7 talentierte surrealistische Frauen, die würdige Rivalinnen von Frida Kahlo . sein könnten

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 00:01

Der Surrealismus war nicht nur eine künstlerische Bewegung, sondern auch ein Freiheitsdrang, der alle Aspekte des Lebens umfasste. Wie Meret Oppenheim sagte, lebten und arbeiteten surrealistische Frauen mit einem "bewussten Wunsch nach Freiheit". Wie ihre männlichen Kollegen waren auch surrealistische Frauen politische Aktivistinnen, Frauenrechtlerinnen und revolutionäre Kämpferinnen. Sie führten ein außergewöhnliches Leben als freie Individuen, erfanden ihre eigene Schönheit und Würde, drückten unmittelbare Energie, Attraktivität und Humor aus, und es überrascht nicht, dass einige von ihnen nicht nur männliche Künstler, sondern auch die legendäre Frida Kahlo übertrafen, deren Gemälde verwendet wurden seit vielen Jahren auf der ganzen Welt immens beliebt.

Als die 18-jährige Violetta Nozières am 21. August 1933 gestand, ihren Vater vergiftet zu haben, explodierte die französische Presse vor Entrüstung gegen sie. Der öffentlichen Meinung nach war Violetta ein "frivoles Mädchen", das im Gegensatz zu ihren hart arbeitenden Altersgenossen die für frischgebackene "emanzipierte" Frauen charakteristischen Tendenzen zeigte und ein ausschweifendes Leben führte. Es spielte keine Rolle, ob die Anschuldigungen wahr waren, auf jeden Fall beschloss die Presse, sie zum Sündenbock zu machen.

Und doch gab es immer noch eine einsame Stimme der Meinungsverschiedenheit: Die Surrealisten zeigten ihre Unterstützung für die kollektive Kreativität und wählten Violetta als ihren schwarzen Engel, eine Muse, die sie dazu inspirieren sollte, kontinuierlich gegen die bürgerliche Mentalität und ihre Mythen über Recht und Ordnung, Logik zu kämpfen und Grund. Das System, das zur sozialen Ungleichheit der postindustriellen Ära und zum Schrecken des Ersten Weltkriegs führte, war nach Ansicht der Surrealisten irreparabel fehlerhaft. Um sie zu besiegen, bedurfte es nicht nur einer politischen, sondern auch einer kulturellen Revolution.

So war die Emanzipation der Frauen grundlegend für den Sturz des Kapitalismus und des Patriarchats, beginnend mit einer Herausforderung an die bürgerliche Wahrnehmung von Frauen als von Natur aus gut, selbstlos, unterwürfig, ignorant, gottesfürchtig und gehorsam.

Poesie. Freiheit. Liebe. Die Revolution. Surrealismus ist kein skurriler Eskapismus, sondern erweitertes Bewusstsein. Grenzenlosigkeit und Zensur boten einen sicheren Ort, um das kollektive Trauma des Ersten Weltkriegs zu diskutieren und zu verarbeiten, und boten auch ein Ventil für die kreativen Bedürfnisse von Frauen.

Obwohl sie in der Bewegung willkommen geheißen und aktiv involviert waren, war das surrealistische Frauenverständnis noch sehr tief in Idealisierungsstereotypen verwurzelt. Frauen wurden entweder als Musen und Inspirationsobjekte wahrgenommen oder erregten Bewunderung als infantile Gestalten mit lebhafter Phantasie durch ihre Naivität und Veranlagung zur Hysterie.

Durch die Arbeit surrealistischer Frauen erhielten die Identitäten von Frauen wirklich die Chance, sich zu entfalten, fest in der Kunstwelt verankert, da sie sich den Mythos der Muse aneigneten, um ihr volles Potenzial als aktive Schöpferinnen auszudrücken erinnerte sich hauptsächlich an ihre oft sentimentalen Beziehungen zu männlichen Künstlern. Erst kürzlich wurde ihre Arbeit unabhängig analysiert und erhielt die ihr gebührende Aufmerksamkeit.

1. Valentin Hugo

Valentina Hugo wurde 1887 geboren und erhielt eine akademische Ausbildung als Künstlerin, die an der Pariser Hochschule der Schönen Künste studierte. Aufgewachsen in einer aufgeklärten und fortschrittlichen Familie, trat sie in die Fußstapfen ihres Vaters und wurde Illustratorin und Zeichnerin. Bekannt für ihre Arbeit mit dem russischen Ballett, hat sie enge berufliche Verbindungen zu Jean Cocteau entwickelt. Durch Cocteau lernte Hugo 1917 ihren späteren Ehemann Jean Hugo, den Urenkel von Victor Hugo, und André Breton, den Begründer der surrealistischen Bewegung, kennen.

Dank dieser Freundschaft kam sie der neu gegründeten Künstlergruppe, zu der Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso und Salvador Dali gehörten, immer näher. Während dieser Zeit trat sie dem Bureau of Surrealist Studies bei und stellte ihre Arbeiten 1933 in surrealistischen Salons und 1936 in der Ausstellung Fantastic Art, Dada, Surrealism im Museum of Modern Art aus.

Selbstmordgefährdet durch ihre surrealistischen Kollegen Rene Crevel und den Weggang von Tristan Tzara und Éluard, verließ sie die surrealistische Gruppe für immer. 1943 wurde ihr Wort in die Peggy Guggenheim Exhibition of 31 Women aufgenommen. Ihre erste Retrospektive fand 1977, zehn Jahre nach ihrem Tod, in Troyes, Frankreich, statt.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim wurde 1913 in Berlin geboren, zog aber zu Beginn des Ersten Weltkriegs in die Schweiz. Ihre Mutter und Großmutter, die in einer wohlhabenden Familie aufwuchsen, waren Frauenrechtlerinnen. Großmutter war eine der ersten Frauen, die Malerei studierte. In ihrem Haus in Karon lernte Meret viele Intellektuelle und Künstler kennen, wie die dadaistischen Maler Hugo Ball und Emmy Hennings sowie den Schriftsteller Hermann Hesse, der ihre Tante heiratete (und sich später von ihr scheiden ließ).

Ihr Vater, ein Arzt, war mit Carl Jung eng befreundet und besuchte oft seine Vorlesungen: Er führte Meret in die analytische Psychologie ein und ermutigte sie, schon früh ein Traumtagebuch zu führen. Dank dieses Wissens war Meret vielleicht der einzige Surrealist, der eine Autorität in der Psychoanalyse hatte. Seltsamerweise war sie auch eine der wenigen Surrealisten, die Jung Freud vorzogen.

1932 zog sie nach Paris, um ihrer künstlerischen Karriere nachzugehen, und knüpfte über den Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti Kontakt zum Surrealismus. Sie freundete sich bald mit dem Rest der Gruppe an, zu der damals Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst und Rene Magritte gehörten.

Als Picasso 1936 mit Picasso und Dora Maar in einem Pariser Café saß, bemerkte Picasso an Oppenheims Handgelenk ein ungewöhnliches pelzgefüttertes Armband, das für Elsa Schiaparellis Haus entworfen wurde. In einer expliziten Version der Ereignisse kommentierte Picasso, wie viele Dinge, die ihm gefallen, mit einem Stück Pelz verbessert werden könnten, worauf Oppenheim antwortete: "Sogar diese Tasse und Untertasse?"

Das Ergebnis dieses spielerischen Geplänkels war Oppenheims berühmtestes surreales Objekt, Déjeuner en Fourrure, das Alfred Barr für das neu geschaffene Museum of Modern Art kaufte. Als "Inbegriff eines surrealen Objekts" wurde die pelzgefütterte Tasse das erste Werk des Künstlers in der ständigen Sammlung des Museums. Während ihre Arbeit von ihren männlichen Kollegen begeistert aufgenommen wurde, hatte sie immer noch Mühe, sich als Künstlerin in ihren eigenen Verdiensten zu etablieren und zu vermeiden, Muse und Objekt der Inspiration zu sein.

Ihre Eigenständigkeit, Emanzipation und Rebellion machten sie in den Augen ihrer männlichen Kollegen zu einer fetischisierten Verkörperung der Femme-Enfant. Dieser Identitätskampf, die Auswirkungen des Antisemitismus auf die Praktiken ihres Vaters und die surreale Diaspora während des Zweiten Weltkriegs zwangen Meret, in die Schweiz zurückzukehren. Hier verfiel sie in eine tiefe Depression und verschwand fast zwanzig Jahre lang aus der Öffentlichkeit.

Während der 1960er und 70er Jahre aktiv, distanzierte sie sich schließlich von der Bewegung und lehnte Hinweise auf den Surrealismus aus der Zeit des Bretonen ab. Mit Sympathie für den Feminismus verriet sie jedoch nie ihren Jungschen Glauben, dass es keinen Unterschied zwischen Männern und Frauen gibt, und weigerte sich entschieden, an Ausstellungen "nur für Frauen" teilzunehmen.

Ihre Lebensaufgabe war es, Geschlechterkonventionen und Stereotypen aufzubrechen, die Geschlechtertrennung vollständig zu überwinden und die vollständige Meinungsfreiheit wiederzuerlangen., - Sie sagte.

3. Valentinsgruß Penrose

Valentina Penrose, eine der kritischsten und respektlosesten surrealistischen Künstlerinnen, hat einen Großteil ihres Lebens der Zerstörung der bürgerlichen Wahrnehmung von Frauen als ursprünglich gute, selbstlose, ehemännerverehrende, unterwürfige, ignorante, fromme, fleißige, gehorsame Ehefrauen und Töchter gewidmet.

Als eine der ersten Frauen, die sich der Bewegung anschlossen, war Penrose fasziniert von den Beispielen unorthodoxer Frauen und führte selbst ein unkonventionelles Leben. 1978 als Valentina Bouet geboren, heiratete sie 1925 den Historiker und Dichter Roland Penrose unter seinem Nachnamen. 1936 zog sie mit ihrem Mann nach Spanien, um sich der Arbeitermiliz zur Verteidigung der Revolution anzuschließen. Ihr Interesse an Mystik und östlicher Philosophie führte sie immer wieder nach Indien, wo sie Sanskrit und östliche Philosophie studierte. Valentina interessierte sich besonders für den Tantrismus, in dem sie eine wertvolle Alternative zur surrealen Besessenheit von "genitaler" Anziehung entdeckte, die von Freuds Psychoanalyse beeinflusst wurde.

Sie glaubte, dass die surreale Sicht der Frau als notwendiger "anderer Hälfte" die Frauen letztlich nicht aus ihren bürgerlichen Rollen befreien und sie daran hindern würde, einen eigenständigen Weg zu finden. Ihr wachsendes Interesse an Okkultismus und Esoterik trieb schließlich einen Keil zwischen sie und ihren Mann, was 1935 zu einer Scheidung führte. Im folgenden Jahr reiste sie erneut mit ihrer Freundin und Geliebten Alice Paalen nach Indien. Doch nach der Trennung der beiden Frauen wurde Lesbenismus zu einem wiederkehrenden Thema in Penroses Werk, das sich oft um die Charaktere Emily und Rubia drehte. Ihr Collagenroman Feminine Gifts von 1951 gilt als archetypisches surreales Buch. Das Buch zeigt die Abenteuer zweier Liebender, die durch Fantasiewelten reisen, und ist eine fragmentarische Sammlung zweisprachiger Gedichte und nebeneinander angeordneter Collagen, die ohne Nachfolge organisiert und mit einem erhöhten Komplexitätsgrad versehen sind.

Immer in Frage stellend das Stereotyp der idealen Frau, veröffentlichte sie 1962 ihr berühmtestes Werk, die romantische Biografie der Serienmörderin Erzbieta Bathory, The Bloody Countess. Der Roman um ein lesbisches Gothic-Monster erforderte jahrelange Recherchen in Frankreich, Großbritannien, Ungarn und Österreich: Ihrem Ex-Mann immer verschlossen verbrachte sie die letzten Jahre ihres Lebens in seinem Bauernhaus mit seiner zweiten Frau, der amerikanischen Fotografin Lee Miller, auch bekannt als Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon hat viele verschiedene Charaktere geschaffen, um Diskriminierung und Vorurteile zu vermeiden, angefangen bei der Wahl eines Pseudonyms, eines geschlechtsneutralen Namens, den sie die meiste Zeit ihres Lebens getragen hat. Kaon ist ein symbolisches Beispiel für einen Künstler, der zu seiner Zeit fast unbekannt blieb, aber in den letzten Jahren an Popularität und Anerkennung gewonnen hat und einer der berühmtesten unter den Surrealistinnen ist. Ihre Gender-Kunst und die von ihr vertretene erweiterte Definition von Weiblichkeit, die oft als Vorläuferin der postmodernen feministischen Kunst angesehen wird, sind zu grundlegenden Präzedenzfällen im postmodernen Diskurs und im Feminismus der zweiten Welle geworden.

Caon kam durch die Vereinigung Écrivains et Artistes Révolutionnaires mit den Surrealisten in Kontakt, wo sie 1931 Bretonen kennenlernte. In den folgenden Jahren stellte sie regelmäßig mit der Gruppe aus: Ihr berühmtes Foto von Sheila Legg stehend auf dem Trafalgar Square erschien in vielen Zeitschriften und Publikationen. Trotz der revolutionären Position betrachteten die Kommunisten Homosexualität als Luxus, den sich nur die ausschweifende Elite leisten konnte.

Claude lebte mit ihrer Halbschwester und Lebensgefährtin Suzanne Malherbe zusammen, die auch das männliche Pseudonym Marcel Moore annahm. Die Lohnungleichheit beraubte Frauen bewusst die Möglichkeit, sich selbst zu versorgen, sodass sie auf die wirtschaftliche Unterstützung von Pater Kaon angewiesen waren, um zu überleben. Ohne externes Publikum wurde Kaons Kunst in erster Linie in einer häuslichen Umgebung geschaffen und bietet einen ungefilterten Blick auf ihr künstlerisches Experimentieren. Mit Masken und Spiegeln betrachtete Claude das Wesen der Identität und ihre Pluralität und schuf damit einen Präzedenzfall für postmoderne Künstler wie Cindy Sherman.

Mit ihren Fotografien hat Claude modernistische (und surrealistische) Mythen über die essentielle Weiblichkeit und die ideale Frau zurückgewiesen und transzendiert und die postmoderne Idee vertreten, dass Geschlecht und Attraktivität tatsächlich konstruiert und ausgeführt werden und dass Realität nicht einfach durch Erfahrung gelernt, sondern definiert wird durch Diskurs. Während der deutschen Invasion wurden Claude und Marseille wegen ihrer antifaschistischen Bemühungen festgenommen und zum Tode verurteilt. Obwohl sie den Tag der Befreiung erlebten, erholte sich Claudes Gesundheit nie vollständig und sie starb schließlich 1954 im Alter von sechzig Jahren. Marcel überlebte sie mehrere Jahre, danach beging sie 1972 Selbstmord.

5. Maria Cherminova (Toyen)

Die geborene Maria Cherminova, besser bekannt als Toyen, war Teil des tschechischen Surrealismus und arbeitete mit dem surrealistischen Dichter Jindřich Štyrski zusammen. Wie Kaon nahm auch Toyen ein geschlechtsneutrales Pseudonym an. Als zweideutiger Charakter widersetzte sich Toyen vollständig den Geschlechterkonventionen, trug sowohl männliche als auch weibliche Kleidung und übernahm Pronomen beider Geschlechter. Obwohl sie dem französischen Surrealismus skeptisch gegenüberstand, fiel ihre Arbeit weitgehend mit der bretonischen Bewegung zusammen, und in den 1930er Jahren war die Künstlerin zu einem festen Bestandteil des Surrealismus geworden. Immer transgressiv, hat Toyens Interesse an schwarzem Humor und Erotik sie in der surrealen Tradition der hypersexuellen, respektlosen Kunst gefestigt, die von den Werken des Marquis de Sade beeinflusst ist.

1909 fand Apollinaire in der Nationalbibliothek von Paris eines der seltenen Manuskripte von de Sade. Tief beeindruckt beschrieb er ihn in seinem Essay L'oeuvre du Marquis de Sade als "den freisten Geist, der je gelebt hat", was zu einer Wiederbelebung der Popularität von de Sade unter surrealistischen Malern beitrug. De Sade, in dessen Namen Sadismus und Sadismus entstanden, verbrachte die meiste Zeit seines Lebens entweder im Gefängnis oder in psychiatrischen Anstalten für seine Schriften, die philosophischen Diskurs mit Pornografie, Blasphemie und erotischen Gewaltfantasien verbanden. Trotz strenger Zensur haben seine Bücher in den letzten drei Jahrhunderten die europäischen Intellektuellenkreise beeinflusst.

Wie die Bohemiens vor ihnen waren auch die Surrealisten von seinen Geschichten fasziniert, identifizierten sich mit de Sades revolutionärer und provokativer Persönlichkeit und bewunderten seine widersprüchlichen Angriffe auf den bürgerlichen Geschmack und die Steifheit. Die sadistische Haltung mischte Gewalt und Anziehung und wurde zu einem Mittel, um angeborene Impulse, die im Unterbewusstsein verborgen waren, freizusetzen: - Lesen Sie das Erste Manifest des Surrealismus. Toyen würdigte den freizügigen Schriftsteller mit einer Reihe erotischer Illustrationen für die tschechische Übersetzung von Shtyrskys Justine.

Der nie präsente politische Aspekt von Toyens Kunst wurde jedoch mit der Verschlechterung der politischen Situation in Europa deutlicher: Die Tyr-Serie offenbart die zerstörerische Natur des Krieges durch die Ikonographie von Kinderspielen. Nach der kommunistischen Machtübernahme in der Tschechoslowakei 1948 in Paris niedergelassen, blieb Toyen bis zu ihrem Tod 1980 aktiv und arbeitete weiterhin mit dem Dichter und Anarchisten Benjamin Pere und dem tschechischen Künstler Jindrich Heisler zusammen.

6. Itel Kohun

Während des Zweiten Weltkriegs getrennt, neigten Surrealisten der zweiten Generation dazu, sich vom Mainstream zu distanzieren und ihre eigenen Forschungsrichtungen zu entwickeln. Künstlerinnen übernahmen die surreale Vorstellung der mythischen Frau und verwandelten sie in ein kraftvolles Bild einer Zauberin und eines Wesens, das ihre transformativen und generativen Kräfte kontrolliert. Femme-enfant, die die erste Generation surrealistischer Frauen inspirierte, ist heute eine Femme-Sorciere, die Meisterin ihrer eigenen schöpferischen Kraft.

Während männliche Künstler ein externes Medium, oft einen weiblichen Körper, als Medium für ihr Unterbewusstsein zu benötigen schienen, hatten Künstlerinnen keine solchen Barrieren und nutzten ihren eigenen Körper als Grundlage für ihre Suche. Ich-Andersheit, das Alter Ego, durch das Künstlerinnen ihr Inneres erforschten, war nicht das andere Geschlecht, sondern die Natur selbst, oft dargestellt durch Tiere und fantastische Kreaturen.

Für ihre Generation, die zwei Weltkriege, eine Wirtschaftskrise und eine gescheiterte Revolution überlebte, waren Magie und Primitivismus befreiend. Für Künstler war Magie ein Mittel der Veränderung, das die Entwicklung von Kunst und Wissenschaft vereinte und aufhielt, eine dringend benötigte Alternative zu Religion und Positivismus, die zu den Gräueltaten des Krieges führten. Schließlich ist Okkultismus für Frauen zu einem Mittel geworden, um patriarchale Ideologien zu stürzen und das weibliche Selbst zu stärken.

Es ist nicht verwunderlich, dass Itel Kohun sich im Alter von siebzehn Jahren für das Okkulte interessierte, nachdem er Crowleys Abbey of Thelema gelesen hatte. Nach ihrer Ausbildung an der Slade School of Art zog sie 1931 nach Paris. Doch erst in Großbritannien nahm ihre Karriere ihren Lauf: Nach mehreren Einzelausstellungen wurde sie Ende der 1930er Jahre zu einer der prominentesten Figuren des britischen Surrealismus. Ihre Zugehörigkeit zur Bewegung war nur von kurzer Dauer und sie verließ sie nach einem Jahr, als sie sich zwischen Surrealismus und Okkultismus entscheiden musste.

Während sie sich weiterhin als surrealistische Künstlerin definierte, ermöglichte ihr das Brechen der formalen Verbindungen mit der Bewegung eine persönlichere Ästhetik und Poesie. Auf ihre Art verwendete sie viele surreale Techniken wie Frottage, Abziehbilder, Collagen und entwickelte auch ihre eigenen inspirierenden Spiele wie Parsemage und entoptische Graphomanie. Als Anführer der dunklen Macht erkannte Itel in den Frauen das Potenzial der Schöpfung, Erlösung und Auferstehung, das sie mit Natur und Raum verband.

Ihre Arbeit, die Parallelen zwischen Naturschutz und Frauenemanzipation zieht, war ein starker Präzedenzfall für die Weiterentwicklung des Ökofeminismus. Die Suche nach der verlorenen Göttin war eine Wiedervereinigung der Frauen mit der Natur und die Wiederentdeckung ihrer eigenen Macht, eine Reise, die zur Rückkehr von Wissen und Macht führte.

7. Leonora Carrington

Leonora Carrington, eine der langlebigsten und produktivsten surrealistischen Frauen, war eine britische Künstlerin, die während der surrealistischen Diaspora nach Mexiko floh. Sie wurde 1917 als Tochter eines wohlhabenden britischen Textilfabrikanten und einer irischen Mutter geboren. Aufgrund ihres rebellischen Verhaltens wurde sie von mindestens zwei Schulen verwiesen. Carrington ist mehr als zwanzig Jahre jünger als die meisten Surrealisten und kam ausschließlich durch Ausstellungen und Publikationen mit der Bewegung in Kontakt.

1937 lernte sie Max Ernst auf einer Londoner Party kennen. Sie kamen sich sofort näher und zogen zusammen nach Südfrankreich, wo er sich schnell von seiner Frau trennte. Zu dieser Zeit entstand eines ihrer bekanntesten Werke, "Selbstporträt". Mit Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde Ernst als „unerwünschter Ausländer“interniert, aber auf Fürsprache Eluards freigelassen. Von der Gestapo frisch festgenommen, entkam er nur knapp einem Internierungslager, was ihn dazu veranlasste, in den Staaten Zuflucht zu suchen, wo er mit Hilfe von Peggy Guggenheim und Varian Fry emigrierte.

Leonora wusste nichts über das Schicksal von Ernst, verkaufte ihr Haus und floh ins neutrale Spanien. Am Boden zerstört erlitt sie in der britischen Botschaft in Madrid einen Nervenzusammenbruch. Im Krankenhaus wurde sie mit einer Schocktherapie und schweren Medikamenten behandelt, die zu Halluzinationen und Ohnmacht führten. Nach einer Behandlung floh die Frau nach Lissabon und dann nach Mexiko. Dort heiratete sie den mexikanischen Botschafter Renato Deluc und lebte mit ihm für den Rest ihres Lebens bis zu ihrem Tod im Jahr 2011. Ihre Suche nach weiblicher Spiritualität basierte auf Groves Essay The White Goddess aus dem Jahr 1948, der ein erneutes Interesse an der heidnischen Mythologie weckte für surrealistische Frauen war der Mythos von den matriarchalen Ursprüngen der Menschheit. Inspiriert von dieser neuen Mythologie stellten sich die surrealistischen Frauen der zweiten Welle fantastische egalitäre Gesellschaften vor, in denen Mensch und Natur in Harmonie lebten: eine Vision der Zukunft, die von Frauen geschaffen wurde.

Kunst ist so facettenreich, dass es manchmal schwer fällt, sich zu entscheiden, was einem gefällt und Aufmerksamkeit erregt. Digitale Malerei war keine Ausnahme., die überraschend viele Fragen aufwirft und doppelte Empfindungen und Eindrücke hervorruft. Außerdem wissen nur die wenigsten, wie dieses Werk zu einem Teil der großen Kunst wurde, für die heute viele Fans dieses Trends bereit sind, eine ordentliche Summe auszugeben.