Wie der Amazonas der russischen Avantgarde Paris und darüber hinaus eroberte: Natalia Goncharova

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Natalia Goncharova ist eine herausragende russische Künstlerin, Designerin und Autorin. Auf der ganzen Welt wurde sie durch ihre leuchtenden, saftigen und außergewöhnlichen Werke bekannt, die mehrere Stile vereinen: von Fauvismus und Kubismus bis hin zu Futurismus und Jugendstil. Bekannt war sie auch für ihre Kostüme und Bühnenbilder für Ballett und Theater, die durch ihre Vielseitigkeit und für die damalige Zeit ungewöhnliche Gestaltung auffielen.

In den ersten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts absorbierte die russische Kunst neue Stile und Philosophien der westeuropäischen Kunst und rückte an die Spitze der Kultur. Goncharova und ihr Mann Mikhail Larionov standen mit ihrer Arbeit und ihrem Bemühen, Ausstellungen und Kreativteams zu organisieren, im Zentrum dieser künstlerischen Revolution, die den politischen Umbrüchen im Land vorausging und sie begleitete.

Natalia wurde in Nagaevo in Zentralrussland geboren. Ende des 18. Jahrhunderts verlor die Familie Goncharov ihr Vermögen aufgrund der Flachsproduktion. Die berühmte Dichterin Puschkin heiratete eine ihrer Vorfahren, Natalia Goncharova, nach der sie benannt wurde. Ihr Vater war Architekt. Die Familie von Natalias Mutter, die Familie Belyaev, brachte mehrere Priester zur Welt und war als Förderer der Musik bekannt.

In ihren frühen Jahren besuchte Natalya ein Gymnasium in Moskau. Und in einem bewussteren Alter, nachdem sie sich entschieden hatte, Künstlerin zu werden, trat sie in die Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (Moskau) ein, wo sie bei Pavel Trubetskoy, der im Stil von Auguste Rodin arbeitete, Bildhauerei studierte. Sie verließ das College drei Jahre später, obwohl sie eine Silbermedaille gewonnen und eine zehnjährige Studienzeit für den Lehrplan nicht abgeschlossen hatte. Dies fiel mit ihrer Akzeptanz der Malerei als ihrem bevorzugten Ausdrucksmittel zusammen.

1. Karriere und Ehemann

Um 1900 lernte Goncharova ihren zukünftigen Ehemann Mikhail Larionov kennen. Er ging auch aufs College, aber die Malereiabteilung. Ihre Entscheidung, mit der Malerei zu beginnen, wurde von Mikhail unterstützt, ihre Leidenschaft für das Lichtspiel und die Farbharmonie wurde in Zukunft zum Markenzeichen der Künstlerin.

Wie viele russische Künstler ihrer Zeit waren die ersten Jahre des 20. Jahrhunderts eine Zeit der Bekanntschaft und Akzeptanz der Stile, die sich in den Hauptstädten Westeuropas entwickelten. Zu dieser Zeit fühlte sie sich von Impressionismus und Divisionismus angezogen, Stilen, die jeweils mit Monet und Seurat verbunden waren. Beide Stile betonten nicht das Bild von festen Objekten, sondern das Einfangen von Licht (Farbe), das vom Objekt zum Auge reflektiert wurde. Infolgedessen war die Zeichnung normalerweise locker, und die Betonung lag sowohl auf Farbe als auch auf Pinselstrichen. Dies führte zu einem Bewusstsein für Farbe, Pinselstriche, Textur und Malerei auf Leinwand. Diese beiden Stile waren wesentlich, um die Kunst von einem rein repräsentativen Charakter zu befreien. Künstler begannen zu erkennen, dass Kunst ein ästhetischer Ausdruck ist, inspiriert von der Erscheinung der physischen Welt, aber nicht davon abhängig.

Einst organisierte der große russische Ballettimpresario Diaghilew die Aufnahme der Gemäldesammlung von Goncharova und Larionov in die russische Sektion des Herbstsalons in Paris. Ihre Aufnahme in diese neu gegründete Jahresausstellung neuer radikaler Kunst (im selben Jahr 1906 wurde dort die erste Gruppe von Fauves präsentiert) zeugt davon, dass beide Künstler als Vorbilder der Avantgarde-Tendenzen ihres Landes galten. In den nächsten neun Jahren, vor ihrer Emigration aus Russland, nahm Natalia an einer Reihe wichtiger Ausstellungen teil, von denen viele sie und Mikhail organisierten. Während dieser Zeit war sie auch auf der 1912 von Roger Fry organisierten Post-Impressionist-Ausstellung in der Grafton Gallery in London sowie auf persönlichen Ausstellungen in Moskau und St. Petersburg sowie in einer Ausstellung in der Paul Guillaume Gallery in Paris zu sehen mit dem Katalog des berühmten Kritikers Apollinaire.

2. Stil des Distriktismus

Das halbe Jahrhundert vor Kriegsbeginn war eine Zeit der rasanten Entwicklung der bildenden Künste in Russland. Natalia stand an der Spitze dieser Bewegung.

Überraschenderweise manifestierten sich in ihrer Arbeit drei verschiedene Richtungen gleichzeitig: Regionalismus, Neoprimitivismus und Kubofuturismus.

Der erste von ihnen ist der von Mikhail konzipierte und von Natalia umfassend recherchierte Originalstil.

Der Distriktismus war damals einer der völlig abstrakten Stile der westlichen Kunst. Wie der Impressionismus konzentriert sich der Regionalismus auf die von Objekten reflektierten Lichtstrahlen. Der Raum im Bild eines Strahlers ist nicht messbar, sondern ist eine Atmosphäre, die mit der Energie einer unendlichen Anzahl von Lichtstrahlen geladen ist, entweder direkt von der Sonne oder wahrscheinlicher von Strahlen, die von physischen Objekten um sie herum hin und her reflektiert werden. Der Leitgedanke ist rein ästhetisch, da Farben aufgrund ihrer Harmonie oder visuellen Wirkung ausgewählt werden.

Seit mehr als drei Jahrzehnten sind Künstler von der Idee fasziniert, auf der Inszenierung von Farbe ungegenständliche Kunst zu schaffen. Wenn Musik völlig abstrakt und gleichzeitig unendlich ausdrucksstark ist, dann kann es nicht eine Kunst geben, die Farbe (statt Klang) verwendet, die genauso abstrakt und ausdrucksstark wäre.

Anstelle der fragmentierten, miteinander verbundenen Formen des Kubismus basiert die Cats-Serie auf langen, schneidenden Farbstrichen. Der Distriktismus war ein kurzlebiger Stil, der 1914 sein Ende fand. Franz Marc, verbunden mit dem Münchner Blauen Reiter (mit dem Natalia zwei Jahre zuvor ausstellte), bewunderte ihre Arbeit und schrieb, möglicherweise aufgrund ihres Einflusses, vom Distriktismus inspiriert.

3. Stil des Primitivismus

Hemmungslos und rastlos, auf der Suche nach neuer Inspiration, stützte sie sich auch einige Zeit stark auf frühe kubistische Maler wie Pablo Picasso. Diese Phase ihrer Arbeit dauerte mehrere Jahre und umfasste ihre Malerei, inspiriert von der russischen Tradition.

Aber ihre Illustrationen für mehrere Gedichtbände von Velimir Khlebnikov und Alexei Kruchenykh zeigten ihre Hingabe an alte russische Kunstformen wie Ikonen, religiöse Fresken und Holzschnitte. 1913 erklärte sie auf dramatische Weise, dass sie sich vom Westen abwende, und bekundete ihre Sympathie für den Osten.

In einer ihrer frühen Ausstellungen wurden primitivistische und kubistische Gemälde präsentiert, und in einer späteren, von ihrem Mann organisierten Ausstellung wurden mehr als fünfzig Werke von Natalia ausgestellt. Inspiration für den Primitivismus holte sie sich von russischen Ikonen und Volkskunst, auch bekannt als populäre Drucke. Die zweite, spätere Ausstellung war als bewusster Bruch mit dem europäischen künstlerischen Einfluss und als Schaffung einer unabhängigen russischen Schule für zeitgenössische Kunst konzipiert. Die Veranstaltung erwies sich als umstritten, und die Zensur beschlagnahmte Natalias religiös-thematisches Werk "Evangelists" und hielt es für blasphemisch, es in einer Ausstellung mit dem Titel "The Donkey's Tail" zu zeigen. Natalia und Mikhail werden seit langem wegen ihrer Werke und ihrer Ausdrucksweise verfolgt. Aber auch in den späteren Werken von Natalia ist der Einfluss des russischen Futurismus spürbar. Anfänglich fasziniert von der Ikonenmalerei und dem Primitivismus der ethnischen russischen Volkskunst, wurde Natalia in Russland für ihre futuristischen Arbeiten (eines davon war ein Gemälde mit dem Titel Der Radfahrer) berühmt.

Natalia und Mikhail, die ihre Gesichter mit Hieroglyphen und Blumen bemalten, gingen als Teil einer primitivistischen künstlerischen Bewegung durch die Straßen. Natalia selbst hatte von Zeit zu Zeit keine Angst, halbnackt mit Symbolen auf der Brust in der Öffentlichkeit zu erscheinen. Als Führer der Moskauer Futuristen veranstalteten sie provozierende Vortragsabende im Sinne ihrer italienischen Kollegen. Darüber hinaus schrieb und illustrierte Natalia mehrere Avantgarde-Bücher.

Natalia ist seit dem ersten Tag ihrer Gründung (1911) Mitglied der Avantgarde-Gruppe Blue Rider. Vier Jahre später nahm sie in Genf die Entwicklung von Ballettkostümen und Bühnenbildern auf. Und bald begann sie mit der Arbeit an einer Reihe von Skizzen für Diaghilews Ballett, aber leider wurde das Ballett nie realisiert.

Einige Jahre später zog sie nach Paris, wo sie eine Reihe von Bühnenbildern für Diaghilews russische Ballette schuf. Sie stellte auch im Salon d'Automne aus und nahm regelmäßig am Salon des Tuileries und am Salon der Unabhängigen teil.

Natalia und Mikhail haben bei vier Wohltätigkeitsveranstaltungen in Moskau zusammengearbeitet. Beide entwickelten die meisten Werbematerialien für die Veranstaltung.

4. Stil des Neoprimitivismus

Parallel zum Rayonismus schrieb Natalia in einem Stil, der heute als Neoprimitivismus bezeichnet wird. Es war ein Phänomen, das zuvor in Frankreich und anderswo aufgetreten war und mit einer Veränderung der politischen, sozialen und kulturellen Bestrebungen zusammenhängt. In Verbindung mit der Demokratisierung des politischen und sozialen Denkens gab es oft die Tendenz, den tieferen Charakter nationaler Kulturen zu entdecken, indem man sich zur Inspiration an die traditionelle Volks- oder Bauernkunst wandte. Aufgrund des kirchlichen Hintergrunds ihrer Familie und der Tatsache, dass sie ihre Jugend auf einem Landgut verbrachte, wurde Natalia als Teil ihrer prägenden Erfahrung und als bildende Kunst ihrer Landsleute von der traditionellen religiösen und volkstümlichen Kunst angezogen. In dieser Zeit begann die Intelligenz, Ikonen (russische liturgische Bilder) als wichtiges nationales Kulturerbe zu betrachten. Die große Romanow-Ikonenausstellung begeisterte viele ästhetisch sensible Menschen.

Natalia schreibt seit einigen Jahren über religiöse Themen und ist der Meinung, dass die intensiv religiöse Bedeutung und Bedeutung von Ikonen eines der wichtigsten Ziele einer Künstlerin ist, die sie in ihrer Arbeit festhalten muss. Die satten Farben, schillernden dekorativen Effekte und die stark formalisierte und stilisierte Natur der Ikonen haben sie bereits zu ihrer Arbeit inspiriert.

Dies führte dazu, dass sie auf eine Weise zurückgriff, die nichts mit der akademischen Praxis zu tun hatte. Neben der Betonung der flächigen, dekorativen Qualitäten, wirkte die Farbe manchmal verspritzt oder wurde schnell aufgetragen, um einen spontanen Effekt zu erzielen. Der Charme und die Naivität, die zuvor in Henri Rousseaus Gemälden gesungen wurden, tauchten im Werk der russischen Künstlerin auf und wurden, was für sie sehr wichtig ist, lokalen Quellen entlehnt.

5. Stil des Kubo-Futurismus

Zwischen 1913 und 1914 taucht in Natalias Malerei der Kubo-Futurismus auf, Aspekte der damals modernen Stilrichtungen des Kubismus und Futurismus. Der Kubismus war russischen Künstlern durch Publikationen, Ausstellungen und Sammlungen wie die Sammlungen Morozov und Shchukin bekannt. Der Kubismus war der Farbe gegenüber ambivalent zugunsten eines neuen Sinns für Struktur-Fragmentierung und Formzusammenhalt, was zu einer einheitlich belebten Komposition führte, in der die Figur-Grund-Beziehung aufgehoben ist.

Der italienische Futurismus hatte in den Jahren unmittelbar vor dem Ersten Weltkrieg auch in Russland eine Anhängerschaft.

Ihr Futurismus war, wie der der Italiener, voller Farben. Die Bewegungsempfindungen wurden durch rhythmische Wiederholungen von Figuren oder Linien hervorgerufen. Die Einbeziehung von farbigen Wörtern oder Wortfragmenten, als ob sie von Zeichen und einem Teil der Umgebung stammten, durch die die Person ging, trug weiter zu dieser Wahrnehmung bei. Schallwellen wurden auch durch rhythmische Effekte und manchmal durch die Verwendung von Musiknotation impliziert.

6. Die letzten Lebensjahre

Natalia verbrachte den Rest ihres Lebens in Paris, das als wichtiges Mitglied der künstlerischen Gemeinschaft der Stadt anerkannt wurde. Sie malte weiter, aber ihre bemerkenswerteste Arbeit lag im Bereich des Bühnenbildes. In diesem Bereich wurden sowohl sie als auch Michael zu Weltstars. Natalia identifizierte ihre Arbeit zunehmend mit Frankreich. 1936 nahm sie mit Mikhail an einem wichtigen internationalen Theaterwettbewerb in Mailand teil. Sie stellten ihre Arbeiten lieber in der französischen als in der sowjetischen Sektion aus, und als sie die Silbermedaille gewannen, ging Frankreich an sie.

Nach der Invasion Frankreichs durch Adolf Hitler im Frühjahr 1940 befanden sich Natalia und Mikhail unter deutscher Besatzung. In den folgenden schwierigen Jahren gelang es beiden, ihre Theaterkarriere fortzusetzen. Dann erinnerte eine Ausstellung ihrer einseitigen Gemälde in Paris das Publikum an ihre herausragende Rolle in der Entwicklung der zeitgenössischen Kunst um die Jahrhundertwende. Wie einige argumentiert haben, haben die beiden Künstler einen Teil ihrer Arbeit bewusst übertroffen, manchmal um mehr als ein Jahrzehnt, um ihren Ruf als Pionierkünstler zu festigen.

Mikhail erlitt einen Schlaganfall und die nie besonders angenehme finanzielle Situation der Ehepartner wurde noch prekärer. Sie überlebten teilweise, indem sie ihre frühen Gemälde verkauften. Natalia litt auch an vielen körperlichen Beschwerden, darunter eine schwere Form von Arthritis, die es unmöglich machte, auf einer Staffelei zu zeichnen. Sie demonstrierte weiterhin ihre Hingabe an die Arbeit und platzierte die Leinwand in einer ebenen Position vor sich, um den Pinsel weiter zu manipulieren.

Natalia unternahm 57 ihren letzten Versuch als Theaterdesignerin. Es bestand aus Kostümen und Bühnenbildern für eine Reihe von Balletten in Monte Carlo. Ein Jahr später veranstaltete sie die letzte Ausstellung ihres Gemäldes in Paris und zeigte etwa zwanzig Leinwände, die vom russischen Start des Weltraumsatelliten Sputnik inspiriert waren.

Das Paar war noch immer von finanziellen Problemen geplagt. Lediglich der Verkauf eines wesentlichen Teils der Bibliothek und der Werke der Ehegatten an das Victoria and Albert Museum in London trug zur Aufrechterhaltung der Zahlungsfähigkeit bei.

Natalia starb in Paris an Krebs. Auf ihrem Grabstein stand einfach geschrieben, dass sie Künstlerin und Malerin war. Mikhails Tod kam kurz darauf. Er wurde neben ihr mit derselben Inschrift auf seinem Grabstein begraben.

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