Wie die berühmtesten Gemälde der Welt entstanden: Faszinierende Geschichten über die Gemälde großer Künstler

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Grigory Landau, Journalist und Philosoph, sagte einmal: "Kunst ist ein Dialog, in dem der Gesprächspartner schweigt." Malerei ist eine subtile Kunst, allegorisch, emotional und gibt Interpretationsfreiheit. Dies ist eine ganze Welt ungelöster Geheimnisse und ungelöster Mysterien. Versuchen wir, den Schleier der Geheimhaltung über die Entstehungsgeschichte der berühmtesten Gemälde großer Künstler zu öffnen.

#1. Der heilige Georg und der Drache, Paolo Uccello, 1470

Tatsächlich hat der Künstler zwei Versionen dieses Gemäldes. In dieser Version besiegt George den Drachen, den die Schöne Dame an der Leine hält. Das Gemälde hat eine tiefe religiöse Bedeutung. Der Legende nach ließ sich ein Drache im See einer Stadt in Libyen nieder. Der heidnische Kaiser befahl, ihm schöne Mädchen zu opfern. Als es in der Stadt keine jungen Frauen mehr gab, schickte der Kaiser seine eigene Tochter zum Drachen. Der tapfere Krieger George ging, um sie zu retten und besiegte den Drachen. Die Prinzessin symbolisiert hier die verfolgte christliche Kirche, den Drachen - das Heidentum und George - den christlichen Glauben. Es gibt Versionen, in denen George, der später als Heiliger anerkannt wurde, nicht nur das Heidentum, sondern auch den Teufel selbst, die "alte Schlange", mit Füßen tritt.

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" ist ein Selbstporträt des Künstlers. So verrät er die Bedeutung seiner Arbeit: „Farbe ist überall. Ich glaube, dass Farbe Leben ist. Unser Kopf muss sich in einer Spirale drehen, um zu verstehen, dass alles, was uns umgibt, nichts anderes als Farben ist. Farbe ist das Universum, das Universum ist Leben, Malerei ist Leben."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Experten glauben, dass dieses Bild und eine Reihe ähnlicher im Werk von Jerome "weißen" Snobismus symbolisieren. Dies lässt sich an der Dynamik der auf der Leinwand abgebildeten Figuren ablesen. Die weiße Frau ist das dominierende Subjekt, während die schwarze Frau unterwürfig ist.

#4. Garten der irdischen Freuden, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch ist einer der geheimnisvollsten Künstler der Welt. Die Symbolik seiner Bilder ist so verworren, dass es einfach unmöglich ist, eine einzige Erklärung für die Vielzahl der darauf abgebildeten Symbole zu finden. Dieses besondere Werk hat seinen Namen von den Kunstkritikern, die es studiert haben. Der ursprüngliche Name blieb unbekannt. Historiker glauben, dass die linke Tafel des Triptychons der Himmel ist, die mittlere das moderne sündige menschliche Leben und die rechte Tafel die Hölle darstellt. Aber das Bild wirft viel mehr Fragen auf, als es beantwortet.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Diese Arbeit ist keineswegs eine Karikatur des Lasters des schmutzigen Glücksspiels. Es ist eher eine ruhige Erzählung, deren sich Caravaggio wohl bewusst war. Schließlich führte der Künstler selbst sein Leben sehr leichtfertig und sogar gewalttätig. Die Handlung läuft darauf hinaus, ein sich entfaltendes Drama zu beschreiben – ein Drama der Täuschung und der verlorenen Unschuld. Die naive Jugend wurde von erfahrenen Scharfschützen in Umlauf gebracht. Der Älteste schaut auf seine Karten und gibt einem anderen Betrüger Zeichen.

# 6. Watson und der Hai, John Singleton Copley, 1778

Das Bild zeigt einen Fall aus dem wirklichen Leben. Im Jahr 1749 beschloss Brooke Watson, ein 14-jähriger Schiffsjunge, in Havanna, ein Bad zu nehmen. Ein Hai hat ihn angegriffen. Der Kapitän des Schiffes, auf dem der Junge gedient hat, versucht ihn zu retten, indem er den Hai mit einer Harpune tötet. Erst im dritten Anlauf gelang dem Kapitän. Watson verlor in diesem ungleichen Kampf seinen Fuß. Sein ganzes Leben lang ging er dann mit einem Holzbein. Dies hinderte ihn nicht daran, Bürgermeister von London zu werden. Gleichzeitig lernte er den Künstler kennen und erzählte ihm diese Geschichte. Das war die Inspiration für John Copley.

# 7. Komposition VIII von Wassily Kandinsky, 1923

Von Kindheit an war Kandinsky von Farbe fasziniert. Der Künstler glaubte, dass er transzendentale Eigenschaften hatte. Kandinsky schrieb seine Kompositionen als Komponist einer Sinfonie. Jede Komposition spiegelte die Vision des Künstlers in ihrer eigenen Zeit wider. Kandinsky verwendete in seinen Werken geometrische Formen, weil er an ihre mystischen Eigenschaften glaubte. Die Farben der Figuren spiegelten Emotionen wider.

#acht. Saturn verschlingt einen Sohn, Francisco Goya, 1823

Im Alter wurde Goya taub und sein allgemeiner Gesundheitszustand, sowohl physisch als auch psychisch, verschlechterte sich. Damit verbinden Historiker seine Schriften mit einer Serie von 14, wie sie "Gloomy Pictures" genannt wurden. Die er innen an die Wände seines Hauses malte. "Saturn verschlingt einen Sohn" ist einer von ihnen. Dies ist ein bekannter altgriechischer Mythos über den Titanen Kronos (später benannten ihn die Römer in Saturn um). Cronus wurde gesagt, dass er von seinem eigenen Sohn gestürzt werden würde. Und Saturn aß alle seine neugeborenen Kinder. In Goya wird Saturn als schrecklicher, halbverrückter alter Mann dargestellt, der kein Baby, sondern ein erwachsenes Kind isst. Es gibt viele Interpretationen der Bedeutung dieser Leinwand. Aber das Wichtigste ist, dass der Künstler es nicht für die Öffentlichkeit geschrieben hat. Vielleicht versuchte Goya auf diese Weise, seine eigenen Dämonen auszutreiben.

#neun. Der Hirsch bei Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Der Künstler stellte eine alltägliche Szene aus dem New Yorker Alltag des frühen 20. Jahrhunderts dar. Ein privater Kampfclub, wie er normalerweise in Armenvierteln angesiedelt war. Außenstehende, die nicht Mitglied des Vereins waren, wurden dort „Hirsche“genannt. Sie erhielten eine vorübergehende Mitgliedschaft, um zu kämpfen. Balg hat das Bild so gemalt, dass man beim Betrachten den Eindruck bekommt, man gehört zu den Zuschauern der Schlacht.

#zehn. Ein Freund in Not, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"Ein Freund in Not" ist der beliebteste Film der Dogs Playing Poker-Reihe von Cassius Marcellus Coolidge. Diese Serie wurde von Coolidge by Brown & Bigelow in Auftrag gegeben, um für Zigarren zu werben. Obwohl Coolidges Gemälde von Kritikern nie als wahre Kunst angesehen wurden, sind sie seitdem zu Ikonen geworden.

#elf. Die Kartoffelesser, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh wollte die Bauern so darstellen, wie sie wirklich sind. Er wollte einen ganz anderen Lebensstil zeigen, anders als die Oberschicht. Später schrieb er an seine Schwester und erklärte, dass The Potato Eaters sein erfolgreichstes Gemälde sei.

#12. Das Floß der Medusa, Theodore Gericault, 1819

Die Leinwand "Floß der Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") zeigt die Folgen des Zusammenbruchs der französischen Marinefregatte "Medusa". Ein Teil der Leute passte in die Boote, für die restlichen 147 Leute wurde hastig ein Floß gebaut. Die Boote schleppten das Floß. Aber der Kapitän bemerkte, dass das Floß zu schwer war, und befahl, die Seile abzuschneiden. Fast eineinhalbhundert Menschen waren ohne Nahrung und Wasser auf sich allein gestellt. 13 Tage ihrer Floßfahrt mit gespenstischer Hoffnung auf Rettung überlebten von 147 Menschen 15. Wahnsinnig vor Hunger und Durst aßen sich die Menschen und tranken Blut. Frankreich wollte diese beschämende Geschichte vertuschen, aber es war zu krass und es gelang nicht.

#13. Lastkahntransporter an der Wolga, Ilya Repin, 1873

Dieses Werk ist das bekannteste von Ilya Repin. Das Bild ist Kult geworden. Die Arbeit, die der Künstler ausführte, war ernst. Repin traf alle auf dem Gemälde abgebildeten Lastkähne persönlich. Der Künstler schrieb Hunderte von Skizzen und verbrachte 5 Jahre mit dieser Arbeit. Sowohl Historiker als auch Zeitgenossen betrachten das Gemälde als direkte Verurteilung der harten Arbeit der unterdrückten Klassen. Allerdings bestritt Repin diese Meinung immer.

#vierzehn. Susanna und die Älteren, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna und die Ältesten ist eine biblische Geschichte aus dem Alten Testament. Während der Herrschaft von Kaiser Nebukadnezar geriet das jüdische Volk in die Sklaverei der Babylonier. Darunter Susanna mit ihrem Mann Joachim. Die Frau besaß eine überirdische Schönheit und wurde von zwei Ältesten begehrt. Sie drohten ihr, wenn Susanna nicht nett zu ihnen wäre, würden sie den Leuten erzählen, dass sie eine Ehebrecherin sei. Die Frau weigerte sich, und die Ältesten folgten ihren Drohungen. Sie wurde nach jüdischem Recht zum Tode verurteilt. Doch dann griff der junge Prophet Daniel ein. Er kam auf die Idee, die Männer zunächst getrennt und dann gemeinsam zu verhören. Ihre Versionen stimmten nicht überein, die Verleumdung wurde aufgedeckt. Susanna wurde freigesprochen und die Ältesten wurden hingerichtet. Bemerkenswert ist, dass die Künstlerin erst 17 Jahre alt war, als sie dieses Bild malte. Für Artemisia selbst wurde sie prophetisch, denn später passierte ihr eine ähnliche Geschichte.

#fünfzehn. Gross Clinic, Thomas Eakins, 1875

Die Handlung dieses Bildes basiert auf einer Operation, die von Eakins beobachtet wurde. Es wurde von einem der besten Chirurgen Amerikas, Dr. Samuel Gross, durchgeführt. Die Operation wurde zu Unterrichtszwecken im Klassenzimmer vor den Augen der Schüler durchgeführt. Der Arzt zeigte, wie die Infektion mit einer konservativen Operation zu behandeln ist, anstatt die gesamte Extremität amputieren zu lassen (was damals Standard war). Die Leinwand zeigt die Realität ohne Ausschmückung: sowohl die ruhige Professionalität von Gross als auch das Leiden der Frau in der unteren linken Ecke. Forscher glauben, dass die Mutter des Patienten. Kritiker und Zuschauer bewerteten das Werk zum Entsetzen von Eakins äußerst negativ. Menschen, die ruhig über die Verschwörungen blutiger Schlachten nachdachten, waren nicht bereit, über den Realismus einer medizinischen Operation nachzudenken.

# 16. Der Wanderer über dem Nebelmeer, Caspar David Friedrich, 1818

„Der Wanderer über dem Nebelmeer“ist eine Leinwand, auf der der Künstler seinem romantischen Stil treu geblieben ist. Auf dem Bild stellte sich Friedrich mit dem Rücken zum Betrachter alleinstehend auf einem dunklen steilen Felsen dar. "Der Wanderer über dem Nebelmeer" ist eine Metapher. Es geht um Selbstreflexion, um eine unbekannte Zukunft. Friedrich sagte über dieses Werk so: "Ein Künstler muss nicht nur zeichnen, was er vor sich hat, sondern auch das, was er in sich sieht." # 17. Die Erntemaschinen, Jean-Francois Millet, 1857

Das Gemälde Des glaneuses zeigt drei Bäuerinnen, die die Ährchen sammeln, die nach der Ernte eines Feldes übrig bleiben. Die harte, bescheidene Arbeit der Bauern rief Sympathien des Künstlers hervor. Es waren diese Emotionen, die in dem Bild zum Ausdruck kamen. Aber in der Gesellschaft zog die Arbeit negative Kritik aus der Oberschicht auf sich. Frankreich erlebte kürzlich eine Revolution, und der Adel fand dieses Bild eine unangenehme Erinnerung daran, dass die französische Gesellschaft auf der Arbeit der unteren Klassen aufgebaut ist. Und da zu dieser Zeit die Arbeiterklasse der Oberschicht zahlenmäßig überlegen war, befürchteten sie, dass das Bild die Unterschicht irgendwie zur Revolte treiben könnte.

#achtzehn. Der Schrei, Edvard Munch, 1893

Der Schrei ist eines der geheimnisvollsten Meisterwerke der Weltmalerei. Munch sagte, er sei einmal bei Sonnenuntergang spazieren gegangen. Das Licht der untergehenden Sonne färbte die Wolken blutrot. Und Munch hörte, fühlte plötzlich, wie er sagte, »den endlosen Schrei der Natur«. Eine andere Erklärung könnte der emotionale Zustand von Munch sein, da seine Schwester kürzlich in eine Irrenanstalt eingewiesen wurde. Dieses Gemälde wurde viele Male entführt. Die Handlung kann als prophetisch bezeichnet werden: Munch beschrieb Ende des 19. Jahrhunderts die Katastrophen des 20. Jahrhunderts.

#19. Die Große Welle vor Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Die Komposition besteht aus drei Hauptelementen: einem stürmischen Meer, drei Booten und einem Berg. Der schneebedeckte Berg ist der Fuji, den die Japaner als heilig betrachten. Es ist ein Symbol der nationalen Identität und Schönheit. Solche Spiele mit Raum und leuchtenden Farben, ungewöhnlich für asiatische Malerei. Das Bild symbolisiert die Angst eines Menschen vor einem unbezähmbaren Element und eine erzwungene Unterwerfung unter dieses.

#zwanzig. Die Sternennacht, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" ist ein Meisterwerk, das man, wenn man es nur einmal gesehen hat, nie wieder vergessen wird. Der Künstler malte es in einem Krankenhaus für psychisch Kranke. Diese Wirbelströme, riesige Sterne … Einige glauben, dass Van Gogh einen Blick aus dem Fenster dargestellt hat. Aber die Kranken durften nicht auf die Straße, es war ihnen sogar verboten, auf der Station zu arbeiten. Vincents Bruder bat die Krankenhausleitung, ihm ein Zimmer zum Schreiben zu geben. Forscher glauben, dass Van Gogh in seinem Gemälde ein Phänomen wie Turbulenz dargestellt hat - Wirbel strömt aus Wasser und Luft. Dies ist nicht zu sehen, aber die gesteigerte Wahrnehmung des Künstlers half ihm zu sehen, was vor den Augen gewöhnlicher Sterblicher verborgen ist. 10 vermisste und neu gefundene Meisterwerke großer Meister. Basierend auf Materialien