Wegen dem, was sie Michelangelos berühmtes Fresko "Das Jüngste Gericht" zerstören wollten

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Im 16. Jahrhundert gab es eine gewaltige Aufgabe: die Szene des Jüngsten Gerichts zu visualisieren, und zwar in der Sixtinischen Kapelle, der Kapelle des päpstlichen Hofes, die heute ein herausragendes Denkmal der Renaissance ist. Kein Künstler im Italien des 16. Jahrhunderts war für diese Aufgabe besser gerüstet als Michelangelo. Und er hat ein Meisterwerk geschaffen …

Entstehungsgeschichte

1533 arbeitete Michelangelo in Florenz an verschiedenen Projekten in San Lorenzo für Papst Clemens VII. Am 22. September dieses Jahres reiste der Künstler nach San Miniato, um seinen Vater zu treffen. Vielleicht äußerte der Papst damals den Wunsch, dass Michelangelo die Wand hinter dem Altar der Sixtinischen Kapelle zum Thema des Jüngsten Gerichts bemalen sollte. 1512 vollendete er sein monumentales Werk – und festigte damit seinen Ruf als größter Meister der Menschendarstellung.

Das Jüngste Gericht war eines der ersten Kunstwerke, die Paul III. nach seiner Wahl zum Papst im Jahr 1534 in Auftrag gab. Paul III. versuchte, die protestantische Reformation zu beseitigen und die Legitimität der katholischen Kirche und die Orthodoxie ihrer Lehren zu bekräftigen. Die bildende Kunst spielte eine Schlüsselrolle bei der Erreichung dieser Ziele, darunter eine Botschaft, die er an seinen Kreis schickte, in dem er das Bild des Jüngsten Gerichts in Auftrag gab. Die dekorative Darstellung der Handlung beginnt mit der Erschaffung der Welt durch Gott und seinem Bund mit den Menschen von Israel (dargestellt in den alttestamentlichen Szenen an der Decke und an der Südwand) und setzt sich mit dem irdischen Leben Christi (an der Nordwand) fort. Die Szene des Jüngsten Gerichts beendet die Geschichte. Im Zentrum zwischen den Szenen mit Christus und seiner Wiederkunft stehen der päpstliche Hof und Vertreter der Kirche. Das gesamte Fresko wird von einer menschlichen Figur dominiert, die fast immer völlig nackt ist. Die Körper werden mit großer Ausdruckskraft und Kraft präsentiert.

Die Hauptfiguren und Objekte des Wandbildes

Trotz der Dichte in der Anordnung der Figuren hat der Künstler die Komposition klar in Ebenen und Quadranten mit Untergruppen und signifikanten Figuren gegliedert, die helfen, komplexe Szenen wahrzunehmen. Michelangelo verwendete die Symbolik der Waage, die zum Wiegen von Seelen verwendet wurde - in ihrem Ebenbild steigt die Komposition links und fällt rechts.

1. Christus ist der Ankerpunkt dieser komplexen Komposition. Eine kräftige, muskulöse Gestalt tritt er mit einer gebeugten Geste vor. Der "Verdammte" ist links abgebildet. Rechts ist „gesegnet“. Unter seiner erhobenen Hand, wie unter zuverlässigem Schutz, befindet sich die Jungfrau Maria. 2. Direkt unter Christus ist eine Gruppe flügelloser Engel abgebildet. Sie rufen die Toten mit solcher Kraft auf, dass ihre Wangen vor Anstrengung anschwellen. Es scheint, dass Beobachter sogar Geräusche hören können. Zu dieser Zeit halten zwei andere Engel offene Bücher mit Aufzeichnungen über die Taten der Auferstandenen. Der Engel mit dem Buch der Verdammten kippt es entschieden nach unten, um den Verdammten zu zeigen, dass ihr trauriges Schicksal zu Recht auf ihren Missetaten beruht. 3. In der unteren linken Ecke der Komposition tauchen die Toten aus ihren Gräbern auf und legen ihre Bestattungskleidung ab. Einige steigen mühelos auf, angezogen von einer unsichtbaren Kraft, während andere von Engeln unterstützt werden. Dieses Detail bestätigt die von den Protestanten angefochtene Lehre: Gebet und gute Werke, nicht nur Glaube und göttliche Gnade, spielen im Jüngsten Gericht eine dominierende Rolle.

4. Auf der rechten Seite der Komposition (links von Christus) ziehen Dämonen die Verdammten in die Hölle und Engel besiegen im Kampf diejenigen, die versuchen, ihrem traurigen Schicksal zu entkommen. Eine der Figuren wird von einem Engel erschlagen und von einem Dämon gezogen: An seiner Brust hängt ein Geldsack. Seine Sünde ist klar - es ist Gier. Eine andere Figur - eine Art Sünde des Stolzes - wagt es, sich zu wehren, indem sie die göttliche Entscheidung in Frage stellt. 5. Charon - der Träger der Seelen der Toten - treibt die Verdammten an die Ufer der Hölle, und in der unteren rechten Ecke steht der ermordete Minos - der legendäre König der "Hauptstadt" des antiken Kreta - Knossos. Seine eigene fleischliche Sündhaftigkeit wird durch die Schlange angezeigt. Er steht am Rande der Hölle.

6. Die Symbolik des Selbstporträts von Michelangelo selbst auf dem Fresko ist sehr interessant. In der Mitte des Freskos ist der heilige Bartholomäus dargestellt, der eine aufgerissene menschliche Haut in den Händen hält. Es gibt eine Hypothese, dass Michelangelo den Moment des Jüngsten Gerichts darstellte, in dem Christus das Schicksal des Künstlers selbst bestimmt (in der Mitte Christi ist sein Blick genau auf das Bild Michelangelos gerichtet). In der christlichen Tradition wurde der heilige Bartholomäus sowohl zu Lebzeiten als auch nach seinem Tod mit den Wundern der Massenveränderung in Verbindung gebracht. Eine bekannte Legende über ihn sagt: Einst wurde seine Leiche ins Meer geworfen und an Land gespült. Dann befahl der Ortsbischof den Männern, die Leiche zu bringen. Aber es stellte sich als zu schwer heraus. Und dann befahl der Bischof den Kindern, den Leichnam zu bringen, der die Aufgabe leicht meisterte. Die Tatsache, dass sündlose Kinder ihren Körper heben konnten, symbolisiert, dass Sünden wirklich schwer sind. Nicht umsonst nannten Zeitgenossen Michelangelo "göttlich", weil er mit Gott selbst konkurrieren konnte, um einen idealen Körper zu formen. Trotz seines Ruhms betrauerte der Künstler oft seinen jugendlichen Stolz, der ihn dazu brachte, sich auf die Schönheit der Kunst zu konzentrieren, anstatt die Seele zu retten. Und hier, in seinem monumentalsten Werk, bekennt Michelangelo seine Sünde und drückt die Hoffnung aus, dass Christus sich seiner erbarmen und ihn ins Paradies führen wird. 7. Links: Johannes der Täufer, rechts: St. Peter. Michelangelos Fresko handelt in erster Linie vom Triumph Christi. Das Himmelreich beherrscht die dunklen Seiten. Die Auserwählten und Gläubigen umgeben Christus. Sie sind im Vordergrund großfigurig umrissen und reichen weit in die Tiefe des Gemäldes. Von besonderer Bedeutung sind die Bilder von Johannes dem Täufer und Petrus, die links und rechts Christus umgeben. Johannes ist an der Kamelhaut zu erkennen und St. Peter an den Schlüsseln, die er zu Christus zurückgibt. Seine Rolle als Hüter der Schlüssel zum Himmelreich ist abgeschlossen.

Gesellschaftsbewertung

Wie Dante in seinem großen Epos Die Göttliche Komödie strebte Michelangelo nach einem epischen Bild, das der Größe der Handlung würdig ist. Er benutzte Metaphern und Anspielungen, um die Kapellendecke zu schmücken. Gerüchte über die Entstehung eines Meisterwerks verbreiteten sich schnell überall und führten zu zahlreichen Debatten über die Vorzüge und Missbräuche religiöser Kunst. 1. Einige empfanden das Fresko positiv als den Höhepunkt künstlerischer Errungenschaften. Die meisten lobten dieses Werk als Meisterwerk. Sie sahen Michelangelos unverwechselbaren figurativen Stil mit seinen herausfordernden Posen, extremen Kamerawinkeln und kräftigen Muskeln. 2. Andere hielten es für die Verkörperung des Antireligiösen und forderten seine Zerstörung. Diese Seite war buchstäblich schockiert - hauptsächlich nackt (obwohl dies Teil der Handlung ist, denn die Auferstandenen werden nackt in den Himmel kommen, wie von Gott geschaffen). Kritiker wandten sich auch gegen verzerrte Körperhaltungen, Brüche mit der Bildtradition der Bibel (bartloser Christus, flügellose Engel) und das Aufkommen der Mythologie (Figuren von Charon und Minos). Alle Posaunenengel sind in derselben Gruppe, während sie im Buch der Offenbarung in die "vier Ecken der Erde" gesandt wurden. Christus sitzt nicht auf dem Thron, wie in der Heiligen Schrift angegeben. Solche von Michelangelo gemalten Draperien wurden vom Wind geblasen dargestellt. Aber nach den heiligen Schriften hat das Wetter am Tag des Gerichts keinen Platz. Kritiker sahen in diesen Details eine Ablenkung von der spirituellen Botschaft des Freskos. Michelangelo wurde vorgeworfen, in Bezug auf Nacktheit und andere Aspekte der Arbeit keinen angemessenen Anstand zu empfinden sowie eine künstlerische Wirkung zu erzielen, die der biblischen Beschreibung des Ereignisses nicht folgte. Es gab sogar eine Zensurkampagne (bekannt als "Feigenblatt-Kampagne"), um das "unanständige" Fresko zu zerstören. Der Zeremonialmeister des Papstes, Biagio da Cesena, sagte beim Anblick des Gemäldes: „Es ist eine Schande, dass an einem so heiligen Ort nackte Körper in einer so obszönen Form stehen“und dass dieses Fresko nicht für die Kapelle des Papstes ist, sondern „ für öffentliche Bäder und Tavernen."

Bei aller Empörung eines besonders konservativen Teils der Gesellschaft erlaubten der Ruf und der Status von Michelagelo dem Künstler, sein Meisterwerk unverändert zu lassen. Die Kontroverse dauerte viele Jahre, bis 1564. Am Ende wurde jedoch ein Kompromiss gefunden. Bald nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1564 wurde Daniele da Volterra in die Kapelle gerufen. Seine Aufgabe war klar - die obszönen Teile der Figuren mit Stoffstücken zu bedecken. Dies war wichtig, um das berühmte Fresko zu veredeln und jede Kontroverse um die Religiosität des Bildes zu beseitigen.

Michelangelos Jüngstes Gericht ist eine der monumentalsten und eindrucksvollsten Darstellungen dieser Handlung in der Geschichte der christlichen Kunst. Über 300 muskulöse Figuren in unendlich vielen dynamischen Posen füllen die Wand randvoll. Das Jüngste Gericht in der Sixtinischen Kapelle wird täglich von 25.000 Menschen besucht! Trotz der Veränderungen des Freskos nach dem Tod des Künstlers hat das Gemälde seine Aussagekraft nicht verloren.