Wie 7 große expressionistische Maler die Welt eroberten, deren Werke auf der ganzen Welt geschätzt werden: Munch, Kandinsky usw

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Das Werk expressionistischer Künstler ist ein so schwer zu lösendes Mysterium, und die von ihnen geschaffenen Bilder sind so facettenreich und widersprüchlich, dass beim Betrachten der Fantasie Raum bleibt. Die Betonung von Farben, gebrochenen Linien und zerrissenen Strichen ist nur ein kleiner Teil dessen, was den Betrachter von den ersten Sekunden an auf sich zieht und ihn in die exzentrische Welt der Kunst zieht, in der alles nicht so einfach ist, wie es auf den ersten Blick scheint, weil jedes Gemälde seine eigene Geschichte hat und jeder Künstler seinen eigenen unübertroffenen und wiedererkennbaren Stil hat, der seit Jahrhunderten zu einer Visitenkarte geworden ist …

1. Edvard Munch

Edvard Munch, der nie verheiratet war, nannte seine Bilder seine Kinder und hasste es, von ihnen getrennt zu werden. In den letzten 27 Jahren seines Lebens allein auf seinem Anwesen in der Nähe von Oslo lebend, immer mehr verehrt und isoliert, umgab er sich mit Arbeiten, die bis zu den Anfängen seiner langen Karriere zurückreichen. Nach seinem Tod im Jahr 1944 im Alter von achtzig Jahren fanden die Behörden im zweiten Stock seines Hauses hinter verschlossenen Türen eine Sammlung von mehr als tausend Gemälden, viereinhalbtausend Zeichnungen und fast fünfzehneinhalbtausend Drucken, sowie sowie Holzschnitte, Radierungen, Lithographien, lithographische Steine, Holzschnitte, Kupfertafeln und Fotografien. In der letzten Ironie seines schwierigen Lebens ist Munch heute jedoch als Schöpfer eines Bildes bekannt, das seine Gesamtleistung als Pionier und einflussreicher Künstler und Grafiker überschattet.

Sein Schrei ist eine Ikone der modernen Kunst, ein Gemälde, das eine asexuelle, knorrige Kreatur mit einem fötalen Gesicht, weit geöffnetem Mund und weit geöffneten Augen in einem Schrei des Entsetzens darstellt, eine Vision nachbildet, die ihn eines Abends in seiner Jugend beim Gehen gepackt hat mit zwei Freunden Auf dem Sonnenuntergang.

In Ackley begann er mit der Landschaftsmalerei, porträtierte die Landschaft und das Farmleben um ihn herum, zunächst in fröhlichen, dann in dunkleren Farben. Er kehrte auch zu seinen Lieblingsbildern zurück und schuf neue Versionen einiger der Gemälde.

In den letzten Jahren seines Lebens unterstützte der Künstler die überlebenden Familienmitglieder finanziell und kommunizierte mit ihnen per Post, um sie nicht zu besuchen. Er verbrachte die meiste Zeit allein und beschrieb das Leiden und die Demütigung seiner fortgeschrittenen Jahre. Als er während der Großen Pandemie von einer fast tödlichen Grippe heimgesucht wurde, hielt er seine magere, bärtige Figur in einer Reihe von Selbstporträts fest, sobald er einen Pinsel in die Hand nehmen konnte.

Außerdem malte er eine Reihe von Selbstporträts, auf einem davon mit dem Titel "Zwischen Uhr und Bett" aus den Jahren 1940-1942, kurz vor seinem Tod sieht der Betrachter, was aus einem Mann wurde, der, wie er schrieb, Sie fiel hinter "Tanz des Lebens" zurück.

Eingefroren und körperlich unbeholfen steht er eingeklemmt zwischen der Uhr seines Großvaters und dem Bett, als entschuldige er sich dafür, dass er so viel Platz wegnimmt. An der Wand hinter ihm waren seine "Kinder", eines über dem anderen. Als hingebungsvoller Elternteil opferte er alles für sie …

2. Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, einer der Pioniere der abstrakten zeitgenössischen Kunst, nutzte die evokative Beziehung zwischen Farbe und Form, um ein ästhetisches Erlebnis zu schaffen, das den Blick, den Klang und die Emotionen des Publikums einbezog. Er glaubte, dass vollständige Abstraktion einen tiefen, transzendentalen Ausdruck ermöglicht und dass das Kopieren aus der Natur diesen Prozess nur stört.

Hoch inspiriert von der Schaffung von Kunst, die ein universelles Gefühl von Spiritualität vermitteln sollte, führte er eine neue Bildsprache ein, die nur lose mit der Außenwelt verbunden war, aber viel über die innere Erfahrung des Künstlers ausdrückte. Sein visuelles Vokabular entwickelte sich in drei Phasen, von frühen, gegenständlichen Leinwänden und ihrer göttlichen Symbolik über seine enthusiastischen und opernhaften Kompositionen bis hin zu seinen späteren geometrischen und biomorphen flächigen Farbdarstellungen. Vasilys Kunst und Ideen haben Generationen von Künstlern inspiriert, von seinen Studenten am Bauhaus bis zu den abstrakten Expressionisten nach dem Zweiten Weltkrieg.

3. Egon Schiele

Egon Schiele war mit seinem charakteristischen grafischen Stil, der sich auf figurative Verzerrungen und kühne Missachtung konventioneller Schönheitsnormen einstellte, eine der führenden Figuren des österreichischen Expressionismus.

Seine Porträts und Selbstporträts, brennende Studien der Psyche und der Intimität seiner Dargestellten gehören zu den markantesten und einprägsamsten Werken des 20. Jahrhunderts. Der in seiner kurzen Karriere auffallend produktive Künstler ist nicht nur für sein psychologisch und erotisch reiches Werk berühmt, sondern auch für seine faszinierende Biografie: Sein ausschweifender Lebensstil ist geprägt von Skandalen, Berühmtheit und einem tragisch frühen Tod an der Grippe im Alter von achtundzwanzig, drei Tage später, nach dem Tod seiner schwangeren Frau, und zu einer Zeit, als er kurz vor einem kommerziellen Erfolg stand, der ihm für die meiste Zeit seiner Karriere entging.

Egon war eine Schlüsselfigur in der Entwicklung des Expressionismus in der Malerei. Er hat eine phänomenale Anzahl von Selbstporträts geschrieben und über dreitausend Zeichnungen fertiggestellt. Seine Arbeit hat neben der offenen Erforschung des menschlichen Körpers oft einen intensiven emotionalen Inhalt. Er arbeitete mit Gustav Klimt und Oskar Kokoschka zusammen, anderen bedeutenden österreichischen Künstlern dieser Zeit.

Egons kurze, aber fruchtbare künstlerische Laufbahn, der explizite erotische Gehalt seiner Arbeit und der Vorwurf der intimen Belästigung machten ihn zum Gegenstand zahlreicher Filme, Essays und Tanzaufführungen, und das Leopold Museum in Wien besitzt die größte Sammlung von Schieles Werken: mehr als zweihundert Exponate.

4. Marc Chagall

Chagalls Werke sind von seinem jüdischen Erbe durchdrungen, oft mit Erinnerungen an seine Heimat in Witebsk, Weißrussland, und seine Volkskultur. In der Regel ist der Künstler immer wieder auf diese Themen zurückgekehrt. Einige argumentieren, dass sein Malstil nach dem Krieg zurückhaltender, melancholischer war, sogar in die Zeit des Post-Impressionismus zurückkehrte, aber wie immer war seine Arbeit völlig einzigartig, in seinem eigenen unnachahmlichen Stil. Mark hat im Laufe seiner Karriere Elemente vieler Schulen moderner Kunst kombiniert, darunter Kubismus, Fauvismus, Symbolismus, Surrealismus, Orphismus und Futurismus. Seine Arbeit offenbarte jedoch tiefere Ebenen der resonanten, lyrischen emotionalen Ästhetik, Musik und Kultur, ein tiefes, inneres Verständnis des jüdischen Erbes.

1985 starb Chagall und wurde in Frankreich beigesetzt. Zum Zeitpunkt seines Todes hinterließ er eine Reihe seiner umfangreichen Sammlungen in verschiedenen Bereichen und Kunstrichtungen. Marks Arbeiten zeugen von einem meisterhaften Farbverständnis und einer tiefen emotionalen Resonanz, was vielleicht der Grund dafür ist, dass seine Arbeiten auch heute noch so beliebt sind.

Sein Beitrag zur Welt der Kunst des 20. Jahrhunderts ist einer, den nur wenige Künstler von sich behaupten können.

5. Paul Klee

Paul war ehrgeizig und idealistisch, behielt sich aber zurückhaltend und ruhig. Er glaubte eher an die allmähliche organische Entwicklung von Ereignissen als an das Erzwingen von Veränderungen, und seine systematische Arbeitsweise spiegelte diese methodische Herangehensweise an das Leben wider.

Er war hauptsächlich Zeichner (übrigens Linkshänder). Seine manchmal sehr kindlichen Zeichnungen waren sehr präzise und kontrolliert.

Klee war ein scharfer Beobachter der Natur und der Naturelemente, was für ihn eine unerschöpfliche Inspirationsquelle war. Er zwang seine Schüler oft, Äste, das menschliche Kreislaufsystem und Aquarien mit Fischen zu beobachten und zu zeichnen, um ihre Bewegungen zu studieren.

Erst 1914, als Paul nach Tunesien ging, begann er, Farbe zu verstehen und zu erforschen. Darüber hinaus ließ er sich bei seinen Farbstudien von seiner Freundschaft zu Kandinsky und den Werken des französischen Künstlers Robert Delaunay inspirieren. Paul lernte von Delone, was Farbe sein kann, wenn sie rein abstrakt verwendet wird, unabhängig von ihrer beschreibenden Rolle.

Der Künstler wurde auch von seinen Vorgängern wie Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc und anderen Mitgliedern der Blue Rider-Gruppe beeinflusst, die glaubten, dass Kunst das Spirituelle und Metaphysische ausdrücken sollte und nicht nur das, was man sieht und greifbar.

Zeit seines Lebens hatte die Musik einen großen Einfluss, der sich im visuellen Rhythmus seiner Bilder und in den Stakkato-Tönen seiner Farbakzente manifestierte. Er hat ein Bild geschaffen, das der Art und Weise, wie ein Musiker ein Musikstück spielt, sehr ähnlich ist, als würde er Musik sichtbar oder bildende Kunst hörbar machen.

Klees künstlerisches Vermächtnis war immens, auch wenn viele seiner Nachfolger sein Werk nicht offen als offensichtliche Quelle oder Einfluss anführten. Schon zu Pauls Lebzeiten entdeckten die Surrealisten, dass sein scheinbar zufälliges Nebeneinander von Text, abstrakten Zeichen und reduzierenden Symbolen darauf hindeutet, wie der Geist im Schlafzustand unterschiedliche Alltagsgegenstände rekombiniert und so ein neues Verständnis dafür vermittelt, wie das Unbewusste Macht sogar über die Realität hat des Aufwachens…

Das Ansehen des Künstlers wuchs in den 1950er Jahren erheblich, als beispielsweise Abstrakte Expressionisten seine Arbeiten in Ausstellungen in New York sehen konnten. Pauls Verwendung von Zeichen und Symbolen war für Künstler der New York School von besonderem Interesse, insbesondere für diejenigen, die sich für Mythologie, das Unbewusste und Primitivismus (sowie für die Kunst der Selbsterziehung und die Kunst der Kinder) interessieren. Klees Verwendung von Farbe als Ausdrucksmittel menschlicher Emotionen an sich zog auch Künstler mit einer Vorliebe für eine reiche Farbpalette wie Jules (Jules) Olitzky und Helen (Helene) Frankenthaler an.

6. Franz Marc

Als führende Persönlichkeit des deutschen Expressionismus trug Mark dazu bei, das Wesen der Kunst neu zu definieren. Die expressionistische Bewegung war für ihr Interesse an Spiritualität und Primitivismus sowie für ihre Abstraktion bekannt. Franz ließ seine Liebe zur Theologie und zu Tieren in seine Arbeit einfließen, um eine alternative, spirituellere Sicht der Welt zu schaffen. Er porträtierte die Welt mit den Augen von Tieren, mit denen er Aspekte der Moderne hervorhob, die er ungünstig betrachtete. Aber auch seine späteren Arbeiten bewegten sich über die gegenständlichen Formen hinaus in die reine Abstraktion und ebneten den Weg für die nächste Künstlergeneration.

Obwohl seine Karriere kurz war, haben seine ausdrucksstarken linearen Formen und der symbolische Einsatz von Farben die Welten der Abstraktion und des Expressionismus nachhaltig beeinflusst. Künstler wie Jackson Pollock und Willem de Kooning können jedoch als seine Nachkommen bezeichnet werden. Diese Künstler wurden von Marks Fähigkeit inspiriert, mit seinem Interesse am Spirituellen und Primitiven sowie seiner Verwendung lebendiger Farben Gefühle zu wecken. Abstrakte Expressionisten stützten sich auf Franzs Beiträge, um Gemälde zu schaffen, die minimalere, verallgemeinerte Formen betonten und sich hauptsächlich auf linearen Ausdruck und Farbe konzentrierten.

Diese neuen Herangehensweisen an den Expressionismus versuchten, die persönlichen Kämpfe der Künstler mit den Veränderungen nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs hervorzuheben. Spätere Generationen von Expressionisten, wie die Farbfeldmaler, die den Expressionismus zu seinem minimalistischsten und simpelsten Zustand brachten, können als Nachkommen von Mark und seinen Zeitgenossen angesehen werden. Tatsächlich hat Franz Marc als einer der Begründer des deutschen Expressionismus maßgeblich dazu beigetragen, die Moderne im 20. Jahrhundert und darüber hinaus zu definieren.

7. Van Gogh

Anschauliche Beispiele für Van Goghs weitreichenden Einfluss finden sich in der gesamten Kunstgeschichte. Die Fauves und deutschen Expressionisten arbeiteten unmittelbar nach Van Gogh und übernahmen seinen subjektiven und spirituell inspirierten Gebrauch von Farbe. Abstrakte Expressionisten der Mitte des 20. Jahrhunderts nutzten Van Goghs schwungvolle, ausdrucksstarke Pinselstriche, um den psychologischen und emotionalen Zustand des Künstlers zu zeigen. Selbst Neo-Expressionisten der 1980er Jahre wie Julian Schnabel und Eric Fischl verdanken Van Goghs ausdrucksstarker Palette und Pinsel.

In der Populärkultur hat sein Leben Musik und zahlreiche Filme inspiriert, darunter Vincent Minnellis Lust for Life (1956), die die brisante Beziehung zwischen Van Gogh und Gauguin untersucht. Während seines Lebens schuf Van Gogh neunhundert Gemälde und fertigte eintausendhundert Zeichnungen und Skizzen an, aber während seiner Karriere verkaufte er nur ein Gemälde. Der Künstler hatte keine eigenen Kinder, und die meisten seiner Werke gingen an seinen Bruder Theo.

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