da er oft kräftige Farbkombinationen und leuchtende Farbtöne bevorzugte. Seine große Innovation war der Wegfall der Taille und die Einführung von fließenden Linien, einfachen Schnitten und Dreiviertelärmeln. Damit revolutionierte Balenciaga die Damenmode.

Der Designer führte auch armbandlange Ärmel ein, die es Frauen ermöglichten, ihren Schmuck zu präsentieren. In den 1960er Jahren, mit der allmählichen Einführung von Frauen in die Arbeitsindustrie, hatte Balenciaga die Idee, den Frauen, die er kleidete, Komfort, Freiheit und Funktionalität zu geben. Er förderte lockere, bequeme Kleider, die im Kontrast zu den figurbetonten Silhouetten des Tages standen.

5. Alexander McQueen

Der österreichische Künstler, Meister der Symbolik und Begründer der Wiener Sezessionsbewegung, Gustav Klimt legte den Grundstein für die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Seine Malerei und künstlerische Ästhetik inspirierten Modedesigner seit langem. Andere wie Aquilano Rimondi, L'Rene Scott und Christian Dior, der Designer, der sich direkt auf Klimt bezog, war Alexander McQueen. In der Resort Spring / Summer 2013 Kollektion hat er Unikate entworfen, die von der Arbeit des Künstlers inspiriert zu sein scheinen. Wenn man sich ein fließendes schwarzes Kleid mit einem sich wiederholenden goldenen Muster oben ansieht, kann einem ein bestimmtes Bild in den Sinn kommen. McQueen hat abstrakte, geometrische und mosaikartige Designs in Bronze- und Goldtönen verwendet und sie in seine Designs integriert.

1905 malte Gustav Klimt das Gemälde "Die Umarmung", das ein Paar in einer sanften Umarmung zeigt, das zum Symbol der Liebe wurde. Der österreichische Künstler ist bekannt für seine Goldmalereien sowie die perfekte Kombination von Abstraktion und Farbe, die in diesen Werken vorhanden ist. Alle Mosaike haben satte Goldtöne mit kaleidoskopischen oder natürlichen Verzierungen, die einen großen Einfluss auf die Mode hatten. Dieses Gemälde fällt durch die kontrastierenden geometrischen Formen zwischen den Kleidern der beiden Liebenden auf. Die Herrenbekleidung besteht aus schwarzen, weißen und grauen Quadraten, während das Damenkleid mit ovalen Kreisen und floralen Motiven verziert ist. So veranschaulicht Klimt meisterhaft den Unterschied zwischen Männlichkeit und Weiblichkeit. Alexander hat etwas Ähnliches für seine Kleidung angenommen.

6. Christian Dior

Claude Monet, Begründer des Impressionismus und einer der größten französischen Maler der Kunstgeschichte, hat ein großes künstlerisches Erbe hinterlassen. Monet ließ sich von seinem Haus und Garten in Giverny inspirieren und fing die natürliche Landschaft in seinen Gemälden ein. Insbesondere in dem Gemälde "Der Garten des Künstlers in Giverny" gelang es ihm, die Naturlandschaft nach seinen Bedürfnissen zu manipulieren. Der Kontrast des braunen Feldweges gegen die leuchtende Farbe der Blumen ergänzt die Szene. Der berühmte Impressionist wählte die Irisblume oft wegen ihrer violetten Farbe, um den Effekt einer hellen Sonne zu erzeugen. Dieses Gemälde ist voller Leben, während Blumen blühen und grüßen und den Frühling umarmen. Rosen- und Fliederblüten, Iris und Jasmin sind Teil eines farbenfrohen Paradieses auf weißer Leinwand.

Ebenso hat Christian Dior, ein Pionier der französischen Mode, die Modewelt geprägt, die bis heute spürbar ist. 1949 entwarf er eine Haute-Couture-Kollektion für die Frühjahr/Sommer-Saison. Einer der Höhepunkte dieser Ausstellung war das ikonische Dior-Kleid, das vollständig mit Blütenblättern in verschiedenen Rosa- und Lilatönen bestickt ist. Dior hat die beiden Welten Kunst und Mode perfekt illustriert und Monets Ästhetik in diesem funktionalen Kleid nachgeahmt. Er verbrachte viel Zeit auf dem Land und malte seine Sammlungen in seinem Garten in Granville, wie es Monet tat. So definierte er den eleganten Dior-Stil, indem er Monets Farbpalette und florale Muster in seine Kreationen einfließen ließ.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian war einer der ersten Künstler, der im 20. Jahrhundert abstrakte Kunst schuf. 1872 in den Niederlanden geboren, gründete er eine ganze Kunstbewegung namens De Stijl. Das Ziel der Bewegung war es, zeitgenössische Kunst und Leben zu vereinen. Dieser auch als Neoplastismus bezeichnete Stil war eine Form der abstrakten Kunst, bei der nur geometrische Prinzipien und Primärfarben wie Rot, Blau und Gelb mit neutralen Farben (Schwarz, Grau und Weiß) kombiniert wurden. Petes innovativer Stil der frühen 1900er Jahre zwang Modedesigner, diese reine Art der abstrakten Kunst zu reproduzieren. Das beste Beispiel für diesen Malstil ist die Komposition mit roten, blauen und gelben Farben.

Der französische Modedesigner Yves Saint Laurent ist ein Kunstliebhaber und hat Mondrians Gemälde in seine Haute-Couture-Kreationen integriert. Er ließ sich zum ersten Mal von Petes Werk inspirieren, als er ein Buch über das Leben des Künstlers las, das ihm seine Mutter zu Weihnachten schenkte. Inspiriert von den geometrischen Linien und kräftigen Farben des Künstlers präsentierte er sechs Cocktailkleider, die seinen ikonischen Stil und die Ära der Sechziger im Allgemeinen feierten. Jedes von Mondrians Kleidern war etwas anders, aber alle hatten eine einfache A-Linien-Form und eine ärmellose Knielänge, die für jeden Körpertyp perfekt war.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, 1890 als Tochter einer Adelsfamilie in Rom geboren, drückte bald ihre Liebe zur Modewelt aus. Sie begann ihren revolutionären Stil zu entwickeln, inspiriert von Futurismus, Dada und Surrealismus. Im Laufe ihrer Karriere interagierte sie mit so berühmten Surrealisten und Dadaisten wie Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp und Jean Cocteau. Sie arbeitete sogar mit dem spanischen Künstler Salvador Dali zusammen.

Eine der größten Kooperationen der Modegeschichte war die Zusammenarbeit zwischen Dali und Elsa Schiaparelli. Dieses Kleid wurde im Sommer 1938 mit Salvador Dali als Teil der Zirkuskollektion von Schiaparelli kreiert. Das Kleid bezieht sich auf das Gemälde von Dali, in dem er Frauen mit verzerrten Körperproportionen darstellte.

Für surrealistische Künstler war die Suche nach der idealen Frau zum Scheitern verurteilt, da das Ideal nur in ihrer Vorstellung existierte, nicht in der Realität. Es war jedoch nicht Dalis Absicht, Frauen realistisch darzustellen, daher sind ihre Körper überhaupt nicht ästhetisch. Schiaparelli wollte mit diesem Spiel des Versteckens und Enthüllens des Körpers experimentieren, um die Illusion von Verletzlichkeit und Unsicherheit zu erzeugen. Das Kleid mit der Illusion von Tränen war aus hellblauem Seidenkrepp gefertigt, eine Hommage an Salvador und seine unverhältnismäßigen Frauen.

9. Gianni Versace

Die Ära der Pop Art war die wohl einflussreichste Zeit für Modedesigner und Künstler in der Kunstgeschichte. Andy Warhol war Pionier der Mischung aus Popkultur und High Fashion und machte ihn zu einem ikonischen Symbol der Pop-Art-Bewegung. In den sechziger Jahren begann Warhol, seine charakteristische Technik zu praktizieren, die als Siebdruck bekannt ist.

Eines seiner frühesten und zweifellos berühmtesten Werke war das Marilyn-Diptychon. Für dieses Stück ließ er sich nicht nur von der Popkultur inspirieren, sondern auch von der Kunstgeschichte und von Künstlern des abstrakten Expressionismus. Andy hat die beiden Welten von Marilyn Monroe, das soziale Leben eines Hollywoodstars und die tragische Realität von Norma Jeane, einer Frau, die mit Depressionen und Sucht kämpfte, eingefangen. Das Diptychon verstärkt links die Schwingung, während es rechts in Dunkelheit und Dunkelheit verschwindet. In dem Versuch, eine Konsumgesellschaft und einen Materialismus darzustellen, porträtierte er Individuen als Produkte und nicht als Menschen.

Der italienische Designer Gianni Versace verbindet eine langjährige Freundschaft mit Andy Warhol. Beide Männer waren von der Populärkultur fasziniert. Zu Ehren von Warhol widmete ihm Versace seine Frühjahrs-/Sommerkollektion 1991. Eines der Kleider zeigte Warhol-Prints mit Marilyn Monroe. Er verarbeitete die lebendigen Seidenporträts von Marilyn und James Dean aus den 1960er Jahren in Röcke und Maxikleider.

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