Was jeder kultivierte Mensch über 5 ikonische Gemälde der Romantik des 19. Jahrhunderts wissen muss

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Nur wenige Perioden in der europäischen Geschichte haben so bedeutende soziale und kulturelle Veränderungen mit sich gebracht wie das einzige Jahr 1848 (später Frühling der Nationen genannt), das nationalistische Revolutionen auf dem ganzen Kontinent einleitete. Es war der Höhepunkt der Romantik, der die europäische Kunst und Politik des 19. Jahrhunderts prägte.

Durch die Auseinandersetzung mit einer imaginären Vergangenheit hob die Romantik ein zuvor ignoriertes Erbe hervor. Wenn der Klassizismus die raue Schönheit des Römischen Reiches und des antiken Griechenlands nachbilden und nachahmen wollte, dann ließ sich die Romantik von vergessenen europäischen Legenden und Volkstraditionen inspirieren. Durch romantische Gemälde entdeckten die Menschen ihre glorreiche Vergangenheit und sahen Einblicke in eine bessere Zukunft.

Die Idee von "Nation" ist relativ neu: Es ist ein romantischer Begriff, der von deutschen Philosophen im 19. Jahrhundert geprägt wurde, kein Erbe der Vergangenheit. Während sich die politische Romantik auf die nationale Emanzipation konzentrierte, spiegelte die Kunst des 19. Jahrhunderts dieselbe Idee in Musik, Literatur und Malerei wider. Von allen den Künstlern zur Verfügung stehenden Medien bot die Malerei das beste Medium, um sich mit so fließenden Begriffen wie Nationalgeist und Geschichte auseinanderzusetzen. In einer Zeit, in der viele Europäer Analphabeten waren und sich kaum für die nationale Vergangenheit interessierten, schlugen historische Gemälde Brücken zwischen Nationalismus und Gleichgültigkeit.

Die Kunst des 19. Jahrhunderts folgte langsam und stetig dem Weg der nationalen Emanzipation. Kleine Völker, die zwischen mächtigen Imperien eingeklemmt waren, waren für diese neuen Trends besonders anfällig. So haben romantische Gemälde die Geschichte durch eine idealisierte Darstellung politischer Träume ersetzt. Künstler stellten nationale Vorfahren in ihren Trachtenversionen dar, betonten ihren Heldenmut und achteten wenig auf Authentizität. Historische Gemälde (oft monumental) waren Versionen moderner Filmplakate des 19. Jahrhunderts: lebendig, reich, einnehmend und oft ähnlich. Die folgenden fünf Meisterwerke erzählen dieselbe Geschichte des europäischen romantischen Nationalismus von fünf verschiedenen Völkern, deren Ansichten über Geschichte und Zukunft nicht übereinstimmen. Ihre gemeinsamen romantischen Porträts schienen sich jedoch gut zu ergänzen.

1. Mihai Munkachi

Als Mihai Munkachi (1844-1900) starb, brachte nur sein Begräbnis halb Budapest auf die Straße. Ironischerweise starb der letzte ungarische Maler der Romantik um die Jahrhundertwende und hinterließ eine Reihe von Meisterwerken. Unter seinen vielen historischen Themen gewidmeten Werken sticht eines als das am meisten replizierte seiner romantischen Gemälde hervor - "Die Eroberung des Mutterlandes".

Mihais Berufung auf eine prägende Episode in der Geschichte des ungarischen Volkes ist kein Zufall. Was könnte für einen romantischen Künstler dramatischer und bedeutsamer sein als die Ankunft der Magyaren in Mitteleuropa zu Beginn des 10. Jahrhunderts? Nachdem sie sich im Tiefland des Karpatenbeckens niedergelassen hatten, machten die ungarischen Stämme angeblich einen Deal mit Svatopluk I. Indem sie den slawischen Herrscher täuschten, um ihrem Führer Arpad Land, Gras und Wasser zu geben, "kauften" die Ungarn das Land von den Slawen.

Anachronistisch ist das romantische Bild von Munkacsi mit am Waldrand versammelten Figuren gefüllt, deren Kleidung keine Ähnlichkeit mit der echten historischen Kleidung lokaler Slawen oder ungarischer Neuankömmlinge im 10. Jahrhundert hat. Ebenso ist Arpads majestätisches weißes Pferd der künstlerische Ausdruck seiner Energie, Stärke und Bedeutung. Historisch gesehen herrschten in Osteuropa zu dieser Zeit viel kleinere und stärkere Pferderassen vor. Mihais leuchtende Farben sowie seine Liebe zum Detail verleihen dem Gemälde einen modernen Geist. Frisuren und Kleidung spiegeln die romantische ungarische Mode wider, einschließlich des wunderschönen Schnurrbarts, den alle Männer um Arpad herum trugen. Während er ein Gemälde für das ungarische Parlamentsgebäude schuf, beendete Munkácsi 1893 seine Arbeit und fängt für immer eine Legende ein, die mehr über die Idee einer Nation als über die Vergangenheit erzählt.

2. Oton Ivekovic

In ihrem Bestreben, national prägende Momente darzustellen, entfernten sich ungarische romantische Künstler nicht weit von den Slawen, die Arpad angeblich betrogen hatte. Eine unheimlich ähnliche Handlung eroberte einen anderen romantischen Geist. Diesmal war der Künstler kein geringerer als der kroatische Folkloreliebhaber Oton Ivekovic (1869-1939).

Ausgebildet im akademischen Realismus, entwickelte er seine Fähigkeiten in Wien und Zagreb. Besessen von der slawischen Geschichte seiner Heimat, stellte sich Otho die Ankunft der Kroaten als seine eigene Reflexion zu diesem Thema vor. Er ignorierte jede der kroatischen „Migrationstheorien“und konzentrierte sich auf die nationale Repräsentation.

Als Ergebnis belebt sein romantisches Gemälde das verblassende Bild des kroatischen mittelalterlichen Königreichs und fängt die legendäre Ankunft von sieben Brüdern und Schwestern am Meer ein. Die Gewänder der Charaktere sowie die unnatürlich helle Szenerie erinnern nicht umsonst an Theaterkulissen. Schließlich war Otho ein Kostümbildner, dessen historische Gemälde oft als Postkarten an alle Bevölkerungsschichten verkauft wurden.

Im Gegensatz zu seinen anderen Kollegen setzte Ivekovic Allegorien sparsam ein, konzentrierte sich auf grobe Emotionen und vermittelte eine direkte Botschaft: Auf den zerklüfteten Felsen, die das blaue Band des Meeres überragten, machte die zukünftige kroatische Nation ihre ersten Schritte in Richtung Eigenstaatlichkeit - ein politischer Traum, der in der Bild. Noch heute nehmen die historischen Leinwände des Künstlers einen herausragenden Platz in Geschichtsbüchern und in der Populärkultur ein.

3. Frantisek Zhenisek

Im Jahr 1891 schuf Frantisek Zhenisek (1849-1916), ein tschechischer nationalistischer und romantischer Künstler, ein bedeutendes Werk, das halbmythischen Begegnungen und nationalen Legenden gewidmet ist. Wie viele seiner Romantiker wandte er sich seiner nationalen Geschichte zu, genauer gesagt seinem romantischen Blick auf die mysteriöse Vergangenheit des tschechischen Volkes.

Laut einer alten Legende war Libuše die jüngste Tochter eines mythischen Herrschers, der die böhmische Region beherrschte. Obwohl ihr Vater sie zu seiner Nachfolgerin wählte, sah sich Libuše dem Widerstand der Männer ihres Stammes gegenüber, die ihre Heirat forderten. Statt einen Adligen aus ihrem Stamm zu wählen, verliebte sie sich in den einfachen Bauern Přemysl.

Libuche besaß die einzigartige Gabe eines Sehers und befahl den Adligen, den Bauern, den sie in ihrer Vision sah, zu finden und ihn zum Palast zu bringen. Přemysl wurde der Führer und Gründer des böhmischen Königshauses, das das Land über Jahrhunderte regieren sollte. Libuše prophezeite die Gründung Prags, den Aufstieg der tschechischen Nation und das Leid, das sie am Ende erleiden würde.

Die Geschichte der Seherkönigin hat eine ganze Generation junger tschechischer Nationalisten in ihren Bann gezogen. Als Bedřich Smetana die Musik für die erste Nationaloper Libuše komponierte, folgten andere Künstler. Zhenishek wiederum wandte sich dieser Geschichte von Liebe, Prophezeiung und Nationalismus in seinem romantischen Gemälde Das Vermächtnis von Libuše und Pflüger Přemysl zu.

Eine christusähnliche Gestalt mit ausgestreckten Armen und bescheidenem Auftreten, der legendäre Gründer der ersten tschechischen Königsdynastie, trifft am Feldrand auf Libuše, die sich zum Pflüger beugt und um seine Hand bittet. Es war diese prägende Episode in der Geschichte der tschechischen Nation, die schließlich zur tschechischen nationalen Wiedergeburt führte.

4. Jan Matejko

Im Osten, in Polen, nahm der romantische Nationalismus eine tragische Wendung. Während sich andere Slawen auf glorreiche Ereignisse aus ihren Legenden konzentrierten, betrauerten viele polnische romantische Maler den Verlust ihres einst mächtigen Staates.

Von drei europäischen Mächten geteilt, wurde ein vereintes Polen zu einem Traum, der in vielen Meisterwerken der Kunst des 19. Jahrhunderts zum Ausdruck kam. Reit. Der Niedergang Polens “(Der Untergang Polens) Jan Matejko (1838-1893) erzählt diese Geschichte einer vergangenen Tragödie im Geheimnis des Bildes.

Das romantische Gemälde entstand 1866, als Jan erst 28 Jahre alt war, und zeigt den verzweifelten Protest von Tadeusz Reitan, einem Abgeordneten des Sejm (Unterhaus des Parlaments), der 1773 die erste Teilung Polens miterlebte. Anders als die prunkvoll gekleidete Menge zu seiner Linken liegt Tadeusz ausgestreckt auf dem Boden, sein Ellbogen ruht auf einem karmesinroten Vorhang und sein Hemd ist zerrissen, um seine Brust freizugeben. Darüber erhebt sich ein majestätisches Porträt, das die Kaiserin von Russland Katharina die Große darstellt.

Während Reitan den Weg versperrt und die anderen Mitglieder des Landtages daran hindert zu gehen, schauen sie ihn mit einer Mischung aus Angst, Schuld und Scham an. Die Tragödie dieser Szene wird durch die Erkenntnis verschlimmert, dass dies nur das erste von drei Kapiteln war, die Polen vor dem Ende des Ersten Weltkriegs von der Landkarte Europas löschten.

Yang malte echte historische Figuren, keine halbmythischen Helden der Legenden. Aber auch in diesem scheinbar historischen Bild ist nationalistische Romantik in den gesteigerten Emotionen der Figuren, in der dramatischen Pose von Tadeusz selbst und in der seltsam theatralischen Darstellung des Ereignisses präsent, das das tragische Schicksal Polens bestimmte. Von Zeitgenossen umstritten und kritisiert, weil sie nicht den Fall, sondern den Verkauf Polens darstellen, gilt Jan Matejkos Reitan heute als eines der berühmtesten polnischen Kunstwerke.

5. Gheorghe Tattarescu

Im Südosten Polens feierte eine andere Nation inmitten einer Wiederbelebung nationalistischer Kunst ihre Wiedergeburt. Rumänien wurde 1859 gegründet und feierte seine Unabhängigkeit von den Osmanen und seine nationale Vereinigung in der Kunst mit einem Werk, das einen lang erwarteten nationalen Aufbruch darstellt. Der rumänische Künstler, der zum Revolutionär wurde, drückte seine Hoffnungen für die Zukunft seines Staates in einem romantischen Gemälde mit dem Titel "11. Februar 1866 - Modernes Rumänien" aus.

Gheorghe Tattarescu (1818-1894), einer der vielseitigsten rumänischen Intellektuellen der Mitte des 19. Jahrhunderts, folgte dem Beispiel Jacques Louis Davids und seiner Darstellung der Französischen Revolution. Gheorghe, in Italien ausgebildet, in Moldawien aufgewachsen und von seinem Onkel zum Malen von Ikonen ausgebildet, ist ein einzigartiges Beispiel für einen romantischen Künstler aus dem postbyzantinisch-orthodoxen Kulturkreis. Durch die Kombination von Neoklassizismus und Romantik gelang es ihm, eine Botschaft hoffnungsvoller Wiederbelebung zu vermitteln.

Eine Frau, die Rumänien repräsentiert, hält eine neue Nationalflagge, die hinter ihr weht. Gebrochene Ketten baumeln von ihren Knöcheln und Handgelenken, als sie in den Himmel aufsteigt. Im Hintergrund geht die Sonne über kleinen Kirchen und felsigen Schluchten auf.

Das Gemälde sitzt zwischen den emotionalen Stürmen von Delacroix und der neoklassischen Ruhe von David. Es ist jedoch immer noch eine theatralische Aufführung eines nationalen Dramas, das einer Vision der Zukunft überlagert ist. Wie „Griechenland in den Ruinen von Missolonghi“von Delacroix ist dies eine weitere fiktive Geschichte über ein Volk, das aus der berüchtigten Asche auferstanden ist.

Doch Ende des 19. Jahrhunderts hatten historische Gemälde an Popularität verloren. Der Erste Weltkrieg, der Zusammenbruch europäischer Imperien und die Bildung neuer unabhängiger Staaten brachten andere künstlerische Richtungen in den Vordergrund. Romantische Bilder blieben jedoch im Gedächtnis der Menschen. Die Werke von Munkacci, Ivekovic, Jenisek, Matejko, Tattarescu und vielen anderen ähnlichen Künstlern des 19. Jahrhunderts prägen bis heute die kollektive Vorstellungskraft. Reproduktionen dieser Werke, die oft in Lehrbüchern zu finden sind, haben Generationen von Menschen zum Guten oder zum Schlechten geprägt.

Romantische Kunst konzentriert sich immer eher auf Visionen als auf Realität, auf Projekte statt auf akzeptierte Tatsachen. In einer Reihe romantischer Gemälde kann man die hohen Ansprüche der Nationalisten verfolgen, die oft voneinander und in den historischen Erzählungen des anderen abwichen.

Romantik ist Romantik, aber essen will man immer. Das denken zumindest die Künstler die gerne Essen darstellen, beim Anschauen, kann der Appetit ausspielen.