Woher hat sich das katalanische Genie des Surrealismus für seine unnachahmlichen Gemälde inspirieren lassen: Joan Miró

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Joan Miró wurde zu einem der einflussreichsten Avantgarde-Künstler des 20. Jahrhunderts in Europa. Er ließ sich von den surrealen und kubistischen Bewegungen inspirieren, die um die Jahrhundertwende in ganz Europa auftauchten, und entwickelte seinen eigenen unverwechselbaren Stil weiter und schuf ungewöhnliche und manchmal skurrile Stücke.

Joan Miró war ein einflussreicher Maler, Bildhauer, Keramiker und Kupferstecher des 20. Jahrhunderts, der 1893 in der katalanischen Region Spanien in der Nähe von Barcelona geboren wurde. Er begann als Kind zu malen und besuchte später die Handelsschule sowie die La Longja School of Fine Arts.

In seiner Jugend lernte er die reiche Folklore Kataloniens kennen, die später seine Bildsprache beeinflusste, in der er alle natürlichen Formen als Kreaturen sah, einschließlich Kieselsteine und Bäume. Bei einem Besuch im Museum von Katalonien in Barcelona lernte er auch die fertiggestellten Innenräume von Kirchen mit Fresken aus dem 9.-12. Jahrhundert kennen, mit ihrer relativ groben Ausführung und einfachen, flachen und karikierten Bildern.

All diese Elemente sind in der Arbeit des Künstlers zu sehen, ebenso wie die Verwendung von Maßstabsunterschieden, bei denen eine Form unverhältnismäßig größer ist als andere, eine Technik, die oft von Kindern verwendet wird, wenn sie die für sie wichtigsten Objekte zu den größten Objekten der Welt machen Bild.

Nach drei Jahren an der Handelsschule bekam Joan eine Stelle als Buchhalterin in einer Apotheke, die seine Eltern für ihn ausgesucht hatten. Dort überarbeitete er sich und wurde schwer krank, am Rande eines "Nervenzusammenbruchs", dem ein Typhusanfall folgte. Dann brachten ihn seine Eltern zu ihrer neuen Landfarm Montroig, die in einem abgelegenen katalanischen Dorf liegt. Sein Gesundheitszustand zwang seine Eltern, ihm zu erlauben, das zu tun, was er am meisten wollte - malen. Er besuchte die Gali-Akademie in Barcelona (eine freiheitsliebende Akademie, die von zeitgenössischen ausländischen Künstlern beeinflusst wurde, wo er sich auch für Literatur und Musik interessierte). Er lernte auch, nur mit Berührung zu malen, nicht mit dem Sehen.

Während der Dada-Zeit begann Ferrat, avantgardistische surrealistische Dichter wie Apollinaire und Pierre Reverdi zu lesen. Er lernte Josep Llorens y Artigas kennen, der sein lebenslanger Freund wurde und mit dem er in den folgenden Jahren an Töpferprojekten zusammenarbeiten sollte. Joan wurde auch vom Fauvismus (insbesondere Henri Matisse) und dem Kubismus beeinflusst, der in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts begann, wobei er zunächst Stillleben malte.

Von 1915 bis 1918 malte er Nacktheit, dann Porträts und Landschaften. Und dann begann er, Formen zu geometrisch zu machen und Farben unabhängig von ihrer Existenz in der Natur zu verwenden (wie die Fauves, die helle Farben verwendeten, die in der Natur nicht sichtbar sind). Er begann auch nach Zeichen und Symbolen zu suchen, die Menschen und Tiere in Spannung oder Bewegung darstellen. In seiner Jugend wurde er am meisten von Paul Cezanne, Manet, Claude Monet und Vincent Van Gogh beeinflusst. Die Galerie Dalmau in Barcelona war ein Treffpunkt für ausländische Besucher. Dort lernte Joan Francis Picabia, einen dadaistischen Maler, kennen.

Sein ganzes Leben lang wurde er von seinem katalanischen Erbe beeinflusst, wie zum Beispiel verzierter katalanischer Keramik und katalanischer Fresken, die in den 1920er Jahren restauriert und mit flachen volkstümlichen Mustern bemalt wurden. Im Laufe der Zeit begann er, sich dem Surrealismus zuzuwenden.

Miró hat seine Arbeiten in surrealen Ausstellungen gezeigt und wurde insbesondere von den surrealistischen Dichtern beeinflusst, die auf ihrem Versuch, das Unterbewusstsein zu durchdringen, Spiele wie Exquisite Corpse spielten, um Poesie zu komponieren. Exquisite Corpse (Konsequenzen) ist eine Technik, bei der ein Vokabular an eine Gruppe von Dichtern weitergegeben wird, von denen jeder zufällig ein Wort ausgewählt hat. Welche Wörter auch immer erschienen, sie reihen sich in einem Gedicht aneinander. So entstand der Ausdruck "Exquisite Corpse". Sie verwendeten auch die Techniken des mentalen Automatismus (zum Beispiel freie Assoziation) und "systematische Gefühlsstörung".

Als Ergebnis entwickelten Joan und andere Künstler einen Weg, diese Techniken auf ihre visuelle Umgebung zu übertragen, indem sie ihre Träume und visuellen freien Assoziationen nutzten. Zu dieser Zeit malte Ferrat etwa hundert Gemälde aus seinen Träumen und dies war seine surrealste Zeit. In Zusammenarbeit mit Dichtern illustrierte er auch surreale Poesie.

Nach ihrem Umzug nach Paris erfuhr Joans Kunst große Veränderungen: Er wechselte zu symbolischeren Formen (zum Beispiel Hieroglyphen), geometrischen Formen und allgemeinem Rhythmus. Zu seinen Formen gehörten Katzen, Schmetterlinge, Schaufensterpuppen und katalanische Bauern, und seine Bilder waren visuell bewegt.

Später begann er, Figuren zu malen, die der katalanischen Volkskunst entlehnt waren, und Gemälde auf der Grundlage von Postkarten einiger niederländischer Innenräume, die er in Holland sah, von Künstlern wie Jan Steen. Die Bilder, mit denen er arbeitete, strotzten vor Formen. Joan vereinfachte nach und nach die Formen und schnitt das Bild stark aus, indem sie geometrische Unterteilungen und Biegebewegungen in Kompositionen verwendete.

Dann beendete er die erste Phase seines Schaffens und begann seine Arbeit in den nächsten zehn Jahren, die für ihn finanzielle und künstlerische Kämpfe waren, zu hinterfragen und neu zu bewerten. Er begann mit Materialien zu experimentieren – er fertigte Papiercollagen und Collagen mit Bildern von alltäglichen Gegenständen wie Haushaltsgegenständen, Autos sowie echten Nägeln, Seilen usw vertraute Details und ein Techniker bei der Arbeit.

Durch die Verwendung von bedeutungslosen Objekten können sich Künstler auf die abstrakten Qualitäten der Objekte konzentrieren und nicht auf die damit verbundenen Bedeutungen oder Emotionen, was eine größere formale Freiheit ermöglicht. Diese neutralen Objekte ohne besonderen ästhetischen Wert oder Bedeutung lenken die Aufmerksamkeit vom Subjekt ab und lenken es auf die Form und den Inhalt des Bildes. Nach der Erstellung solcher Collagen übertrug Miro das Bild der Collage auf die Leinwand.

Obwohl Miro oft als abstrakter Künstler beschrieben wird, glaubte er selbst, dass dies nicht der Fall war – er hielt es sogar für eine Beleidigung, sein Werk abstrakt zu nennen, da er argumentierte, dass jede Form in seinen Bildern auf etwas in der Außenwelt basiert, einfach in seine charakteristischen biomorphen Formen und geschwungenen Linien vereinfacht.

Während des Spanischen Bürgerkriegs gab es viele Gräueltaten von Francos faschistischen Truppen, wie Picasso in seiner berühmten Guernica darstellt. Obwohl Miro kein politischer Künstler war, zeigen seine Formen zu dieser Zeit eine gewisse Brutalität, mit Verzerrungen und auffälligen Farben. Er schuf ein Fresko für den spanischen Pavillon der Pariser Ausstellung "The Reaper".

In den Jahren 40-41 begann er seine berühmte Serie von 22 Konstellationen, bestehend aus schwarzen Punkten, die Sterne auf weißem Hintergrund darstellen, mit Gouache und verdünntem Öl auf Papier. Während des Zweiten Weltkriegs hielt sich der Künstler in Spanien auf und seine Arbeit wurde von Nacht, Musik und Sternen beeinflusst. Seine Formen wurden noch abstrakter, und er verwendete in seinen Arbeiten eine Reihe von Techniken, zum Beispiel wenn sich die Linien kreuzten, gab es einen Spritzer der Hauptfarbe, wenn sich Rot und Schwarz überlagerten, erschien Gelb.

Einige Jahre später kehrte er zur Malerei zurück, fügte seinen Bildern nun kalligraphische Qualitäten hinzu und erlangte mit 44 durch seine Retrospektive im Museum of Modern Art in New York und seine Präsenz bei der International Surrealist Exhibition in Paris, organisiert von Marcel Duchamp und André Breton.

Nach den Ausstellungen wurde er eingeladen, ein Wandbild für ein Hotel in Cincinnati, Ohio, zu bestellen. Und dann hat er ein weiteres Wandbild für die Graduiertenschule in Harvard gemacht. Während der 40er Jahre malte er auch einige "Strichmännchen" und in den 50er Jahren enthielten seine Bilder Formen, die fast wie primitive Piktogramme waren. Er bemalte Keramik und schnitzte aus Ton kleine Figuren wie primitive Fruchtbarkeitsgöttinnen und einfache Vasen mit Vögeln und Köpfen. Sein Stil und seine Techniken änderten sich ständig und brachten neue und interessantere Striche und Richtungen in seine Arbeit.

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