Warum das Gemälde "Grablegung" das einzige Werk Caravaggios war, das Kritiker und die Kirche bewunderten

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Die Grablegung ist das einzige Gemälde von Caravaggio, das von der Kritik einstimmig gelobt wurde. Darüber hinaus ist dies das erste Werk, das die Kirche ohne Verzögerung und Anpassungen akzeptiert hat. Künstler dieser Zeit kopierten Caravaggios Werk viele Male. Es sind mindestens 44 Exemplare bekannt, eines davon gehört Paul Cezanne.

Gesellschaftsbewertung

Sogar die eingefleischtesten Kritiker (Ballione und Bellori) bewunderten Caravaggios "Position im Grab". Mit einer diagonalen Kaskade von Trauernden und dem Körper des toten Christus stellt dieses gegenreformatorische Gemälde sowohl eine Revolution in der Malerei als auch eine echte Trauer dar. Caravaggio gehört für seinen ultranaturalistischen Zugang zur Barockkunst zu den besten Künstlern aller Zeiten.

„Grablegung“ist ebenso tragisch wie Michelangelos „Pieta“, von der Caravaggio sich eindeutig inspirieren ließ und auf deren Grundlage er sein eigenes Meisterwerk schuf. So entwickelte sich das Leben eines Barockkünstlers, der Kunstkritikern aus polizeilichen Unterlagen seine Biografie erfuhr. Aus diesen Dokumenten erfuhr die Welt, dass Caravaggio einen aufbrausenden Charakter hatte, er zu anderen grausam sein konnte, er wurde oft wegen Angriffen verhaftet und eingesperrt. Caravaggio ist in den Polizeiakten für geringfügige Vergehen aufgeführt, wie das unerlaubte Tragen einer Waffe, und für schwerere Vergehen, als er in gewalttätige Auseinandersetzungen verwickelt war. Einmal wurde er sogar verhört, weil er eine Frau und ihre Tochter beleidigt hatte! Es ist unvorstellbar, dass ein so talentierter Maler einen Mann wegen einer Wette töten und die letzten Jahre seines Lebens auf der Flucht vor der Polizei verbringen könnte. Sind all diese Geschichten wahr? Es wird also ein Rätsel bleiben.

Helden

Das Gemälde ist eine eng kompakte figurative Gruppe von sechs Charakteren, einschließlich des Leichnams des toten Christus. Die obere Hälfte des Leibes Christi wird von Johannes dem Evangelisten (in einem roten Mantel) getragen. Seine rechte Hand berührt die Wunde Christi. Die untere Hälfte wird vom Heiligen Nikodemus getragen, der traditionell die Nägel von den Füßen Christi am Kreuz entfernte. Nikodemus ist die dominierende Figur des Gemäldes, und sein Körper ist der kompositorische und spirituelle Anker der Leinwand. Ständig schaut er den Betrachter aus der Bildebene an und zwingt ihn fast, in das Ritual einzugreifen. Vorsichtig tragen die beiden Helden der trauernden Gruppe den Leichnam Christi in die Grabhöhle, die in der Dunkelheit links kaum sichtbar ist.

Hinter den beiden Männern - die Mutter Christi, Maria, Maria Magdalena, die sich mit einem weißen Taschentuch die Tränen abwischt, und Maria von Kleophes, die in einer Geste hoffnungsloser Trauer ihre Hände zum Himmel erhebt. Zusammen repräsentieren die drei Frauen unterschiedliche, sich ergänzende Ausdrucksformen des Leidens. Caravaggio schuf mit diesem Werk ein auffallend monumentales und dramatisches Bild, das durch ein ausgeprägtes Hell-Dunkel unterstrichen wird.

Heldengesten

Gekonnt vermittelte der Künstler die Tragik der Handlung durch die Gesten der Helden. Es ist unmöglich, der Geste von Nikodemus, der die Beine Jesu umarmt, keine Aufmerksamkeit zu schenken. Oder der heilige Johannes, der mit den Fingern die Wunde Christi berührt. Und hier ist Maria Magdalena, die Christus segnet und ihre Arme ausstreckt, um die ganze Gruppe zu umarmen. Es ist wichtig zu beachten: Bei der Arbeit von Caravaggio müssen Sie immer auf die Hände achten. Sie verbergen die Botschaft des Künstlers in den klimatischsten Momenten. Das mit Abstand wichtigste Handlungsdetail ist die leblose rechte Hand Christi. Von großer Bedeutung war die Richtung der Hände bei der „Bekehrung des hl. Paulus auf dem Weg nach Damaskus“(zum Himmel), bei der „Berufung des hl. Matthäus“(zu Levi). Im gleichen Werk berührt die fallende Hand des Menschensohnes den Stein. Und die Hand der trauernden Maria deutet zum Himmel (sie schreit um Gnade). In gewisser Weise war dies die Botschaft Christi: Gott kam auf die Erde und die Menschheit wurde mit dem Himmel versöhnt. Die erhobenen Hände von Mary Cleophe ähneln einer ähnlichen Zustimmungsgeste des hl. Paulus. Ihr Gesicht, das einzige nach dem Antlitz Christi, ist vollständig erleuchtet und blickt nach oben. Und ihre Augen scheinen nach einer göttlichen Antwort auf die aktuelle Situation zu suchen.

Komposition und Schattierungstechnik

Wenn die Komposition in der Hochrenaissance eine stabile Pyramidenform hat, sind es in der Barockkunst Diagonalen und manchmal sich kreuzende Diagonalen in Form des Buchstabens X. Die diagonale Komposition ist ein sehr häufiges Merkmal der Barockkunst. In Die Grablegung organisierte Caravaggio die Komposition so, dass es schien, als würde der Leib Christi direkt zum Betrachter herabgelassen. Eine der wichtigsten Aufgaben der Barockkunst ist es, den Betrachter anzuziehen. Der Künstler gibt dem Betrachter die Möglichkeit, sich im Epizentrum einer religiösen Handlung zu fühlen. Der Körper Christi sieht wirklich tot aus, die Figuren kämpfen darum, das Gewicht seines Körpers zu tragen und ihn sanft in das Grab zu versenken.

Ein weiteres Hauptmerkmal der Barockkunst ist die Zerstörung der Barriere zwischen dem Raum des Betrachters und dem Raum des Gemäldes, sodass sich der Betrachter oft als Komplize der Handlung fühlt. Barockmaler verwenden oft Verkürzungen. Auch hier befindet sich in "The Place in the Coffin" alles ganz nah am Betrachter. Das ist der Leib Christi – so nah, dass man ihn fühlen und sogar berühren kann. Und ganz nah am Betrachter ist der Vorsprung des Grabmals, der alle Grenzen aufhebt und in den Raum des Betrachters übergeht.

Einer der ikonischen Momente im Werk von Caravaggio ist die Dunkelheit. Der Meister demonstrierte die vollständige Beherrschung von Licht und Dunkelheit, indem er die Technik des Hell-Dunkels verwendete, um seinen Figuren Volumen zu verleihen, und des Tenebrismus, um seinen Bildern ein echtes Drama zu verleihen. Später wurde dieser Stil des "Caravaggismus" von einigen der großen alten Meister wie Rubens, Rembrandt und Vermeer kopiert. Caravaggio malte diese Szene, als ob sie in absoluter Dunkelheit mit den Lichtern in den Figuren stattfand. Kein Hintergrund – nur Dunkelheit. Der Eindruck ist sehr dramatisch. Keine Architektur, keine Landschaft, und so gelingt es dem Betrachter, sich auf die Charaktere selbst im Vordergrund des Bildes zu konzentrieren. In ihrer Lage ist die Gruppe kompakt und monumental, wie eine Skulptur. Eine leicht schräge Vertiefung nach links zeigt die Bewegungsrichtung an und verhindert, dass die Handlung statisch wird, ebenso wie die scharfe Kante der Steinverkleidung des Grabes, auf dem sie stehen. Diese Steinplatte verweist ikonographisch auf Christus als das Fundament der Kirche.

Die Grablegung ist Caravaggios monumentalstes und bewundernswertestes Altarbild, das für die Kirche Santa Maria in Vallichella in Rom gemalt wurde. 1601 erhielt der Künstler einen Auftrag von Alessandro Vittrice. Das Original befindet sich derzeit in der Sammlung der Vatikanischen Museen, eine Kopie hängt in der Kapelle della Pieta. Trotz seines wohlverdienten Ruhms als "böses Genie" war Caravaggio zweifellos der größte aller italienischen Barockkünstler des frühen 17. Jahrhunderts.