Was ist das Geheimnis der Landschaften berühmter Künstler, die den Betrachter mit "erhabener Energie" aufladen

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Erhabene Landschaftsbilder sind eines der beständigsten und ikonischsten Sujets der Kunstgeschichte: Von den verträumten Türmen der Renaissance über die brodelnde Romantik des 19. mit Freude, die sich in der vom Künstler geschaffenen Atmosphäre auflöst.

Der Begriff „Erhaben“wurde von dem Philosophen Edmund Burke 1757 in seiner Studie über die Ursprünge unserer Vorstellungen vom Erhabenen und Schönen definiert. Burke nannte das Erhabene auch nicht weniger als die stärkste Emotion, die der Geist erleben kann - es ist nicht verwunderlich, dass Künstler diesen Stil zu übernehmen versuchten, um die Schönheit des eingefangenen Moments zu vermitteln.

1. Pieter Bruegel der Ältere

Pieter Bruegel d. Ä. Das Gemälde "Flucht nach Ägypten", 1563, verkörpert die erhabene Landschaftsmalerei der nördlichen Renaissance und verbindet atemberaubende Landschaften mit religiöser Erzählung. Winzige Figuren von Maria und Josef laufen im Vordergrund an einer gefährlichen Klippe entlang und fliehen vor der Verfolgung in Bethlehem. Die Landschaft ist eng mit ihrer Geschichte verbunden, eingehüllt in Dunkelheit und die Gefahr des Unbekannten. Bruegel versuchte, die Bereiche der Unbeweglichkeit und Bewegung innerhalb dieses einheitlichen Bildes zu kontrastieren, indem er Felsen und Berge als stetige und unbewegliche Konstante im Vergleich zur ständig fließenden Bewegung von Wasser, Menschen und Vögeln malte. Dieses Gleichgewicht der Gegensätze zwischen Dunkelheit / Licht, Zerbrechlichkeit / Beständigkeit und Stille / Bewegung hat eine große Rolle in der Kunst gespielt, in der erhabene Landschaftsmalerei zu einem der beständigsten Bilder aller Zeiten geworden ist.

2. Philip Jacob Lutherburg

Der in Frankreich geborene britische Künstler Philip Jacob Lutherburg malte 1803 Lawinen in den Alpen, zu einer Zeit, als die malerischen, aber gefährlichen französischen Alpen ein immer beliebterer Inbegriff der erhabenen Landschaft waren. Neben der Malerei liebte Philip das Theater und war als Bühnenbildner im Mondschein tätig, dessen Rolle es ihm ermöglichte, durch helles Licht, Tiefe und Bewegung atemberaubende Dramatik in seine Leinwände zu bringen.

In seiner alpinen Malerei beginnen ferne französische Berge zu einer Lawine zu zerfallen, die erschreckend riesige Wolken aus Staub und Rauch auf die Bühne "spuckt" und den Himmel über ihnen verdunkelt. Ein weißer Lichtblitz in der Mitte macht auf winzige, verängstigte Gestalten von Menschen aufmerksam, die vor den herabfallenden Steinen buchstäblich erstarrten. Die Handlung dieses Bildes ist sowohl schön als auch schrecklich, so dass der Betrachter minutenlang bewegungslos dasteht und aufmerksam und fasziniert beobachtet, was passiert.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps, 1812, verkörpert die quälende Schönheit der Romantik mit monströsen, geschwungenen Gewitterwolken, die über den kleinen Leuten darunter schweben. Das Gemälde ist Hannibal Barca gewidmet, dem Kommandeur der karthagischen Armee von 200-100 v. Chr., und zeigt Hannibals Soldaten, die 218 v.

Hier wird der Sturm zu einer kraftvollen Metapher für den lebensbedrohlichen Kampf, denn schwarze, schwere Wolken bilden einen furchterregenden Wirbel, der winzige, hilflose Soldaten abstößt. In der Ferne ist die Sonne eine leuchtende Kugel aus bezauberndem Licht, ein Hoffnungsschimmer inmitten der Tragödie des Krieges. Aber abgesehen von narrativen Referenzen ist diese erhabene Turner-Landschaft letztlich ein Spiegelbild der schieren, zerstörerischen Grausamkeit der Natur, die die Menschen darunter herzlos zu verschlingen droht.

4. Caspar David Friedrich

Eines der ikonischsten und erhabensten Landschaftsgemälde aller Zeiten, Der Wanderer über dem Nebelmeer, 1817 des deutschen Künstlers Caspar David Friedrich, verkörpert den verträumten, idealistischen Geist der europäischen Romantik. Allein auf einem hohen, dunklen Felsen stehend betrachtet die männliche Figur seinen Platz im Universum, während Nebel über ferne Täler und Berge wirbelt. Friedrich macht die erhabene Landschaft hier zu einem unwirtlichen und unverständlichen Ort, der den Charme der wilden, ungezügelten Natur des 19. Jahrhunderts widerspiegelt.

Im Gegensatz zu anderen Künstlern der Epoche, die versuchten, kleine Figuren zu schaffen, um die Größe der Landschaft zu betonen, gibt Friedrich seiner Figur eine zentrale Rolle, lässt sie völlig anonym und lässt den Betrachter so weit wie möglich in die geheimnisvolle Nebellandschaft eintauchen.

5. Karl Eduard Biermann

Das Wetterhorn von Karl Eduard Biermann, 1830, verkörpert den erhabenen Landschaftsstil des deutschen Künstlers mit weitem, zerklüftetem Gelände, das von dramatischer Theaterbeleuchtung umgeben ist. Der felsige Vordergrund ist sorgfältig in satten, dunklen Grün- und Brauntönen gemalt und führt den Betrachter zu einem Streifen von Bäumen und Felsen, der in schwarzen Schatten verschwindet. Im Hintergrund wird die epische Bergkette von einem Sonnenstrahl erhellt und akzentuiert ihre eisigen Türme als mystischen und unerreichbaren Ort, während Wolken über ihnen schwärmen, als drohten sie in einen Sturm auszubrechen.

Wie viele romantische Maler betont Birman die Ehrfurcht, Überraschung und das erschreckende Ausmaß der Szene, indem er zwei winzige Figuren in den Vordergrund stellt, die es dem Betrachter ermöglichen, sich an der Stelle der Hauptfiguren vorzustellen, die versuchen, unebene Felsen und sumpfiges Gras zu erklimmen, während wie ein Wasserfall in den Lichtreflexen an ihnen vorbeirauscht.

6. Arnold Böcklin

Eines der auffallendsten Landschaftsgemälde, die jemals geschaffen wurden, The Isle of the Dead des deutschen Künstlers Arnold Böcklin, 1880, zeigt eine imaginäre Insel, die sich vor einem dunklen Himmel aus dem Meer erhebt. Das Gemälde wurde von einer Witwe in Auftrag gegeben, die das Gemälde "zum Träumen" bat. Auf ihre Bitte hin hat der Künstler seinem Werk Andeutungen von Tod und Trauer verliehen. Im Vordergrund fährt eine geisterhafte weiße Gestalt in einem kleinen Ruderboot neben einem sargähnlichen Objekt auf die Insel zu.

Der Ruderer wird mit der altgriechischen Figur Charon, dem Bootsmann, verglichen, der die Seelen der Toten über den Styx-Fluss zum Hades brachte. Reihen von bedrohlich dunklen Zypressen, die traditionell mit Friedhöfen in Verbindung gebracht werden, erstrecken sich entlang der Insel, und schroffe leuchtende Felsen dahinter blinken mit Grabtüren und -fenstern. Im Gegensatz zu vielen erhabenen Landschaften durchdringt eine unheimliche Stille die Szene und verleiht ihr diese tiefe, mysteriöse Atmosphäre. Böcklin selbst bezeichnete die Arbeit sogar als "so leise, dass man Angst hätte, wenn es an der Tür klopfte".

7. Edvard Munch

Edvard Munch schuf die Weiße Nacht 1901 in seiner späteren Karriere, zu einer Zeit, als er die Figuration zugunsten atmosphärischer Landschaften aufgab, aber die gleiche durchdringende Angst seiner frühen Kunst blieb. Dieses erhabene Landschaftsgemälde zeigt seine Heimat Norwegen mitten im Winter, während er durch bedrohlich dunkle Bäume auf einen zugefrorenen Fjord blickt. Der Fichtenwald bildet eine gezackte Kante, scharf wie ein Sägeblatt, eine Warnung vor gefährlichem Eis dahinter.

Die schwarzen Bäume im Vordergrund ähneln Gesichtern oder geisterhaften Kreaturen, sind aber im Schutz der Nacht kaum zu sehen. Die nächtliche Winterszene von Munch kombiniert strahlendes Mondlicht mit diesen Qualitäten der Gefahr und Bedrohung und fängt die erhabene Schönheit des norwegischen Winters ein. Edward dachte darüber nach, wie seine Landschaftsszenen Beobachtung mit einem inneren Verstand verbinden könnten, und schrieb:

8. Axeli Gallen-Kallela

Der Keitele-See von Akseli Gallen-Kallela, 1904, macht den berühmten finnischen See zu einem faszinierenden leuchtenden Spiegel, der von Zickzack-Windströmungen durchbrochen wird. Das Gemälde wurde zu einer Zeit gemalt, als in ganz Finnland ein wachsender Wunsch nach Unabhängigkeit bestand. Dieses erhabene Landschaftsgemälde feiert die großartige unberührte Tierwelt des Landes und ist zu einem starken Symbol des finnischen Nationalismus und Stolzes geworden. Obwohl es hier keine Spuren von menschlichem Leben gibt, waren die durch das Wasser sichtbaren natürlichen Verkehrsströme ein bekanntes Merkmal des Sees.

Diese Gassen waren historisch so bekannt, dass sie in der alten finnischen Kultur mit der mythologischen Figur Väinämöinen in Verbindung gebracht wurden, von der gesagt wurde, dass sie auf dem See Kräuselungen hinterlässt. Diese subtilen Darstellungen der Bewegung trugen für Gallen-Kallela eine große nationalistische Symbolik und feierten die mysteriöse und rätselhafte Schönheit der alten finnischen Kultur und ihre enge Verbundenheit mit dem Land. Er beschrieb sie so:

9. Thomas Moran

Der amerikanische Maler Moran, einer der Anführer der Hudson Schools und der Rocky Mountains, war von der gefährlich schönen unberührten Landschaft Colorados so fasziniert, dass er tief in die umliegende Landschaft und Atmosphäre eintauchte, wo vor ihm nur wenige es wagten, mehr als dreißig zu malen Szenen, die diese einzigartige, erhabene Landschaft darstellen.

Der Grand Canyon in Colorado fängt eine idealisierte und romantisierte Vision des Grand Canyon ein, bei der scharfe Felsen fallen und im Licht verschwinden, bevor sie am fernen Horizont verschwinden, während ein drohender Sturm über ihnen Tempo sammelt. Die Zuschauer waren von Morans Darstellungen der großen amerikanischen Wildnis so geblendet, dass ihm heute zugeschrieben wird, die Schaffung eines Nationalparksystems beeinflusst zu haben, das die Integrität der majestätischen Landschaft Amerikas bewahrte.

10. Peter Doig

Die Skijacke von 1994 des schottischen Künstlers Peter Doig ist eine Flut von Energie und Bewegung im Schnee. Basierend auf einem fotografischen Bild von Skischülern, die über einen japanischen Berg verstreut sind, verzerrt und degradiert Doig das Originalbild absichtlich, indem er es in der Mitte in zwei Teile schneidet und sie wieder zusammenfügt, um einen unheimlichen Rorschach-Spiegeleffekt zu erzeugen.

Doig ist bekannt dafür, fotografisches Material mit Bildzeichen zu mischen, wodurch zwei widersprüchliche Stile miteinander spielen können, wie in diesem Bild zu sehen ist, in dem sorgfältig bemalte Bäume von leicht geschichteten Streifen in Rosa, Weiß und Grün umgeben sind. Diese wässrigen Farbübergänge deuten auf die kalten, rutschigen Eigenschaften von Eis und Schnee hin, die das Bild durchdringen und ihm eine gefährliche Mehrdeutigkeit verleihen und die Angst vor kleinen Skifahrern erhöhen, die sich mit dem tückischen steilen Gelände um sie herum herumschlagen.

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