Wem widmete Klimt seine wenig bekannten Porträts, um die es noch immer Vermutungen und Kontroversen gibt?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Einige von Klimts Porträts haben bereits ikonischen Status erlangt, so zum Beispiel sein Porträt von Adele Bloch-Bauer mit Goldelementen. Bevor Klimt jedoch 1897 zum Chef der Wiener Secession wurde, schrieb er, wie von seinen Kunden gefordert, in einem sehr konventionellen Stil. Die meisten der im Folgenden vorgestellten Werke sind unbekannte Porträts von Klimt oder zumindest weit weniger berühmt als diejenigen, die auch von kunstfernen Menschen unverkennbar erkannt werden.

Gustavs Leben war hell und ereignisreich. Er saß nie untätig da und verbesserte ständig seine Fähigkeiten und sein Handwerk, experimentierte mit der einen oder anderen Richtung und Form. Es überrascht nicht, dass er in jungen Jahren ein Stipendium der Wiener Kunstschule erhielt, wo er sich zum Architekturmaler ausbilden ließ.

Bald entschlossen sich Gustav und sein Bruder Enrst, der davon träumte, in die Fußstapfen seines Vaters zu treten und sich mit dem Gravieren zu beschäftigen, sowie Freund Franz Machszm zusammenzuarbeiten. Dank dessen erhielten die jungen Leute bis 1880 viele Aufträge, die darin bestanden, Fresken speziell für das Kunsthistorische Museum in Wien zu schaffen.

Nach einem so großen Erfolg eröffneten sie ein Studio, das sich auf Innendekoration, insbesondere Theater, spezialisierte und sie in der ganzen österreichisch-ungarischen Monarchie dekorierte. Und viele ihrer Werke sind noch heute dort zu sehen.

Fünf Jahre später wurde ihnen die Dekoration des Landsitzes der Kaiserin Elisabeth, Villa Hermes bei Wien (Ein Sommernachtstraum) anvertraut. Und ein Jahr später wurden die Künstler gebeten, das Wiener Burgtheater zu schmücken, und wurden damit als die bedeutendsten Dekorateure Österreichs anerkannt.

Als die Arbeiten abgeschlossen waren, erhielten die Künstler das goldene Verdienstkreuz-Verdienstkreuz und Klimt erhielt den Auftrag, den Zuschauerraum des alten Burgtheaters zu bemalen – ein Werk, das ihn weltweit bekannt machte.

Dieses Gemälde gilt mit seiner fast fotografischen Genauigkeit als eine der größten Errungenschaften der naturalistischen Malerei. In der Folge wurde Gustav mit dem Kaiserpreis ausgezeichnet und wurde sowohl zu einem modischen Porträtmaler als auch zu einem führenden Maler seiner Zeit. Paradoxerweise begann er sich in diesem Moment, als sich die fabelhafte Karriere eines klassizistischen Künstlers vor ihm abspielte, radikal neuen Kunststilen zuzuwenden.

In den nächsten Jahren löste sich das Künstlertrio auf. Franz wollte mit dem Porträt arbeiten, was er mit einigem Erfolg tat. Der veränderte Stil von Gustav erlaubte es ihnen jedoch nicht, an einem Projekt zusammenzuarbeiten. Außerdem starb Ernst 1892, kurz nach dem Tod des Vaters.

Von dieser doppelten Tragödie getroffen, zog sich Gustav aus dem öffentlichen Leben zurück und konzentrierte sich auf das Experimentieren und Studieren zeitgenössischer Kunststile sowie historischer Stile, die innerhalb des Establishments ignoriert wurden, wie japanische, chinesische, altägyptische und mykenische Kunst.

Doch schon bald begann er mit der Arbeit an seinem letzten öffentlichen Auftrag: Gemälde "Philosophie, Medizin und Rechtswissenschaft" für die Universität Wien. Drei von ihnen werden erst Anfang des 20. Jahrhunderts fertiggestellt und werden wegen ihres radikalen Stils und ihrer nach damaligen Sitten Obszönität heftig kritisiert. Leider wurden die Gemälde während des Zweiten Weltkriegs zerstört, sodass nur noch Schwarz-Weiß-Reproduktionen davon übrig blieben.

Der Künstler stand nicht allein mit seiner Opposition zum damaligen österreichischen Kunstestablishment. 1897 verließ er zusammen mit 40 anderen berühmten Wiener Künstlern die Akademie der Künste und gründete den "Verband Österreichischer Künstler", besser bekannt als Secession, wo er sofort zum Vorsitzenden gewählt wurde. Obwohl die Union keine klar definierten Ziele oder Unterstützung für bestimmte Stile hatte, war sie gegen das klassizistische Establishment.

Anfang des 20. Jahrhunderts vollendete der Künstler den Beethovenfries, der als Ergebnis der 14. Separatistenausstellung in Wien präsentiert wurde. Es sollte eine besondere Feier zu Ehren des berühmten Komponisten werden und umfasste daher viele von ihm inspirierte Werke, darunter eine polychrome Skulptur von Max Klinger.

Trotz seiner Popularität verbringt der Künstler am liebsten Zeit allein mit sich selbst, seinen eigenen Gedanken und Werken, den Sommer verbrachte er auch gerne bei Familie Flege am Ufer des Attersees, wo er der Inspiration frönen und herrliche Landschaften malte.

Gustavs Bilder am Uttersee verdienen eine gesonderte Bewertung und sind wirklich bewundernswert, da er die meisten von ihnen durch ein Fernrohr gemalt hat.

Die "goldene Phase" des Künstlers wurde sowohl von der Öffentlichkeit als auch von der Kritik mit einem Paukenschlag aufgenommen. Viele seiner Gemälde aus dieser Zeit wurden aus Blattgold geschaffen, was jedes Werk auf seine Weise zu einem Unikat macht.

Obwohl der Künstler nicht viel reiste, waren es seine Besuche an Orten wie Venedig und Ravenna, die ihn zu seiner einzigartigen goldenen Technik mit einem Hauch byzantinischen Stils inspirierten.

Darüber hinaus hat er viel Mühe in die gemeinsame Arbeit an der Gestaltung des Stoclet-Palastes gesteckt, der letztendlich als Eigentum und einer der wichtigsten historischen Werte der Moderne anerkannt wird.

Darüber hinaus malte Gustav fünf Gemälde, die Damen von Welt in Pelzkleidung zeigten. Diese Arbeiten zeigten seinen Enthusiasmus und seine Liebe zum Detail, was sich besonders deutlich in der Darstellung von Kleidung und Kostümen zeigt. Einige davon, die sogenannte Modellierkleidung, hat er speziell für seine geliebte Emilia Flöge kreiert.

Sein Ruhm ermöglichte es ihm, wählerisch und wählerisch zu sein, daher wählte er seine Modelle sehr sorgfältig aus, arbeitete sorgfältig und sorgfältig an jedem Porträt, was von seinen Kunden maximale Konzentration oder Entspannung verlangte.

Gegen 1910 gab Gustav seinen goldenen Stil endgültig auf und schuf schließlich das letzte Gemälde "Tod und Leben", das auf einer internationalen Ausstellung in Rom präsentiert wurde und dort den ersten Platz gewann. Trotzdem war der Künstler mit diesem Kunstwerk unzufrieden und änderte genau ein Jahr später den Hintergrund von Gold auf Blau.

Nach einem Schlaganfall und einer Lungenentzündung starb Gustav genau drei Jahre nach dem Tod seiner geliebten Mutter. Er wurde auf dem Gelände des Hetzinger Friedhofs in der Stadt Wien beigesetzt bzw. hatte keine Zeit, die meisten seiner Bilder fertigzustellen. Seine Werke zeichnen sich oft durch elegante Gold- oder Farbdekore, Spiralen und Locken sowie phallische Formen aus, die die eher erotischen Positionen der Zeichnungen verbergen, auf denen viele seiner Gemälde basieren.

Kunsthistoriker stellen eine eklektische Reihe von Einflüssen fest, die zu Klimts unverwechselbarem Stil beitragen, darunter ägyptische, minoische, klassische griechische und byzantinische Inspiration. Inspiriert wurde er auch von Albrecht Dürers Stichen, und sein Spätwerk zeichnet sich durch eine Absage an frühe naturalistische Stile aus und verwendet Symbole oder symbolische Elemente, um psychologische Ideen zu vermitteln und die Freiheit der Kunst von der traditionellen Kultur zu betonen. Jedes von ihm geschaffene Gemälde gilt jedoch als einzigartig, selbst diejenigen, die nur wenige kennen.

Porträts von Emilia Flege

1891, als dieses Gemälde fertiggestellt war, wurde eine Allianz zwischen den Familien Klimt und Flege geschlossen. Gustavs Bruder Ernst heiratete Emilys Schwester Helene. Emily war damals siebzehn Jahre alt, Gustav war zwölf Jahre älter, und dies war ihre erste Begegnung, aus der später eine lebenslange Freundschaft entstand. Drei Jahre später malte er es erneut, diesmal an einem bestimmten Ort. Bemerkenswert ist auch, dass dieses Werk für das Burgtheater in Wien und nicht für den Familiensalon bestimmt war.

Porträt von Marie Breinig

Marie Breinig wurde in bescheidenen Verhältnissen geboren, heiratete aber einen erfolgreichen Geschäftsmann. Dadurch konnte sie oft die Wiener Gesellschaft besuchen. Sie freundete sich mit den Flege-Schwestern an und wurde Kundin ihres modischen Salons.

Obwohl viele Kunstkritiker und Historiker von diesem Porträt wussten, ist es dennoch nicht öffentlich zugänglich, da die Besitzer ihre Anonymität wahren möchten. Darüber hinaus ist es das einzige im Besitz der ursprünglichen Familie verbliebene Porträt, das noch an seinem vorgesehenen Platz hängt.

Porträt einer unbekannten Frau

Das Gemälde wurde als "Porträt einer unbekannten Frau" beschrieben, manche interpretieren diese Dame jedoch als Frau Heyman, da das Museum das Gemälde im Vermächtnis von dem Sammler Dr. August Heyman erwarb. Schaut man sich den Hintergrund des Porträts an, werden einem schlichte und eher stereotype florale Muster auffallen, die die stilistischen Veränderungen ankündigen, die der Separatist Ver Sacrum in drei Jahren einleiten wird.

Porträt eines sitzenden jungen Mädchens

Trotz der Größe der Reproduktion ist dieses Porträt tatsächlich sehr klein: 14 x 9 cm und auf Holz gemalt, nicht auf Leinwand. Die Komposition ähnelt einem Marienporträt (oben). Ein unbekanntes Mädchen trägt ein modisches Kleid und schaut den Betrachter direkt an. Irgendeine Idee, wer es sein könnte?

Porträt von Helen Klimt

Helen war erst zwei Monate alt, als ihr Vater, Gustavs Bruder, starb. Gustav übernahm das Sorgerecht für das Mädchen und versprach ihrer Mutter Hilfe. Das Mädchen wurde zum Stolz der Familie, und als sie heranwuchs, trat sie dem Modehaus Floge bei und half bei der Verwaltung, Buchhaltung und Kundenberatung. Dominiert wird dieses Porträt vom knackigen Bob-Haarschnitt des Mädchens, der dann mit wenigen Strichen von Klimts impressionistischer Darstellung ihrer weißen Bluse ergänzt wird.

Leben und Werk von Künstlern waren seit jeher in aller Munde. Einige werden vergöttert, erheben sich in den Himmel, andere werden verurteilt und beschuldigen sie aller Todsünden, und andere werden diskutiert und etwas zugeschrieben, das oft nicht wirklich existierte. War keine Ausnahme und Modigliani, um den herum ungebremste Leidenschaften wüteten seitens der Öffentlichkeit, die herausfinden will, was ihn eigentlich mit Akhmatova verband und was den Tod von Jeanne Hébuterne verursacht hat.