7 sehenswerte Meisterwerke der Eremitage im Jahr 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Wissenschaftler haben seit langem bewiesen, dass Kunst einen positiven Einfluss auf die menschliche Gesundheit hat, indem sie das Niveau von Angst und Stress im Körper reduziert. Dies gilt insbesondere für die bildende Kunst und die Betrachtung des Schönen. Um 2020 mit einem günstigen Zustand von Körper und Geist zu erfüllen, lohnt es sich daher, die Eremitage zu besuchen und die berühmtesten Ausstellungen des Museums zu sehen.

"Apostel Petrus und Paulus" von El Greco

El Greco ist einer der hellsten und originellsten Künstler. Griechischer Herkunft, studierte er Malerei in Italien in der Werkstatt des großen Tizian. Er lernte die Öltechnik von seinem Idol und ließ sich auch von den künstlerischen Techniken des italienischen Manierismus inspirieren. El Greco zeichnete sich unter seinen Kollegen durch die Originalität des dramatisch ausdrucksstarken Stils aus. In seinen Porträts legte er großen Wert auf psychologische Charakterisierung. In diesem Gemälde aus der Eremitage repräsentiert der Künstler zwei verschiedene Arten von Menschen. Links steht der Apostel Petrus, der dreimal die Existenz Christi leugnete. Sein Gesicht vermittelt Traurigkeit und Unsicherheit, während seine Gesten von Reue und Flehen gefärbt sind. Der Apostel Paulus, der, wie Sie wissen, ursprünglich ein eifriger Christenverfolger war, zeigt auf dem Bild geistlichen Eifer bei der Bekräftigung der Wahrheit. Die Handgesten, die das kompositorische Zentrum der Arbeit bilden, drücken einen Dialog aus, der die beiden Apostel vereint.

Der grauhaarige Peter, in ein goldenes Gewand gehüllt, neigte den Kopf zur Seite. In seiner linken Hand hält er sein Symbol - den Schlüssel zum Himmelreich. Pavel drückt seine linke Hand fest auf den offenen Band auf dem Tisch, seine rechte Hand hebt sich klärend, wenn er den Betrachter direkt ansieht. St. Peter und St. Paul kommen in El Grecos Werk mehrfach vor und werden mit auffallender Konsequenz dargestellt. Der Künstler zeigt Petra immer mit grauen Haaren und Bart, oft trägt er ein gelbes Gewand über einer blauen Tunika. Paul hat immer eine leichte Glatze, mit dunklem Haar und Bart, in einem roten Gewand über blauer oder grüner Kleidung.

"Büßende Maria Magdalena" von Tizian

Die Büßende Maria Magdalena ist ein Porträt der Hl. Maria Magdalena Tizian um 1531, mit der Signatur „TITIANUS“auf dem Gefäß links. Laut der Handlung handelt es sich um eine Frau mit ausschweifender Vergangenheit, die nach dem Evangelium (Lk 7, 36-50) in das Haus des Pharisäers Simon kam, um Jesus um Vergebung zu bitten. Es ist eine weibliche Figur, die von Tizian mit dicken, konzentrierten Strichen und warmen Tönen dargestellt wird. Die Palette hebt unglaubliche Augen hervor, die in Kristalltränen getränkt sind. Das kupferblonde Haar, das die Figur bedeckt, ist erstaunlich geschrieben. Das Thema der reuigen Maria Magdalena, die den Blick zum Himmel erhebt, erlangte in Italien im 16. Das Fehlen von Kleidung symbolisiert die Verweigerung der Magdalena von Schmuck, Gold und weltlichen Hobbys um des Glaubens an Christus willen. Darüber hinaus entsprechen das goldene Haar und die Gesamtfigur der Magdalena den Maßstäben der Schönheit der Renaissance.

"Madonna Litta" von Leonardo da Vinci

Das Gemälde erhielt seinen Namen von der Mailänder Adelsfamilie, in deren Sammlung es sich während des größten Teils des 19. Jahrhunderts befand. 1865 kaufte der russische Zar Alexander II. die Leinwand für die Eremitage, wo sie bis heute ausgestellt ist. Diese Arbeit zeigt die Madonna, die das Christkind stillt. Beachten Sie das Fehlen von Geisterbildern in diesem Bild. Eine Reihe von Leonardos Leinwänden zeigen dieses gleiche Merkmal. Die Figuren befinden sich in einem dunklen Innenraum mit zwei bogenförmigen Öffnungen, die den Blick auf die bergige Landschaft freigeben. Ein interessantes Detail: In der Mitte des Bildes, in der linken Hand Christi, befindet sich ein Stieglitz, der das Leiden Christi symbolisiert.

Das Gefühl der Mutterschaftsfreude wird im Gemälde "Madonna Litta" durch den Reichtum des Marienbildes besonders reizvoll dargestellt - hier fand es seinen reifen Ausdruck von Leonardos weiblicher Schönheit. Das sanfte, schöne Gesicht der Madonna verleiht halbgeschlossenen Augen und einem leichten Lächeln eine besondere Spiritualität. Die Komposition des Gemäldes besticht durch ihre auffallende Klarheit und Perfektion. Die Madonna mit Kind war im Mittelalter ein verbreitetes Motiv in der christlichen Kunst und setzte sich bis in die Renaissance fort.

"Lautenspieler" Caravaggio

Das Gemälde wurde von Kardinal Francesco del Monte in Auftrag gegeben, der den Künstler unterstützte. Caravaggio porträtiert einen jungen Mann, der von Musik fasziniert ist: Sein Blick ist voller Inspiration, seine Finger klammern sich an die Saiten. Vor dunklem Hintergrund hebt sich die Figur eines jungen Mannes in weißem Hemd deutlich ab. Starkes Seitenlicht und fallende Schatten verleihen den Objekten ein fast wahrnehmbares Volumen und Gewicht. Die im Bild platzierten Objekte zeugen von der großen Liebe des Künstlers für die ihn umgebende Welt, seinem Wunsch, die Natur wahrheitsgetreu wiederzugeben, die materielle Qualität jedes Details zu vermitteln. Auf dem vor dem Helden mit Laute liegenden Notizbuch sind die Anfangsnoten des im 16. Jahrhundert populären Madrigals "Du weißt, dass ich dich liebe" geschrieben.

Die Liebe als Thema dieser Arbeit wird auch durch andere Objekte angedeutet. Die gebrochene Laute zum Beispiel war eine Metapher für die Liebe, die versagt. Zu Beginn der Kreativität verlieh Caravaggio jungen Menschen oft weibliche Züge, die jedoch typisch für die italienische Kunst des späten 16. Jahrhunderts waren. Es ist interessant, dass der Musiker aus dem Gemälde aus der Eremitage oft mit einem Mädchen verwechselt wurde und die Komposition "Der Lautenspieler" hieß.

"Die Dame in Blau" Thomas Gainsborough

Eines der besten Werke des Künstlers - "The Lady in Blue" - wurde von Gainsborough in der Blüte seiner Schaffenskraft geschaffen. Die Figur einer jungen Frau in einem offenen Kleid aus transparentem weißem Stoff hebt sich sanft von einem dunklen Hintergrund ab. Ihr pudriges Haar ist zu einer skurrilen Frisur gestylt. Große Locken fallen über schräge Schultern. Die Frische des jugendlichen Gesichts wird durch halboffene Lippen und mandelförmige dunkle Augen unterstrichen. Mit einer leichten Bewegung ihrer rechten Hand hält sie den blauen Seidenschal. Grau-, Blau-, Rosa- und Weißtöne werden hier und da durch helle Striche verstärkt und tragen dazu bei, die Eleganz und Schönheit des Modells zu vermitteln.

Die Kühnheit von Gainsboroughs Bildtechniken verblüffte seine Zeitgenossen. So bemerkte Reynolds "seltsame Flecken und Merkmale" in den Gemälden von Gainsborough, "die eher das Ergebnis eines Zufalls als einer bewussten Absicht zu sein scheinen". Diese nicht-akademische Tradition ist eine der größten Errungenschaften von Gainsborough. "Die Dame in Blau" kam 1916 aus der Sammlung von A. 3. Khitrovo testamentarisch in die Eremitage.

Die Rückkehr des verlorenen Sohnes von Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Dieses Meisterwerk der biblischen Kunst bestätigt einmal mehr Rembrandts Status als einer der besten Maler aller Zeiten und der größte aller Alten Meister in der Darstellung biblischer Szenen. Das Gemälde Die Rückkehr des verlorenen Sohnes, das der Künstler in seinen letzten Lebensjahren vollendete, zeigt eine Szene aus dem Gleichnis von Lukas 15:11–32. Laut dem herausragenden Kunstkritiker Kenneth Clarke ist die Leinwand eines der großartigsten Gemälde aller Zeiten. Der Handlung zufolge legt der Vater wie der Patriarch seine Hände auf die Schultern eines rasierten Büßer und kleidet sich in abgetragene Kleider. Seine Augen sind fast geschlossen. Der Akt der Vergebung wird zum Segen eines fast sakramentalen Sakraments.

Dies ist ein Bild von höchster Spiritualität, frei von allen Anekdoten, in dem alle Bewegungen und Handlungen zum Stillstand gekommen sind. Wie ein Tunnel taucht die Szene in die Dunkelheit ein, aus der die Gesichter des Vaters und seines ältesten Sohnes blass leuchten. Ihre roten Gewänder verleihen dieser Dunkelheit einen Glanz. Rembrandt hat immer wieder das Thema des verlorenen Sohnes gemalt, doch in dieser monumentalen Ölfassung kam er zu seiner spannendsten und – dank der Kontrastierung des ältesten und des jüngeren (verlorenen) Sohnes – psychologisch schwierigsten Formulierung.

"Tanz" von Henri Matisse

„Dance“ist eines der bekanntesten Werke von Henri Matisse – eine Ode an das Leben, Freude, körperliche Ablehnung und ein Symbol der zeitgenössischen Kunst. Das Stück wurde 1909 vom einflussreichen russischen Sammler Sergei Shchukin in Auftrag gegeben, um sein Herrenhaus zu dekorieren. Geprägt von ihrer Einfachheit und Energie hat diese künstlerische Orgie die Kunst des 20. Jahrhunderts unauslöschlich geprägt. Der Tanz wurde auf dem Höhepunkt der fauvistischen Ästhetik geschrieben und verkörpert die Emanzipation traditioneller westlicher künstlerischer Traditionen. Die ästhetische Wahl von Henri Matisse für dieses Gemälde löste 1910 einen regelrechten Skandal in den Kunstsalons aus. Gewagte Nacktheit und raue Schattierungen verliehen dem Bild einen für die damalige Zeit außergewöhnlichen Charakter, der in den Augen mancher Betrachter barbarisch wirkte.

Matisse verwendete nur drei Farben, um diesen Tanz darzustellen: Blau, Grün und Rot. In Anlehnung an traditionelle fauvistische Farbassoziationen erzeugen diese drei Farbtöne intensive Kontraste. Matisses Ziel war es jedoch nicht, das Publikum zu schockieren. Im Gegenteil, er suchte die Menschen untereinander und mit der Natur zu vereinen. Wie der Künstler sagte: "Wovon ich träume, ist eine ausgewogene, saubere und ruhige Kunst, die Ärger oder Enttäuschung vermeiden kann."