"Shame Awakened": Symbole der Sünde und Reue im Gemälde

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Was fällt dem Betrachter, der das Bild zum ersten Mal sieht, als erstes ins Auge? So erhebt sich ein Mädchen mit leuchtenden Augen vom Schoß eines Mannes. Aber das Wichtigste sind hier hoffnungsvolle Augen und sogar Einsicht. Was verbirgt sich in diesen Augen und anderen Symbolen im Bild?

Biografie des Autors

William Holman Hunt (1827-1910) - britischer Künstler und prominentes Mitglied der präraffaelitischen Bruderschaft. Sein Stil zeichnet sich durch eine klare und lebendige Farbpalette, helle Beleuchtung und sorgfältige Details aus. Er war ein zutiefst religiöser Mann, so ist seine Kunst - moralistisch und erbaulich. Kurz nachdem Shame Awakened fertig war, begab sich Hunt auf eine Reise ins Heilige Land, überzeugt davon, dass er eine Quelle der Inspiration finden muss, um religiöse Objekte zu malen. Obwohl die Reise nach Jerusalem damals gefährlich und teuer war, hielt sie den Künstler nicht in seinem Schaffensimpuls auf.

Parzelle

Hunts Werk Awakened Shame spiegelt das Ideal der christlichen Philanthropie wider. Während andere die Konsequenzen ihrer Handlungen betonten, um unangemessenes Verhalten zu verhindern, argumentierte Hunt, dass die wirklich Reuevollen ihr Leben verändern können. Shame Awakened erfüllte das Ziel dieses Künstlers, das Thema der Erlösung zu erforschen. Jeder Betrachter kann die Handlung auf seine Weise interpretieren. Am wahrscheinlichsten ist aber folgendes: Ein junges Mädchen sitzt auf dem Schoß ihrer Liebsten (sie ist eindeutig keine Ehefrau, da sie keinen Ehering hat). Gemeinsam spielten sie das Klavier symbolische Bedeutung der Töne "Wie oft in der Stille der Nacht". Der Betrachter sieht den Höhepunkt, wenn sich die Hände des Mannes im Moment der Beleuchtung der Heldin noch über den Tasten des Instruments befinden. Der Text des Liedes erzählt von der verlorenen Vergangenheit, von schönen Zeiten, die in die Ewigkeit gegangen sind – er hat das Gewissen einer jungen Frau gestochen, wie ein innerer Richter, der Zeuge eines Verbrechens geworden ist.

Helden des Bildes

Die Heldin des Bildes erhebt sich plötzlich von den Knien eines Mannes, ihr Gesicht vermittelt ein plötzliches Verständnis und Bewusstsein für das, was passiert. Sie blickt in den sonnendurchfluteten Garten, der sich im Spiegel hinter ihr spiegelt. Wenn man sich diese Elemente ansieht, beginnt sich das Bild zu klären: Es ist wahrscheinlich, dass es sich um eine gefallene Frau handelt, die erst jetzt all die Verderbtheit und Sündhaftigkeit ihres Handelns erkannt hat. Große Augen, die aus dem Fenster schauen, sind Hoffnung. Das erstaunte, aber klare Gesicht des Mädchens weist auf eine geistige Offenbarung hin: Sie sah plötzlich alles, was sie umgab: Sünde, Zeitverschwendung und einen Irrweg, der nur in die Hölle führte. Aber es gibt Hoffnung: Das Mädchen ist noch jung, das Bewusstsein ist also der erste Schritt zur Fehlerkorrektur auf dem Weg in ein fruchtbares Leben. Das Modell auf dem Bild ist übrigens die Freundin des Künstlers, Annie Miller, eine ungebildete Bardame, die er 1850 im Alter von 15 Jahren kennenlernte. Der absolute Kontrast zu ihr ist der Mann mit seinem Gesichtsausdruck. Er ist nicht überrascht, im Gegenteil, er ist fröhlich und zufrieden. Hut und Handschuh werden auf den Tisch und auf den Boden geworfen (dies ist ein Beweis dafür, dass er ein Besucher und kein Bewohner dieses Hauses ist).

Innere

Der Hintergrund des Gemäldes ist sorgfältig ausgearbeitet, was notwendig ist, um die ganze Geschichte auf der Leinwand darzustellen. Dafür mietete der Künstler sogar ein Zimmer in der Nähe von St. John's Forest. Dies ist ein teures Interieur, malerisch und reich an Texturen, Farben und Objekten. Modische englische Möbel im Jugendstil, malerische Blumentapete, gemusterter Spiegel (das wichtigste zu analysierende Symbol), roter Teppich mit blauen und weißen Elementen. Das Klavier, das eine schicksalhafte Rolle spielte, und die Uhr darauf mit einer tiefen allegorischen Bedeutung. Der Rahmen des Werkes wurde von Hunt selbst entworfen und erinnert mit seiner Kuppelform an Religiosität.

Symbolismus

Fast alle Elemente im Bildinneren haben eine gewisse allegorische Bedeutung. Auf dem Klavier ist das Werk von Thomas Moore "Wie oft in der Stille der Nacht" zu sehen - ein nostalgisches Lied, in dem der Autor über die Unschuld und verlorene schöne Zeiten nachdenkt, die in die Ewigkeit gegangen sind. Es war diese Musik, die in der Heldin Gewissen und Erlösung weckte. Auf dem Boden liegen die Noten "Tears, Empty Tears" - Edward Lears musikalische Adaption zu Tennysons Gedicht, das ein trauriges Gedicht ist (eine Assoziation an die Position der Heldin selbst). An sich sind Musiknoten ein Attribut der Kürze und Kurzlebigkeit des Lebens. Eine Uhr mit geschlossenem Deckel symbolisiert Zeitverschwendung, das Spiegelbild steht für die verlorene Unschuld der Frau und der Balken in der unteren rechten Ecke steht für Erleuchtung und das Licht der Hoffnung. Eine Katze, die mit einem Vogel mit gebrochenen Flügeln unter dem Tisch spielt, symbolisiert die Not einer Frau und entspricht den Rollen der Helden: Ein Mann (Katze) jagt einen Vogel, der versucht, aus seinen Klauen zu kommen (eine reumütige Heldin) Ein geworfener Handschuh zu Boden ist ein Symbol für die Rolle einer Geliebten, allein dem Schicksal einer Frau überlassen. Das verhedderte Garnknäuel auf dem Boden symbolisiert das Spinnennetz, in das das Mädchen gefallen ist, ihr verlorenes, verschlungenes Leben. Der Hunt-Rahmen enthält auch verschiedene symbolische Embleme: Glocken und Ringelblumen bedeuten Warnung und Trauer, ein Stern ist ein Zeichen der spirituellen Offenbarung.“Erwachte Scham" ist eher ein religiös-erbauliches und gesellschaftlich bedeutsames Bild. Es zeigt zwei Hauptgedanken: Erstens zeigt der Autor auf, wie man im Leben nicht handeln sollte und wozu es führen kann. Und zweitens, wenn jemand einen bitteren Fehler gemacht hat, kann er den Strahl der Erlösung empfangen, wenn er aufrichtig umkehrt.